Clásicos de los Grandes Tríos (de Rock) parte 2

CLÁSICOS DE LOS GRANDES TRÍOS (de Rock)

(Parte 2)

Por Jose Ramon Gonzalez Chavez

Motorhead

Trío británico, fundado en 1975 por el bajista cantante y compositor Lemmy Kilmister.

Tuvo gran éxito en los 80 con varios sencillos y con el tiempo llegaron a consolidarse como uno de los mejores grupos británicos de lo que se denomina “Heavy Metal” (otros le llaman speed metal, o thrash metal), aunque Kilmister lo considera como un grupo de Rock and Roll.

Sus letras hablan de la guerra, el abuso del poder, del sexo el abuso de sustancias (De ahí el nombre Motorhead que se usa para en EU para el consumidor habitual de anfetaminas), y la vida en la carretera.

El logo del grupo “Snaggletooth (a veces llamado War Pig) es una mezcla de gorila, con lobo y perro, con cuernos gigantescos, casco, cadenas y objetos punzantes; fue creado por Joe Petagno en 1977 para la portada de su primer álbum y de ahí se quedó para los subsecuentes.

  • Ace of Spades (Ace of Spades, 1980)
If you like to gamble, I tell you I’m your man You win some, lose some, it’s – all – the same to me The pleasure is to play, it makes no difference what you say I don’t share your greed, the only card I need is The Ace Of Spades   Playing for the high one, dancing with the devil, Going with the flow, it’s all a game to me, Seven or Eleven, snake eyes watching you, Double up or quit, double stakes or split, The Ace Of Spades   You know I’m born to lose, and gambling’s for fools, But that’s the way I like it baby, I don’t wanna live forever, And don’t forget the joker  Si te gusta apostar, te diré que soy a quien buscas Ganas algo, pierdes algo, es lo mismo para mí El placer es jugar, no hará diferencia lo que digas No compartiré tu opinión, la única carta que necesito es el As de Espadas   Jugando por la más alta, bailando con el diablo Yendo con la corriente, todo es un juego para mí 7 u 11, ojos de serpiente mirándote Doble o no vas, doble o pasa, El As de Espadas   Sabes? Nací para perder, y las apuestas son de tontos Pero así es como me gusta nene, No quiero vivir para siempre Y no olvides el comodín  
  • Overnight Sensation
I know you’re only talking To keep the silence out Maybe you should listen and leave some room for doubt You’re just handing out bad reputations Why don’t you shut your mouth   Overnight sensation, All mouth and no soul The bad boys sold your franchise And stole your Rock ‘n’ Roll   I know I ain’t no beauty But I know who I am I ain’t running for sheriff I ain’t that kind of man To live outside the law , my dear You gotta give a damn   Overnight sensation You be shot full of holes The bad boys stole your franchise And stole your Rock ‘n’ Roll   You know you put the hurt on me You do it all the same Us guys ain’t s’pose to hurt at all Our faces fit the frame You know I’m only talking To keep you here with me   Maybe you should listen How hard could it be Good manners don’t cost nothing But that ain’t what you want from me   Overnight sensation Turn your hard heart cold The bad boys sold your franchise And stole your Rock ‘n’ Roll   You’re just looking for someone To take your spirit home The bad boys sold your franchise, baby and stole your Rock ‘n’ Roll  Sé que solo estás hablando Para romper el silencio Quizá deberías escuchar y dejar algo de espacio para la duda Solo estas dejando mala reputación Por qué no mejor cierras la boca   Sensación trasnochada Pura boca y nada de alma Los chicos malos vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll   Sé que no soy una belleza Pero sé quién soy No corro por el Sheriff No soy ese tipo de persona Para vivir fuera de la ley, querido No vales un cacahuate.   Sensación trasnochada Estas lleno de hoyos de disparos Los chicos males vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll   Sabes que me has lastimado Siempre haces lo mismo Los tipos de EU parecen no herirse en lo absoluto Nuestras caras quedan dentro del marco Sabes que solo estoy hablando Para mantenerte aquí conmigo   Quizá puedas escuchar Que tan duro puede ser Los buenos modales no cuestan nada Pero no es lo s que quieres de mí   Sensación trasnochada Mantén frío tu duro corazón Los chicos males vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll   Solo buscas a alguien Para llevarte su espíritu a casa Los chicos males vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll  

The Police

Trío de Rock considerado el grupo más importante de finales de la década de los 80. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock (punk, new wave), el reggae y el jazz.

Formado en 1977 en Londres, y unido formalmente hasta 1986 (nunca avisaron de su disolución).

Vendieron casi 70 millones de copias a nivel mundial.

Se integró por:

  • Gordon Matthew Summer (Newcastle upon tyne, 2 de octubre de 1951) (voz y bajo); más conocido por su apodo “Sting”, agijón en inglés y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud);
  • El guitarrista de Origen Francés Henry Padovani, quien luego sería sustituido por Andy Summers (Guitarra y coros) (31 de diciembre de 1942, Lancashire), exintegrante de grupos como The Animals, o Zoot Money, Kavin Ayers y Neil Sedaka.
  • Stewart Copeland (Alexandria Virginia, EUA, 16 de julio de 1952 (batería, voz y coros).

E 1977 el líder Copeland y Padovani tomaron la iniciativa de hacer algo en la onda Punk, integraron a Sting y grabaron un Single que su autor Copeland tituló “Fall Out”, editada por el sello independiente IRS y donde Copeland toca la guitarra. Aunque tuvo su éxito, no les alcanzó para el despegue formal. La poca experiencia de Padovani como guitarrista limitaba la capacidad creativa del grupo.

Copeland inisitía en mantener a Padovani y su línea punk; por su parte, Sting odiaba el punk por lo limitado de su estructura, que limitaba su creatividad.

Durante unos ensayos para participar en un tributo al grupo “Gong” Copeland y Sting conocen a Summers, que era amigo de Mike Howlett, uno de los músicos de Gong, quien les propone que formen un trío al que le pusieron el nombre de Strontium 90. De esas sesiones quedaron tracks que a fines de los 90 se publicarían como el título de “Police Academy”.

Allí aparece la versión en demo de Every little thing she does is magic.

Every little thing she does is magic (Strontium 90, 1977)

Though I’ve tried before to tell her Of the feelings I have for her in my heart Every time that I come near her I just lose my nerve As I’ve done from the start   (Chorus) Every little thing she does is magic Everything she do just turns me on Even though my life before was tragic Now I know my love for her goes on   Do I have to tell the story Of a thousand rainy days since we first met It’s a big enough umbrella But it’s always me that ends up getting wet     I resolve to call her up a thousand times a day And ask her if she’ll marry me in some old fashioned way But my silent fears have gripped me Long before I reach the phone Long before my tongue has tripped me Must I always be alone?Aunque he intentado hablarle antes Sobre los sentimientos que tengo hacia ella en mi corazón Cada vez que me acerco a ella Pierdo los nervios Como llevo haciendo desde el principio   Cada cosita que ella hace es mágica Todo lo que ella hace me enciende Aunque mi vida antes haya sido trágica Ahora sé que mi amor por ella perdura   ¿Tengo que contar la historia? De un millar de días lluviosos desde que nos conocimos Es un paraguas suficientemente grande Pero siempre soy yo quien acaba mojándose   Me decido a llamarla mil veces al día Y preguntarle si se casará conmigo de algún modo tradicional Pero mis temores silenciosos se han pegado a mí Mucho antes de que tomar el teléfono Mucho antes de trabarse mi lengua ¿Debo siempre estar solo?  

Summers percibe que hay algo que podría lograr en esa banda, pero Padovani no encaja, Summers es un tipo experimentado y que a esas alturas ya se había codeado con todos los músicos de su época (Clapton, Hendrix, Page…) y Padovani llevaba apenas unos meses tocando la guitarra. Copeland empecinado con mantener a Padovani en la banda sugirió probar con un cuarteto, pero la diferencia seguía siendo abismal entre ambos guitarristas, no llegaban a los mismos acordes en los mismos tiempos, por ejemplo.

Todo eso llevó a Summers a darles un ultimátum a Sting y Copeland: “quiero que el grupo sea un trío”. Summers relataba en su libro “El tren que no perdí” esa situación diciendo que “me sentía mal porque le estaba quitando el empleo a otra persona, pero ¿de qué empleo hablo, el del guitarrista de una banda que no es nada y no ha llegado a ninguna parte?”

3 O‘clock shot:

Everyone I know is lonely My God’s so far away
And my heart belongs to no one So now sometimes I pray Please take this space between us And fill it up some way I’ve been waiting for my brothers Since fucking Christmas day   (Chorus) There’s a song that everyone’s heard Let me hear it, make me a part Songs everyone’s heard Let me hear it, make me a part   Nothing seems to matter To no one anymore They say my world is shattered I just did it on the floor It won’t go no further It is here I make my stand If you say my life is precious When you held it in your hand   (Chorus)  
Todos saben que es solitario Mi Dios está muy lejos Y mi corazón no pertenece a nadie Asique algunas veces rezo Por favor toma este espacio entre nosotros y llénalo de alguna forma He esperado a mis hermanos Desde la maldita navidad   (Coro) Hay una canción que todo el mundo oyó Déjenme oírla, háganme a un lado Canciones que todos han oído Déjenme oírla, háganme a un lado   Nada parece importar A nadie ya Dicen que mi mundo está destrozado Solo lo hice en el piso No iré más lejos Es aquí que me detuve Si dices que mi vida es preciosa Cuando la tomaste en tu mando   (Coro)

Finalmente, Sting y Copeland despidieron a Padovani y fue así como quedo integrado el grupo en definitiva.

Pero luego vinieron las broncas de dónde tocar, que tocar, dónde grabar.

Una vez que en Paris tenían que telonearle a un grupo, el concierto se canceló y tuvieron que ir de vuelta al hotel empujando el viejo coche de Summers, mientras les pillaba la lluvia. Summers y Copeland se quedaron viendo Star Wars mientras Sting decidió darse una vuelta por el Barrio de Pigalle, famoso entre otras cosas por sus hermosas prostitutas. Fue ahí donde se le ocurrió componer una de las canciones icónicas del grupo: Roxanne.

Roxanne (Outlandos D’Amour 1978):

Roxanne You don´t have to put on the red light Those days are over You don´t have to sell your body to the night   Roxanne You don´t have to wear that dress tonight Walk the streets for money You don´t care if it´s wrong or if it´s right   Roxanne You don´t have to put on the red light   I loved you since i knew you I wouldn´t talk down to you I have to tell you just how i feel I won´t share you with another boy I know my mind is made up So put away your make up Told you once i won´t tell you again It´s a bad way   You don´t have to put on the red lightRoxanne No tienes que ponerte en la luz roja Esos días se terminaron No tienes que venderle tu cuerpo a la noche   Roxanne No tienes que ponerte ese vestido esta noche Caminar las calles por dinero No te importa si está mal o si está bien   Roxanne No tienes que ponerte en la luz roja   Te amé desde que te conocí No hubiera hablado contigo Tengo que decirte simplemente cómo me siento No te compartiré con otro chico Sé que mi mente está en orden Así que guarda tu maquillaje Te lo dije una vez, no te lo diré de nuevo Es un mal camino   No tienes que ponerte en la luz roja  

Message in a bottle (Regatta Le Blanc 1979):

Just a castaway, An island lost at sea Another lonely day, With no one here but me More loneliness, Than any man could bear Rescue me before I fall into despair       (Chorus) I’ll send an SOS to the world, I hope that someone gets my Message in a bottle, Message in a bottle   One whole year has passed since I wrote my note I should have known this right from the start Only hope can keep me together, Love can mend your life, But love can break your heart   (Chorus)   Walked out this morning, Don’t believe what I saw A hundred million bottles, Washed up on the shore Seems I’m not alone at being alone, A hundred million castaways, Looking for a home   (Chorus)  Como un náufrago, en una isla perdida en el mar Otro día solitario, con nadie más aquí, que yo Más soledad de la que cualquier hombre podría soportar Rescátenme antes de que caiga en la desesperación   (Coro) Enviaré un SOS al mundo Espero que alguien encuentre mí Mensaje en una botella.   Un año ha pasado desde que escribí mi nota Debí haberlo sabido desde el principio Solo la esperanza puede mantenerme El amor puede arreglar tu vida, Pero también puede destruir tu corazón   (Coro)   Salí a caminar esta mañana, No puedo creer lo que vi. Cien millones de botellas varadas en la playa Me parece, que no estoy solo en esto de estar solo Cien millones de náufragos, buscando un hogar   (Coro)  

Synchonicity I (1983):

With one breath, with one flow You will know Synchronicity A sleep trance, a dream dance, A shared romance Synchronicity   A connecting principle Linked to the invisible Almost imperceptible Something inexpressible Science insusceptible Logic so inflexible Causally connectible Yet nothing is invincible   If we share this nightmare Then we can dream Spiritus mundi If you act as you think The missing link Synchronicity   We know you, they know me Extrasensory Synchronicity A star falls, a phone call It joins all Synchronicity   It’s so deep, it’s so wide You’re inside Synchronicity Effect without a cause Sub-atomic laws, scientific pause Synchronicity  Con un aliento, con un flujo Tú lo sabrás Sincronía Un trance de sueño, una danza de sueño Un romance compartido Sincronía     Un principio de conexión Ligado a lo invisible Casi imperceptible Algo inefable Ciencia no susceptible Lógica tan inflexible Causalmente conectable Aún nada es invencible       Si compartimos esta pesadilla Entonces podemos soñar Spiritus mundi Si actúas como piensas El eslabón perdido Sincronía     Te conocemos, ellos me conocen Extrasensorial Sincronía Una estrella cae, una llamada telefónica Lo une todo Sincronía     Es tan profundo, es tan amplio Estás dentro Sincronía Efecto sin causa Leyes sub-atómicas, pausa científica Sincronía  

Synchronicity II

Another suburban morning Grandmother screaming at the wall We have to shout above the din of our Rice Crispies We can’t hear anything at all Mother chants her litany of boredom and frustration But we know all the suicides are fake Daddy only stares into the distance There’s only so much more that he can take Many miles away something crawls from the slime At the bottom of a dark Scottish lake     Another industrial ugly morning The factory belches filth into the sky He walks unhindered through the picket lines today He doesn’t think to wonder why The secretaries pout and preen like cheap tarts on a red light street But all he ever thinks to do is watch And every single meeting with his so called superior Is a humiliating kick in the crotch Many miles away something crawls to the surface Of a dark Scottish Loch   Another working day has ended Only the rush-hour hell to face Packed like lemmings into shiny metal boxes Contestants in a suicidal race Daddy grips the wheel and stares alone into the distance He knows that something somewhere has to break He sees the family home now looming in his headlight The pain upstairs that makes his eyeballs ache Many miles away there’s a shadow on a door Of a cottage by the shore Of a dark Scottish lakeOtra mañana suburbana La abuela gritandole a la pared Tenemos que gritar por encima del estruendo de nuestro Rice Crispies No podemos oír nada en absoluto Madre canta su letanía de aburrimiento y frustración Pero sabemos que todos los suicidios son falsos Papá sólo mira a la distancia Sólo hay mucho más de lo que él puede tomar A muchos kilómetros de distancia algo se arrastra desde el limo En el fondo de un oscuro lago escocés   Otra fea mañana industrial La fábrica eructa suciedad en el cielo Él camina sin obstáculos a través de las perforaciones de su tarjeta checadora de hoy Él no piensa en preguntarse por qué Las secretarias hacen pucheros y se acicalan como pastelillos baratos en una calle de luz roja Pero todo lo él piensa hacer es observar Y cada junta con su disque superior Es una humillante patada en la entrepierna A muchos kilómetros de distancia algo se arrastra hacia la superficie De un oscuro lago escocés   Otro día de trabajo ha terminado Sólo para encarar el infierno del tránsito de la hora pico Empacados como lemmings en pequeñas cajas de metal brillante Participantes en una carrera suicida Papá se agarra al volante y observa solo en la distancia Él sabe que algo en alguna parte se tiene que romper Ahora él ve la casa familiar ve aparecer en sus faros El dolor en el piso de arriba que hace que le duelan los ojos A muchas millas de distancia hay una sombra en una puerta De una cabaña a la orilla De un oscuro lago escocés  

Rush

Trio Canadiense etiquetado en el rock progresivo. Formada en agosto de 1968 en Willowdale, Toronto, Ontario.

Integrada por el Geddy Lee (bajo, teclado y voz); Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (Bateria y letras), Su formación se mantiene estable desde 1974, cuando Neil Peart reemplazó al baterista original, John Rutsey antes de su primera gira por EEUU.

Desde su primer album salido a la luz en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la temática de sus letras, dominadas por la ciencia ficción, la fantasía, la filosofía libertaria, aunque han desarrollado también temas humanitarios, sociales, emocionales y medioambientales.

Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años: sus primeros álbumes muestran una influencia de Heavy Metal, inspirada en el blues. Luego se inclinó más hacia el Hard Rock y el progresivo, donde predominaron los sintetizadores.

Han influenciado a numerosos grupos como Metallica, The Smashing Pumpkins, y Primus, y otros progresivos como Queensyrche, Dream Theater y Symphony X

A 2004 habían vendido unos 40 millones de discos y en 2009 solo en EU sus ventas eran de más de 25 millones de copias, logrando 24 discos de oro y 14 de platino, 3 de ellos de multiplatino (más de 2 millones de copias vendidas): 2112 (1976), Moving Pictures (1981) y Chronicles (1990). Son el grupo que más discos de platino ha tenido solo después de The Beatles, The Rolling Stones y Aerosmith.

Tienen 7 nominaciones al Grammy y en 1999 entraron al salón de la fama del Rock Canadiense y en 2013 al de EU.

A passage to Bangkok (2112 – 1976)

Tears (2112 – 1976)

Tom Sawyer (Moving Pictures, 1981)

Nirvana

Fue una banda de Grunge noreamericana procedente de Aberdeen Washington, formada en 1987 por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl quien después del suicidio de Cobain fundara el grupo Foo Foghters. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.1 2

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut Bleach, lanzado bajo el sello independiente de Seattle Sub Pop en 1989.3 La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: Nevermind. El primer sencillo del álbum Smells like teen spirit, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que en la escena musical mundial hasta ese momento era conocido como Punk y Rock Alternativo, en un movimiento al que los medios de la época se referirían después como Grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chaines y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90s.4

Kurt Cobain, líder del grupo, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de la Generación X» y a Nirvana como su «banda símbolo».5 Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, In Utero. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum.6 Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con el suicidio de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, You Know You’re Right, un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo.

En 2004 fueron rankeados en el puesto #27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto #14 según la revista VH1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 80 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos y 30 millones en todo el mundo.7 8

En el año 2014 Nirvana ingresó al salón de la fama del Rock and Roll.

Rape Me (In Utero 1993)

Something in the Way (Never Mind, 1993)

Green Day

Trío norteamericano catalogado dentro del género “Pop Punk” o “Punk Rock”, integrado por Billie Joe Armstrong (guitarra y voz) Mike Drint (bajo y coros) y Tre Cool (batería y coros), formación original que perduró hasta el 2012, cuando integra a su guitarrista de apoyo por más de trece años Jason White. El grupo originario de Berkeley California, se gestó en 1987 con el nombre de Sweet Children, con el baterista John Kiffmeyer (mejor conocido como Al Sobrante). En 1989 se cambiaron al nombre actual y poco después del lanzamiento de su primer álbum de estudio 39/Smooth Tré Cool reemplazó a Al Sobrante.1

Fue uno de los grupos que nacieron en el club 924 Gilman Street, sitio frecuentado por bandas de punk rock. Sus primeras publicaciones se realizaron por medio del sello discográfico independiente Lookout!, gracias a las exitosas ventas de sus primeros trabajos discográficos, se obtuvo una importante cantidad de admiradores. Algunos años después, en 1994 el conjunto firmó con Reprise Records, con este sello lanzaron el aclamado Dookie,5con este nuevo álbum el conjunto llevó el sonido de finales de la década de 1970 a la nueva generación, además, el álbum se convirtió en un éxito internacional y lleva vendidas más de veinticinco millones de copias en todo el mundo.6 7

Junto a otras bandas como The Ofspring y Rancid Green Day el renacimiento y popularización del punk rock y de hecho de la cultura punk en general en los Estados Unidos,8 9. Las ventas masivas ventas produjeron la apertura de una ola de grupos de Punck Pop y Punk Metal.

Diez años después muchos de esos conjuntos se encuentran inactivos o disueltos, mientras que Green Day sigue en plena vanguardia musical con las ópera Rock Americn Idiot y 21st Century Breakdown de 2004 y 2009 respectivamente, ambas ganadoras de un Grammy como mejor albun de Rock. Recientemente editaron una trilogía de álbumes titulados ¿Uno, Dos y Tré!, editados en septiembre, noviembre y diciembre de 2012 respectivamente.1

El conjunto estadounidense ha vendido alrededor de 85 millones de copias en todo el mundo y 30 millones solo en su país.10 11

En 2010 se estrenó en Broadway una adaptación teatral American Idiot, musical que fue nominado para Tony Awards, incluyendo Mejor Musical y Mejor Diseño Escénico, y ha recibido comentarios positivos en general.

A mediados de 2011 la revista Kerrang los nombró como el segundo grupo más influyente surgido en los últimos treinta años, sólo por detrás de Metallica.12 Según una encuesta en la publicación quincenal de Rolling Stone, se eligió a Green Day como el mejor conjunto de punk de la historia (¿!).13

She’s a Rebel (American Idiot, 2004)

Wake me up before september ends (American Idiot, 2004)

Muse

Trío británico de rock alternativo, formado en 1994 en Teignmouth Inglaterra, integrado por Matt Bellamy (compositor, quitara, voz y teclados), Dominic Howard (batería y percusiones) y Christopher Wolstenholme (bajo, teclados y coros).

Tras el lanzamiento de su album Black Holes and Revelations, Morgan Nicholls se sumó al grupo durante las presentaciones en vivo, haciéndose cargo de teclados samples, algunos coros, a veces del bajo y últimamente de la segunda guitarra.

Muse es conocido por sus extravagantes espectáculos en vivo, donde fusionan géneros musicales como Rock Alternativo, Space Rock, Rock Progresivo, Rock Sinfónico, y Música Electrónica con los intereses excéntricos de Bellamy por la Conspiración global, la revolución astrofísica, la vida extraterrestre, el pensamiento humano y la idea del fin del mundo simbólico, que se revelan en sus letras.

Hasta la fecha, Muse ha lanzado seis álbumes de estudio: Showbiz (1999), Origin of Symmetry (2001), Absolution (2003), Black Holes and Revelationes (2006), The Resistance (2009) y The 2nd Law (2012). También han publicado tres álbumes en vivo: Hullabaloo Soundtrack 2002), el cual también contiene una compilación de lados B; HARP (2008), que documenta las presentaciones de la banda en el Estadio de Wembley en 2007; Live at Rome Olympic Stadium (2013), una presentación de la banda ante más de 60 000 personas en la capital de Italia; Drones (2015) y Simulation Theory (2018).

Black Holes and Revelations le valió a Muse una nominación al Mercury Prize y un tercer lugar en la lista de los mejores álbumes del año según la revista NME en 2006. Muse también ganó diversos premios a lo largo de su carrera, incluyendo cinco MTV Europe Music Awards, seis Q Awards, ocho NME Awards, dos Brit Awards, el premio a la «mejor actuación británica en vivo» dos veces, un MTV video music award, cuatro Kerrang Awards y un American Music Award.

También fueron nominados para cinco Premios Grammy, donde ganaron en la categoría de mejor álbum de Rock en 2011, por su quinto álbum de estudio The Resistance (2009).

Destacan sus Sencillos Hyper Music/Feeling Good (Origin Of Symmetry); Time is Running Out (Absolution); Supermassive Black Hole y Starlight (Black Holes and Revelations); Uprising (The Resistance); Madness (The 2nd Law)

Feeling Good

Starlight

Madness

Clásicos de los Grandes Tríos (de Rock) parte 1

CLÁSICOS DE LOS GRANDES TRÍOS (de Rock)

(Parte 1)

Por Jose Ramon Gonzalez Chavez

The Jimmy Hendrix Experience (Band of Gypsys)

Trio formado en Londres en 1966. A pesar de su corta existencia el grupo tuvo una gran influencia en el desarrollo contemporáneo y posterior del Rock.

Destacó principalmente por el virtuosismo de su guitarrista Jimmy Hendrix, considerado casi unánimemente uno de los más grandes de todos los tiempos; no obstante ser el cantante y guitarrista del grupo y compositor de muchas de sus canciones, y por tanto ser el centro de atención de la imagen del conjunto, Hendrix nunca adoptó la postura de estrellita. Los otros dos miembros: el bajo y segunda voz Noel Redding y el gran baterista Mitch Mitchell, fueron vitales y tuvieron una gran importancia para el éxito del grupo. La presencia de los tres se siente siempre equilibrada, no se trata de un solista acompañado de un bajo y una batería, se oye y se siente como trío.

Solo grabaron tres discos, suficientes para formar parte de los mejores grupos de la historia del Rock.

Su primer disco “Are you Experienced?” no tiene desperdicio, incluye piezas emblemáticas en la historia del Rock, como Fire, Hey Joe, Purple Haze y por supuesto, el primer Track (vaya forma de empezar), Foxy lady (en youtube no se encuentra la versión original en estudio):

You know you’re a cute little heartbreaker (Foxy) You know you’re a sweet little lovemaker (Foxy) I wanna take you home I won’t do you no harm, no You’ve got to be all mine, all mine Ooh, foxy lady   I see you, heh, on down on the scene (Foxy) You make me wanna get up and scream (Foxy)   Ah, baby listen now I’ve made up my mind I’m tired of wasting all my precious time You’ve got to be all mine, all mine Foxy lady   Here I come I’m comin’ to get ya Foxy lady You look so good Yeah, foxy Yeah, give me some (Foxy) Yeah, get it, babe You make me feel like Feel like sayin’ foxySabes? eres una linda rompecorazones (zorrita) Sabes? eres una dulce chica que hace el amor (zorrita) Quiero llevarte a casa, no te haré ningún daño, no, Tienes que ser toda mía, toda mía Ohh, pequeña zorrita. Te veo, hey, abajo del escenario (zorrita) Me haces querer levantarme y gritar (zorrita). Ah nena escúchame ahora He cambiado de opinión, estoy cansado de gastar mi precioso tiempo, tienes que ser toda mía, toda mía pequeña zorrita   Aquí voy Ahí voy para atraparte, pequeña zorrita Te ves tan bien, Sí, zorrita, Si, dame un poco Zorrita Sí, tómalo nena, Me haces sentir como si dijera “zorrita”.

La banda se disolvió en junio de 1969, a consecuencia de las constantes diferencias musicales entre Hendrix y Redding.

Band of Gypsys

Al final de su vida, Hendrix formaría otro trío: “Band of Gypsys” con el gran bajista Bill “El Sargento” Cox y el también gran baterista Buddy Miles. Otro disco sin desperdicio, del que destaca la pieza Machine Gun, una verdadera “canción de protesta” que evoca, de manera casi cinematográfica, el ambiente contradictorio del ideal de paz y la realidad de guerra que se vivía en ese momento en el mundo y particularmente en E. U. a causa de la guerra de Viet-Nam, pero también de los conflictos y trágicos incidentes de represión contra estudiantes, trabajadores y gente de color, como en Chicago, Milwawkee, Nueva York –reflejados también en muchos otros lugares en el mundo- en aquel turbulento año de 1968. De ahí que en el fondo, la pieza, no obstante abordar asuntos locales, se convierte en universal, al ser un grito de odio, impotencia, rabia, tristeza y dolor contra el absurdo de la guerra y sus operadores.

Machine Gun, Tearing my body all apart Evil man make me kill ya Evil man make you kill me Even though we’re only families apart. Well I pick up my axe and fight like a bomber (You know what I mean) Hey! And your bullets keep knocking me down Yeah, but you still blast me down to the ground. The same way you shoot me down, baby you’ll be going just the same Three times the pain, and your own self to blame Hey, Machine Gun   I ain’t afraid of your mess no more, babe I ain’t afraid no more After a while, your, your cheap talk don’t even cause me pain, so let your bullets fly like rain, Cause I know all the time you’re wrong baby And you’ll be going just the same Yeah, Machine Gun Tearing my family apart Yeah, yeah, alright Tearing my family apart   (Don’t you shoot him down) (He’s ‘bout to leave here) (Don’t you shoot him down) (He’s got to stay here) (He ain’t going nowhere) (He’s been shot down to the ground) (Oh where he can’t survive, no, no)   Yeah, that’s what we don’t want to hear anymore, alright (No bullets) At least here, huh huh (No guns, no bombs) Huh huh (No nothin’, just let’s all live and live) You know, instead of killin’)Ametralladora, Desgarrando mi cuerpo en pedazos Hombre del mal, haz que te mate Hombre del mal, haz que me mates Aunque solo seamos familias aparte.   Bueno, levanto mi hacha y peleo como un bombardero (sabes lo que quiero decir) Tus balas me siguen tumbando Y aun así me acribillas en el suelo. Del mismo modo que me haces caer, nene. Lo mismo te pasara a ti con tres veces más dolor, y tú mismo te culparás. Hey, Ametralladora,   No tengo miedo de tu desastre, nene, Ya no tengo más miedo. Después de un rato, tu plática barata no me causa dolor, así que deja volar tus balas como lluvia   Porque sé que todo el tiempo estás equivocado, nene y así seguirás, Sí, ametralladora, desagarrando a mi familia en pedazos Sí, así es, desagarrando a mi familia en pedazos. No le dispares, está a punto de irse, no lo tires, tiene que quedarse aquí, no va a ningún lado. Le han disparado y está en el suelo, Oh, donde no puede sobrevivir, no, no. Sí, eso es lo que ya no queremos oír más, así es (no más balas), al menos aquí, uhh, uhh (no más armas, no más bombas) Uhh, uhh. No, nada, solo déjanos a todos vivos y vivir, sabes? en lugar de matar  

Cream

Trío fundado también en Londres, en el mismo fructífero año de 1966. Integrado por Ginger Baker en la Batería, Jack Bruce en el Bajo y Vocal, Eric Clapton en la Guitarra y Vocal.

Su sonido, es una combinación de blues, rock psicodélico y pop rock.

Sus tres integrantes llegaron a ser considerados al mismo tiempo por la revista Rolling Stone como los mejores del mundo en su instrumento. Por lo mismo, Cream es considerado como el primer “Super Grupo” del Rock.

En su corta vida de 4 discos en dos años (Fresh Cream, Disraeli Gears que es uno de los 100 mejores discos de la historia del Rock, Wheels of Fire y Goodbye), hasta 2011 Cream ha llegado a vender más de 15 millones de copias.

Junto con Jimmy Hendrix Experience, Cream llegó a ejercer una gran influencia en la música Rock del momento y posterior (en la actualidad hay que oír grupos como Muse para apreciar lo vigente de su influencia). De hecho, Hendrix y Clapton son los padres del pedal Wah Wah (Clapton lo bautizó con ese nombre).

En sus composiciones destaca la participación del brillante músico, poeta y escritor Peter Constantine Brown (Pete Brown), con letras de estricto apego al canon psicodélico.

El grupo se separó a finales de 1968, algunos dicen que por la mala relación entre Baker y Bruce, pero otros por el exceso de drogas y la del momento. A decir de Clapton, vivían tan intensamente, de un concierto a otro sin parar, entre excesos de drogas, alcohol y sexo, etc. que él nunca se dio cuenta a qué hora dejaron de tocar juntos.

Se volvieron a juntar el vivo en tres ocasiones: una en 1993, cuando entraron al salón de la fama del Rock and Roll y luego en 2005 en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

En 2006 recibieron un Grammy “Honorífico” por su Carrera Artística.

Del disco Disreli Gears destaca esta pieza, recreación del famoso blues “Lawdy Mama” (1934) de Buddy Moss.

Strange Brew

Strange brew, kill what’s inside of you. She’s a witch of trouble in electric blue, In her own mad mind she’s in love with you. With you. Now what you gonna do? Strange brew, kill what’s inside of you.   She’s some kind of demon messing in the glue. If you don’t watch out it’ll stick to you. To you. What kind of fool are you? Strange brew, kill what’s inside of you.   On a boat in the middle of a raging sea, She would make a scene for it all to be ignored. And wouldn’t you be bored? Strange brew, kill what’s inside of you.  Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti. Ella es una bruja de los problemas vestida de azul eléctrico. En su propia mente loca, está enamorada de ti, de ti, ahora que vas a hacer? Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti. Ella es un tipo de demonio revolviéndose en el pegamento. Si no quieres ver se pegará a ti, a ti. Qué clase de tonto eres? Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti. En un bote en medio de un mar embravecido, ella hará una escena para que todo sea ignorado, y acaso, no te aburrirías? Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti.  

También del mismo disco, resalta “I Feel free” que refleja en forma brillante tanto en lo musical como en lo lírico el swing psicodélico de la época. La voz de Jack Bruce influenció sin duda –aquí se nota- el estilo de Greg Lake de Emerson Lake and Palmer.

I Feel Free Feel when I dance with you, We move like the sea. You, you’re all I want to know.   I feel free. I can walk down the street, there’s no one there Though the pavements are one huge crowd. I can drive down the road; my eyes don’t see, Though my mind wants to cry out loud.   I feel free Dance floor is like the sea, Ceiling is the sky. You’re the sun and as you shine on me,Me siento libre. Siento cuando bailo contigo. Nos movemos como el mar. Eres todo lo que quiero saber. Me siento libre, puedo bajar por la calle, no hay nadie ahí, aunque el pavimento es una gigantesca multitud. Puedo manejar por el camino, mis ojos no ven aunque mi mente quiere llorar fuert.e   Me siento libre, la pista de baile es como el mar el techo es el cielo, tu eres el sol y así brillas sobre mí. 

Y qué decir de esta pieza del mismo disco, una de las mejores de la historia del Rock, con la que comenzó realmente a tener una personalidad propia vis a vis otros géneros.

  • Sunshine of our Love

It’s gettin’ near dawn When lights close their tired eyes I’ll soon be with you my love To give you my dawn surprise I’ll be with you darling soon. I’ll be with you when the stars start falling     I’ve been waiting so long to be where I’m going In the sunshine of your love   I’m with you, my love The light’s shinin’ through on you Yes, I’m with you, my love It’s the morning and just we two I’ll stay with you darling now I’ll stay with you till my seeds are all dried up   I’ve been waiting so long to be where I’m going In the sunshine of your love  Se acerca el amanecer. Cuando las luces cierren sus cansados ojos, pronto estaré contigo mi amor, para darte mi sorpresa de amanecer. Pronto estaré contigo querida. Estaré contigo cuando las estrellas empiecen a caer. He esperado tanto tiempo para estar a donde voy, en el brillo de sol de tu amor. Estoy contigo mi amor, la luz brilla a través de ti. Si, estoy contigo mi amor, es de mañana y solo nosotros dos. Me quedare contigo ahora, querida, me quedaré contigo hasta que mis semillas se hayan consumido. He esperado tanto tiempo, para estar a donde voy, en el brillo de sol de tu amor.  

Emerson Lake and Palmer (EL&P)

Trío formado en Bournemouth Inglaterra, en 1970, por los músicos de conservatorio Keith Emerson al piano, órgano y teclados (a quien en su momento le llamaban el Jimmy Hendrix del Teclado), proveniente de The Nice; Greg Lake, ex integrante del paradigmático King Crimson; y Carl Palmer, baterista y percusionista, originario de The Atomic Rooster.

Considerado uno de los más grandes grupos de la historia del Rock, también con gran influencia en los grupos de su momento y posteriores.

Fue de los primeros en llevar el denominado “Rock Progresivo” al ámbito comercial, con una amalgama de Música Clásica, blues, Jazz y Rock.

Otro trio en toda la extensión de la palabra, pues los tras son grandes músicos y su mezcla en conjunto es equilibrada.

Ha vendido hasta la fecha más de 35 millones de discos.

De su primer disco, su primer track, composición instrumental marcada con el sello del grupo conservado en su esencia desde entonces y para siempre

De su siguiente disco, “Tarkus”, una pieza de estructura prácticamente perfecta con una letra esquizoide evocadora el estilo “King Crimson”.

Bitches cristal Knows how you twist all the lines Fortune teller, Future seller of time Tortured spirits cry Fear is in their eyes Ghostly images die   Witches potion Mixed in the ocean of tears Mystical powers Emerge from the towers Of fear Tortured spirits cry Fear is in their eyes Ghostly images die   Evil learning, People burning, Savage casting ,No one lasting Witchcraft, Sadness, Madness Turning in their minds   Ritual killings That swear in the shillings to be heretic priestess dwells on the weakness she sees Tortured spirits cry Fear is in their eyes Ghostly images die  Molestias de Cristal sabe como tuerces todas las líneas, echador de fortuna, futuro vendedor de tiempo. Espíritus torturados lloran, el miedo está en sus ojos, imágenes fantasmagóricas mueren. Poción de hechiceras mezclada en el océano de lágrimas, poderes místicos emergen de las torres del miedo. Espíritus torturados lloran, el miedo está en sus ojos, imágenes fantasmagóricas mueren. Aprendizaje del mal, gente ardiendo, selección salvaje, nadie queda. Brujería, tristeza, locura cambiando sus mentes. Asesinatos rituales que sudan en los chelines, para ser herética sacerdotisa obcecada en la debilidad que ve. Espíritus torturados lloran, el miedo está en sus ojos, imágenes fantasmagóricas mueren.

Grand Funk Railroad

Trío norteamericano, originario de Flint Michigan, formado en 1968 por Mark Farner (Guitarra y Vocalista), junto con Don Brewer (Baterista y segunda voz) proveniente del grupo Terry Knight and the Pack y Mel Schacher (Bajista) originario del famoso grupo Question Mark y los misteriosos (Terry Knight empezó como su baterista pero luego se volvió su productor, dejándole el lugar a Brewer).

El nombre del grupo viene de la conocida línea ferroviaria de Michigan Grand Trunk Western Railroad.

Fusión de blues, hard rock, funk. Primer grupo de Rock top ten netamente norteamericano, obviamente galardonado 4 veces por la Recording Industry Asociation of America (RIAA). En 1970 fue el grupo de rock norteamericano que vendió más discos a nivel mundial.

En 1971 batieron el record de asistencia en el Shea Stadium que tenían los Beatles, y hasta ahora no ha sido roto.

Grabaron 8 discos en 3 años de 1970 a 1972 y han vendido más de 25 millones de copias.

De su primer disco, este track, otra canción del género de protesta, reflexiva y cruda, ante la realidad tan absurda que la política y la guerra en Norteamérica y el mundo provocaban en la juventud de ese momento.

  • Sin’s a good man’s brother (Closer To Home, 1970)

Ain’t seen a night, Things work out right Go by Things on my mind And I just don’t have the time And it don’t seem right   Ain’t seen a day That I don’t hear people say They know they’re gonna die Now, this may seem a little bit crazy But I don’t think you should be so lazy   If you think you’ve heard this before Well, stick around I’m gonna tell you more One just like the other Sin’s a good man’s brother But is that right? You tell me that I don’t Then I say I won’t But then I might   You said this is the way it’s supposed to be But it just don’t seem right to me And that’s outta sight Some folks need an education Don’t give up or we’ll lose the nation You say we need a revolution It seems to be the only solution  No he visto una noche en que las cosas funcionen y vayan bien, las cosas en mi mente. Y es solo que no tengo tiempo, y no parece correcto. No he visto un día en que no oiga decir a la gente que saben que van a morir. Ahora esto puede parecer un poco loco, pero no creo que seas tan holgazán. Si crees que has oído esto antes nos quedamos y te cuento más. Uno igual que otro, el pecado es un buen hermano del hombre Pero eso es correcto? Dime que no lo haga, entonces digo que no lo haré, pero entonces osaré. Dices que es así como se supone debe ser, pero a mí me parece que no es correcto, y está fuera de lugar. Algunos paisanos necesitan una educación, no se rinden, si no perderán la nación. Dices que necesitamos una revolución, parece ser la única solución.  

De su primer disco recopilatorio en vivo, quizá el mejor de su discografía y uno de los mejores discos en vivo de la historia del Rock, la pieza que marcó al álbum y al grupo (en youtube no se encuentra la versión de este disco, que es mucho mejor que la que aquí se pone):

  • Inside Looking Out (Live Album 1970)
I’m here lonely like a broken man. I serve my time doin’ the best I can. Walls and bars they surround me. But, I don’t want no sympathy.   No baby, no baby, All I need is some tender lovin’. To keep me sane in this burning oven. And, when my time is up, you’ll be my reefer.   Life gets worse on God’s green earth. Be my reefer, got to keep smokin’ that thing. No, no,   I say now baby baby let me smoke it smoke it Makes me feel good feel good, yes, I feel good ah Yes, I feel alright feel alright yes   Ice cold water is runnin’ through my veins. They try and drag me back to work again Pain and blisters on my mind and hands I work all day making up burlap bags.   The oats they’re feeding me are driving me wild. I feel unhappy like a new born child Now, when my time is up, you wait and see These walls and bars won’t keep that stuff from me. No, no, baby, Won’t keep that stuff from me.   I need you right now mama. I need you right now baby. Right by my side, honey. All night long. Make me feel alright Yes, all yes, all yes, all alright.   You better come on up and get down with me. I’ll make you feel real good, just you wait and see. Make me feel alright yes, I feel alright Yes, ahh yes, ahh yes, alright.Estoy aquí sentado como un hombre quebrado, cumplo mi condena lo mejor que puedo, paredes y barrotes me rodean, pero no quiero compasión. No nena, no nena, todo lo que necesito es algo de ternura, para mantenerme cuerdo en este horno ardiente, y cuando mi tiempo se cumpla tú serás mi churro (= cigarro de marihuana). La vida se vuelve peor en la tierra verde de Dios. Sé mi churro, tengo que seguir fumando esa cosa, no, no.     Ahora digo nena, déjame fumarla, me hace sentir bien, sí, me siento bien, oh sí.   Agua helada corre por mis venas, ellos intentan y me arrastran de nuevo al trabajo, el dolor y las ampollas en mi interior y mis manos. Trabajo todo el dia haciendo costales de yute, la avena con la que me alimentan me está volviendo salvaje, me siento infeliz como un recién nacido. Ahora que mi tiempo se cumpla espera y verás, estas paredes y barrotes no guardarán todo esto en mi No, no nena, no guardarán todo esto en mi. Te necesito ahora mami, te necesito ahora nena, justo a mi lado cariño, toda la noche. Hazme sentir bien, sí, ahh, sí, muy bien. Mejor ven y quédate conmigo, te haré sentir realmente bien, solo espera y verás. Hazme sentir bien, sí, ahh, sí, muy bien. 

ZZ Top.

Trío norteamericano, formado en 1970 en Houston Texas, conformado por Billy Gibbons (Guitarra y Voz), Dusty Hill (bajo) y Frank Beard (batería).

Es uno de los pocos grupos de Rock que después de más de cuarenta años conserva a sus miembros originales y a su productor Bill Ham.

Son mundialmente conocidos gracias a su particular estilo, mezcla con acento Hard de blues, Southern Rock, Bayou, así como a su imagen tan peculiar, casi caricaturesca (lentes oscuros, barbas rubias y largas, atuendo country, largos abrigos de cowboy).

En los 80 tuvieron un gran éxito comercial y de ahí asumieron la imagen que tienen hasta ahora.

En los noventas retornaron en gran medida a su estilo setentero, pero manteniendo el uso de los teclados. Esto provocó en parte el alejamiento de sus discos en las listas de popularidad, pero recuperaron a muchos de sus primeros seguidores.

En 2012 la agrupación publicó su décimo quinto disco de estudio, La Futura, su primer trabajo en cerca de diez años que los posicionó nuevamente en las listas musicales de todo el mundo.

Con más de cuatro décadas de carrera musical poseen docenas de discos de oro y de platino, siendo una de las bandas más exitosas del sur de E. U.

Solo en los Estados Unidos han vendido cerca de 25 millones de copias y hasta el año 2014 se estima que sus ventas superan los 50 millones a nivel mundial.

De su primer disco, uno de los mejores blues-rock que se hayan grabado:

  • Brown Sugar (first Album, 1970).
My friends, they all told me, Man, there’s something gonna change your life. Gotta have that brown sugar. Man it’s just gonna change my life. Man, I gotta have that brown sugar. Man, it’s just gonna make me feel so right.   There’s something make me feel good, And it’s gonna change my life. I gotta have some of that Brown Sugar, Gotta try it before I die.   Man it sure do save me When there’s no place left for me. Gotta have some of that Brown Sugar As long as that’s gonna set me free.  Todos mis amigos me dijeron Hombre, hay algo que va  cambiar tu vida Voy a tener esa azúcar morena Hombre va a cambiar mi vida Hombre me va a hacer sentir bien     Hay algo que me hace sentir bien Y va a cambiar mi vida Tengo que tener algo de esa azúcar morena La tengo que probar antes de morir   Hombre seguro me salva Cuando no haya lugar para mi Tengo que tener algo de esa azúcar morena Por todo el tiempo necesario para que me libere  
  • Waiting for the bus (Tres Hombres 1973)
Have mercy, been waitin’ for the bus all day. Have mercy, been waitin’ for the bus all day. I got my brown paper bag and my take-home pay.   Have mercy, old bus be packed up tight. Have mercy, old bus be packed up tight. Well, I’m glad just to get on and home tonight.   Right on, that bus done got me back. Right on, that bus done got me back. Well, I’ll be ridin’ on the bus till I Cadillac.Ten piedad, he estado esperando el autobús todo el dia Tengo mi bolsa de papel de estraza y mi paga   Ten piedad, el autobús viene hasta el tope Bueno, lo bueno es que me pude subir y estaré en casa esta noche   Eso, este autobús me lleva de regreso Seguiremos tomando el bus hasta que tenga mi Cadillac


Blues desde el Rock

BLUES DESDE EL ROCK (Parte 1)

Por Jose Ramon Gonzalez Ch

DÉCADA DE LOS 60.

Lawdy moma. Cream. Live Cream 1967 (68). Canción tradicional, arreglo de Eric Clapton y Cream.

Lawdy moma puede traducirse como Mami o Mujer estruendosa o chillona.

Cream la Grabó por primera vez en las BBC sessions de 1966 y de ahí en adelante formó parte casi permanente de su repertorio.

Apareció como último track y único grabado en estudio de su legendario álbum Live Cream (1967en Gran Bretaña y 68 en EU).

En esta pieza Clapton toma prestado el solo que le hizo Albert King. El pegajoso riff fue retomado por Clapton y Cream para la composición de “Strange Brew”, rock blues con el que Cream abre su disco “Disraeli Gears”, que desde su aparición se convirtió en uno de los mejores discos de la historia del Rock.

Recuerdo que desde la primera vez que puse la aguja del tornamesa sobre la pista uno de Disraeli Gears quedé impactado para siempre con esta pieza y con Cream. Mientras lo oía y me deleitaba visualmente con su psicodélica portada (también una de las mejores en la historia de la música), me convertí en algo así como un zombi a disposición del mejor trío de Rock de la historia.

Wanna go out, baby, too late at night Lawdy Mama, no need to worry Wanna go out, baby, too late at night I got a real funny feeling. Don’t wanna treat your Daddy right, Long legged woman, come and hold my hand Lawdy Mama, no need to worry, Long legged woman, come and hold my hand, I got a real funny feeling. You wanna love some other man. Leavin’ in the morning, your cryin’ won’t make me stay Lawdy Mama, no need to worry Leavin’ in the mornin’ baby, your cryin’ won’t make me stay The more you cry baby the further gonna drive your Daddy away  ¿Quieres salir, nena, muy tarde de noche? Lawdy Mama, no necesitas preocuparte ¿Quieres salir, nena, muy tarde de noche? Tengo un sentimiento bien chistoso. No quieres tratar bien a tu papi, Mujer de piernas largas, ven y toma mi mano Lawdy Mama, no necesitas preocuparte, Mujer de piernas largas, ven y toma mi mano, Tengo un Sentimiento bien chistoso. Quieres amar a otro hombre   Me estoy yendo en la mañana, tu llanto no me hará quedarme Lawdy Mama, no necesitas preocuparte. Al irme en la mañana, tu llanto no me hará quedarme. Mientras más llores nena más lejos mandarás a tu papi.  

Dust My Broom. Canned Heat. Disco Live at Topanga Corral, 1968.

El término Dust my broom puede interpretarse como romper con alguien o empezar una nueva vida, barriendo con lo anterior.

Blues de Robert Johnson (Originalmente se llamó “I Believe I’ll dust my broom”). Fue la segunda canción que grabó en San Antonio Tejas en 1936. Realmente se trata de una recreación de “I believe I’ll make a Change” de los Hermanos Aaron y Milton Sparks (1932) con quienes Johnson estuvo en contacto por algún tiempo.

Luego fue interpretada en 1952 como Rythm and Blues por Elmour James, quien realmente la hizo famosa; y de ahí, como todo buen clásico, la tocaron otros muchos músicos de Blues, como Muddy Watters, Robert Jr. Lockwood, John Littlejohn, Hound Dog Taylor, Homesick James; luego en el Rock, el propio Frank Zappa, Keith Richards con Faces, ZZ Top y recientemente por Ben Harper.

I’m gonna get up in the morning I believe I’ll dust my broom Well my best gal, I’ll be loving so, my friend, get out my room. I’m gonna write a letter to China See if my baby’s over there, If she ain’t up in the Hawaiian islands, Must be in Ethiopia somewhere. I believe, believe my time alone. I’ve had to quit my baby And give up my happy home.Me voy a levantar por la mañana Creo que voy a cambiar de aires. Bueno, mi mejor nena, a la que más querría, mi amiga, salió de mi cuarto. Voy a escribir una carta a China para ver si anda por allá . Si no está por las islas hawaianas. Debe estar en algún lugar en Etiopia. Creo que llegó mi tiempo de estar solo. He tenido que dejar a mi nena Y renunciar a mi feliz hogar  .

Stormy Monday – Jethro Tull – 1968. Del Disco 20 años de Jethro Tull 1988.

Original de T Bone Walker 1947.

Grabada como demo cuando Jethro Tull era un grupo de blues.

I said, they call it stormy Monday, But I said, the Tuesday’s just as bad   Wednesday’s full of sorrow I said that Thursday’s oh-so sad It’s oh-so-sad, it’s oh-so-sad. I said Lord, Lord, why don’t You have mercy You gotta have mercy on me, alright ‘Cause trying to find my woman Won’t you bring her home to me? I said they call it stormy MondayDije, le llaman Lunes Tormentoso, pero el martes es igual de malo. El Miércoles está lleno de dolor. Dije, el jueves es muy triste oh, tan triste. “Señor, Señor, ¿ por qué no tienes piedad? Tienes que tener misericordia de mí, ok?” Porque estoy tratando de encontrar a mi mujer. No me la traerás a casa? …Dije, le llaman Lunes Tormentoso  

A New day yesterday – Jethro Tull – Disco “Stand Up” 1969.

Una manera atrevida, casi retadora, de empezar el disco “Levántate” (Stand Up). es la pieza con la que abre el disco.

Me encantó desde la primera vez que la oí en el cuarto de Octavio, cuando me habló por teléfono para invitarme a oír su reciente regalo que le habían traído de estados unidos y salí corriendo hacia su casa (antes solo así podían conseguirse discos buenos, aparte de las discotecas de álbumes importados Hip70, Zorba y AB discos). Ya habíamos oído otros discos de Jethro Tull (Aqualung, Living in the Past), pero ese no. El Diseño artístico del forro completo, portada, contraportada e interiores, era realmente sorprendente. Por fuera, dibujos realmente alucinantes, por dentro, se abría como un álbum de dos discos y al abrirlo, en un trabajo en cartulina, de esos como de los cuentos de niños, se desplegaba y se levantaba (stand up) un dibujo del grupo entero. Tengo aun el disco original, lo conseguí también en Estados unidos, unos años después…

Si pueidera etiquetar esta pieza la ubicaría en algo así como “heavy blues”, una fusión blues rock casi perfecta.

La música, de gran potencia, basada en un riff que se siente como lija gruesa en el alma

La letra, con gran apego también a esa mezcla de sentimientos que implica la palabra blues, tan bien entendida por Ian Anderson.

Entonces y ahora la he usado como arrancador, para darme energía en las mañanas, o como entremés, cuando tengo ganas de oír algo pesado.

My first and last time with you, And we had some fun. Went walking through the trees And then I kissed you once. Oh I want to see you soon, But I wonder how. It was a new day yesterday but it’s an old day now. Spent a long time looking for a game to play. My luck should be so bad now to turn out this way. Oh I had to leave today just when I thought I’d found you It was a new day yesterday But it’s an old day now.Mi primera y última vez contigo, Y tuvimos un poco de diversión. Fui caminando entre los árboles, sí! Y luego te besé una vez. Oh, quiero verte pronto, Pero me pregunto cómo. Ayer era un nuevo día pero ahora es un día viejo.   Pasé mucho tiempo buscando un juego para jugar. Mi suerte debe ser tan mala ahora para cambiar de esta manera. Oh, tuve que irme hoy Justo cuando pensé que te había encontrado ayer era un nuevo día Pero ahora es un día viejo.

Honey Bee – Led Zeppelin – 1969 The BBC Sessions

Original de Muddy Waters

Original de Muddy Waters

Sail on, sail on my little honey bee, sail on, you gonna keep on sailing till you lose your happy home. Sail on, sail on my little honey bee, sail on, I don’t mind you sailing, but please don’t sail so long. All right little honey bee I hear a lotta buzzing, sound like my little honey bee. She been all around the world making honey, but now she is coming back home to me.  Navega abejita, navega, seguirás navegando hasta que encuentres de nuevo tu feliz hogar. Navega abejita, navega No me interesa que navegues, pero por favor, no lo hagas por mucho tiempo. Muy bien abejita, oigo mucho zumbido, suena como mi abejita. Ha andado por el mundo haciendo miel pero ahora ella ha regresado a mí.  

More Blues. Pink Floyd. Soundtrack de la película More. 1969. Décima canción del álbum.

Entre 1970 y 1972 la banda solía improvisar blues en doce compases. Este es uno de ellos. Se trata de un blues instrumental, de fuerte acento psicodélico, que quizá por ser producto de una improvisación fue firmado por toda la banda. En esta pieza Pink Floyd aparece de manera clásica, como un cuarteto de blues: David Gilmour en la Guittarra, Roger Waters en el bajo, Richard Wright en el órgano, Nick Mason en la batería.

Summertime – Janis Joplin – Disco “Cheap Thrills” con The Big Brother and the Holding Company – 1969

Original del George Gershwin (Música) y Dubose Heyward (Letra), 1935. Fue el Aria de su ópera Porgy & Bess. Hay quien ha llegado a contabilizar más de 25,000 versiones de esta pieza.

Summertime, Child, the living’s easy. Fish are jumping out, And the cotton, Lord, Cotton’s high, Lord, so high.   Your daddy’s rich, And your ma is so good-looking, baby She’s looking good now. Hush, baby, baby, baby, baby, baby, No, no, no, don’t you cry.   One of these mornings You’re gonna rise, rise up singing, You’re gonna spread your wings, Child, and take to the sky, Lord, the sky. But until that morning Honey, nothing’s going to harm you now, No, no, noEn verano, Chiquillo, la vida es fácil. Los peces saltan y el algodón, Señor, el algodón es liviano, oh Señor, tan liviano.   Tu papi es rico y tu ma es tan guapa, bebe, Se ve bien ahora. Tranquilo, cariño No, no, no, no, no llores. Una de estas mañanas te alzarás, te elevarás cantando Desplegarás tus alas, chiquillo, Y tomarás hacia el cielo, Señor, el cielo. Pero hasta que llegue esa mañana, Cariño, nada te hará daño, ahora, No, no, no

Love in vain. The Rolling Stones. 1969-1970.

Original de Robert Johnson 1937. La escribió para Willie Mae Powell, basándose en el estilo de Leroy Carr.

La canción sobresale por su letra y cadencia triste. Es un grito de dolor por la pérdida del ser amado.

Los Stones la incluyeron en su disco Let it Bleed de 1969 y luego en su álbum en vivo Get Yer Ya-Ya’s Out de 1970.

La canción entró al salón de la fama del blues en 2011.

Well I followed her to the station with a suitcase in my hand. Yeah, I followed her to the station with a suitcase in my hand Whoa, it’s hard to tell, it’s hard to tell When all your love’s in vain When the train come in the station I looked her in the eye, Well the train come in the station And I looked her in the eye. Whoa, I felt so sad so lonesome that I could not help but cry. When the train left the station It had two lights on behind Yeah, when the train left the station It had two lights on behind Whoa, the blue light was my baby And the red light was my mind. All my love was in vain All my love’s in vainBueno, la seguí hasta la estación con una maleta en mi mano. Si, la seguí hasta la estación con una maleta en mi mano, Oh es duro de decir, es duro de decir cuando todo tu amor es en vano. Cuando el tren llegó a la estación la mire a los ojos . Bueno, el tren llegó a la estación y la mire a los ojos, Oh, me sentí tan triste y desolado que no pude hacer más que llorar. Cuando el tren dejó la estación tuvo dos luces tras de sí, cuando el tren dejó la estación tuvo dos luces tras de sí Oh, la luz azul era mi nena y la roja mi ser. Todo mi amor fue en vano, todo mi amor es en vano  

DÉCADA DE LOS 70.

Bird on a Wire – Joe Cocker with The Mad Dogs and The Englishmen 1970.

Original de Leonard Cohen, 1968.

En ese entonces, Leonard Cohen vivía en la isla griega Hydra con su novia Marianne; pasaba por un momento de profunda depresión y ella lo ayudó a retomar la guitarra y ahí comenzó a componer la canción, al ver justo desde su ventana, un pájaro en un cable de teléfono, que en esos momentos se estaba apenas poniendo en la isla, terminándola en un motel de Hollywood. Meses después aparecería en su álbum Songs from a room (1969). De hecho, en la contraportada aparece una foto de Marianne.

En una entrevista en 1975, Leonard Cohen comenta de la canción:

 “Siempre abro mis conciertos con ella. Parece regresarme a mis deberes, la empecé en Grecia, la continué en Hollywood, la ajusté en Oregon, es como si no pudiera llegar a perfeccionarla. Kris Kristofferson me dijo que una parte de la melodía se la había robado a un compositor de country de Nashville. También me dijo que puso el primer par de líneas en una de sus piezas, me dolería que no lo hiciera”.

Se ha sugerido que la canción a la que se refería Kristofferson es “Turn me on” escrita por John D Loudermilk, grabada originalmente por Mark Dinning en 1961 y luego reinterpretada por otros músicos como Nina Simone, que si se parece a la canción de Cohen.

En las notas de un release aparecido en 2007, la canción se describe como al mismo tiempo una oración y un himno, una especie de “My Way” bohemio.

En esta versión, en un arreglo casi teatral, de Joe Cocker y The Mad Dogs and The Englishmen, recrea la canción en una progresión de cuatro acordes, con el espléndido piano de Leon Russel y un coro estilo Góspel, en el que oímos por ahí a Rita Coolidge.

La canción proyecta un sentimiento de ruego por un poco de paz interior, de armonía consigo mismo; la Virtud y la Paciencia ocupan el centro de la pieza. La voz aguardentosa de Cocker, acompañado del coro, le da un sentido aún más dramático.

Like a bird on the wire, Like a drunk in a midnight choir I have tried in my way to be free. Like a worm on a hook, Like a knight from some old fashioned book I have saved all my ribbons for thee. If I have been unkind, I hope that you can just let it go by. If I have been untrue I hope you know it was never to you.   Like a baby, stillborn, Like a beast with his horn I have torn everyone who reached out for me. But I swear by this song and by all that I have done wrong I will make it all up to thee.   I saw a beggar leaning on his wooden crutch, He said to me, “You must not ask for so much.” And a pretty woman leaning in her darkened door, She cried to me, “Hey, why not ask for more?”   Oh like a bird on the wire, Like a drunk in a midnight choir have tried in my way to be free.Como un pájaro en un alambre, como un borracho en una cantina de medianoche, He intentado ser librea mi manera. Como un gusano sobre un anzuelo, Al igual que un caballero de un libro anticuado, guardé todos mis trofeos para ti. Si he sido poco amable, espero puedas dejarlo pasar. Si he sido infiel espero que sepas que nunca lo fui contigo. Como un bebé, nacido muerto, Como una bestia con su cuerno He hecho trizas a quien se ha acercado a mí. Pero juro por esta canción Y por todo lo que he hecho mal, lo voy a arreglar para ti.   Vi a un mendigo apoyado en su muleta de madera, Él me dijo: “No debes pedir tanto” y una mujer bonita apoyándose en su puerta oscura me gritó, ‘Hey, ¿por qué no pedir más? ” Oh, como un pájaro en un alambre, como un borracho en una cantina de medianoche, he intentado ser libre a mi manera.

It’s my own fault. Johnny Winter (John Dawson Winter. Beaumont Texas, 23 feb 1944 – 16 jul 2014). . Disco “Johny Winter and…” (1970).

Original de B B King (My Kind of Blues, 1961).

Johnny Winter le produjo albums a Muddy Watters que le hicieron ganar 3 grammys. También produjo otros discos nominados al Grammy. En 2003 entró al salón de la fama del blues. Está colocado por la revista Rolling Stone en el número 63 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

El disco Johnny Winter and…, lo lanzó definitivamente a la fama. En especial, esta canción que fue la pista 6, llamó la atención de Columbia Records. Un blues desde el Rock hecho y derecho, del cual más que hablar, hay que escuchar sus finos detalles. Destaca el duelo de requintos entre Winter y Rick Deringer.

It’s my own fault, babe Treat me the way you wanna do When I was loving you, woman All the time you know I wouldn’t be true.   Once you told me that you love me, you changed your mind. Gonna send you back to your mother, You are no good.   You used to make an all fancy woman Bring it all home to me. I go out every night, baby, look at me Woman, let us be. It’s my own fault, babe Treat me the way you wanna do When I was loving you, woman All the time you know I wouldn’t be true   Upon my knees, grabbing my babe But I’ll try to do better, better. You know I’m a trying the best I can, treat me the way you wanna do, When I was loving you, woman All the time you know I wouldn’t be true  Es mi culpa, nena, trátame de la forma que quieras, cuando te estaba amando mujer, sabes bien que no podría ser fiel. Una vez me dijiste que me amabas, cambiaste de parecer, te mandaré de regreso con tu madre, no eres buena.   Solías ser una mujer sofisticada, me traías todo a casa. Salgo cada noche, nena, mírame Mujer, déjanos ser. Es mi propia culpa, nena, trátame de la forma que quieras, cuando te estaba amando sabes bien que no podría ser fiel. De rodillas, agarrando a mi nena, pero intentaré hacerlo mejor, mejor. Sabes que estoy haciendo lo mejor que puedo.   Trátame como quieras, cuando te estaba amando sabes bien que no podría ser fiel.

Seamus. Pink Floyd. Del disco Meddle. 1971. Es la quinta canción del álbum.

Una una progresión de blues en tono de Re. La canción se llama así porque es el nombre del perro afgano que “canta” aullando en ella, cuyo dueño era Steve Marriott, líder de Humble Pie y Small Faces.

Las guitarras son de Roger Watters y David Gilmour.

I was in the kitchen Seamus, that’s the dog, was outside well I was in the kitchen Seamus, my own hound, was outside well you know the sun was sinking slowly and my own hound-dog sat right down and cried  Yo estaba en la cocina Seamus, ese perro, estaba afuera Bueno, yo estaba en la cocina Seamus, mi sabueso, estaba afuera Bueno, sabes, el sol se hunde lentamente Y entonces mi sabueso se sentó y lloró

The Midnight Rambler – The Rolling Stones – Get Yer Ya Ya’s Out (1970)

Grabada en estudio en 1969 apareció originalmente en el disco “Let it Bleed” y luego en su famoso disco en vivo “Get yer ya ya’s out” de 1970, donde toca el requinto el gran guitarrista Mick Taylor, que estuvo con ellos en lo que quizá sea la época más grandiosa de la banda. Taylor tocó también con Santana y estuvo en México hace relativamente poco.

La letra es una biografía perdida, una especie de corrido, dedicado a Albert de Salvo, el famoso estrangulador de Boston.

Keith Richards denominó esta pieza como un Blues Opera que refleja la quintaesencia del dueto Jagger-Richards, una canción que según él, nadie podía haber escrito más que ellos. “Como siempre solo faltó darle cuerda a Mick y dejarlo volar, entender lo que iba sacando y listo”.

Ambos se encontraban en Italia, se quedaron algunas noches en Positano un pueblo montañés. Jagger dice en una entrevista “Cómo se nos ocurrió hacer una canción tan oscura en un pueblo así, tan tranquilo y soleado? No lo sé. La escribimos toda ahí, luego se nos ocurrió cambiarle el tempo y meterle la armónica. Mucha gente que dice que no se oye bien la voz. Si surge la letra está bien; si no, también, porque de cualquier forma puede significar mil cosas diferentes para cada quien…”

You’ve heard about the midnight rambler everybody got to go. I talk about the midnight rambler the one you ever seen before he don’t give a hoot of warning wrapped up in a black cat cloak he don’t go in the light of the morning he split the time the cock’rel crows   Talkin’ about the midnight gambler the one you never seen before I’m talkin’ about the midnight gambler did you see him jump the garden Wall   Sighin’ down the wind so sadly listen and you’ll hear him moan talkin’ about the midnight gambler Everybody got to go.   Did you hear about the midnight rambler? well, honey, it’s no rock ‘n’ roll show. Well, i’m talkin’ about the midnight gambler yeah, everybody got to go   Well did ya hear about the midnight gambler? the one you never seen before .Well you heard about the Boston strangler? it’s not one of those. well, talkin’ ‘bout the midnight shit, the one that closed the bedroom door. I’m called the hit-and-run raper in anger the knife-sharpened tippie-toe… or just the shoot ‘em dead, brainbell jangler you know, the one you never seen before. So if you ever meet the midnight rambler coming down your marble hall well he’s pouncing like proud black panther well, you can say i told you so. Well, don’t you listen for the midnight rambler, play it easy, as you go i’m gonna smash down all your plate glass windows put a fist, put a fist through your steel-plated door .Did you hear about the midnight rambler he’ll leave his footprints up and down your hall and did you hear about the midnight gambler? and did you see me make my midnight call   And if you ever catch the midnight rambler i’ll steal your mistress from under your nose i’ll go easy with your cold fanged anger i’ll stick my knife right down your throat, baby, and it hurts!Has oído del vagabundo de medianoche? todo el mundo debería. Hablo del vagabundo de medianoche el que nunca antes habías visto, no da un grito de advertencia, cubierto con una capa de gato negro, no anda a la luz del día, se brinca el tiempo en que canta el gallo. Hablando del jugador de medianoche el que nunca has visto antes, Hablo del jugador de medianoche le viste saltar el muro del jardín? Suspirando bajo el viento tan tristemente, escucha y le oirás gemir. Hablando del jugador de medianoche, todo el mundo tiene que ir. Has oído del vagabundo de medianoche? Bueno cariño, no es un show de rock and roll. Bien, estoy hablando del apostador de medianoche, sí, todo el mundo tiene que ir. Bueno, has oído del jugador de medianoche? el que jamás viste antes. Bueno, has oído del estrangulador de Boston? él no es uno de esos. Bien, hablo de la mierda medianoche que cerró la puerta de la habitación. Me llaman el iracundo violador de pisa y corre, el que anda de puntillas con un cuchillo afilado o simplemente el tirador a muerte que deja los cerebros titineantes tu sabes, el que jamás viste antes. Así que si te topas con el Vagabundo de Medianoche bajando a tu salón de mármol, bueno, el ronda como una orgullosa pantera negra, bueno, puedes decir que te lo dije. Bien, no oirás del vagabundo de medianoche? tómalo con calma, cuando lo hagas haré añicos tus ventanas de vidrio plano, meteré el puño por tu puerta de plancha de acero. Oíste hablar del Vagabundo de medianoche? dejará sus huellas arriba y abajo de tu salón, y oíste hablar del jugador de medianoche? y me viste hacer mi llamada de medianoche? Y si alguna vez atrapas al vagabundo de medianoche yo me robaré a tu amante frente a tus narices, me iré fácil con tu fría y rabiosa ira, meteré mi navaja justo bajo tu cuello nene, y eso duele!

Before You acuse me. Creedence Clearwater Revival. Disco Cosmos Factory, 1970.

Original de la estrella rocanrolera Bo Diddley (música) y Eugene McDaniel (Letra), compuesta en 1957. Ha sido grabada por muchos músicos, como Magic Slim, Derbert McClinton, Eric Burdon, quien la grabó en 2007 y por supuesto, la famosa interpretación unplugged de Eric Clapton en 1989 (disco que le hiciera ganar en 1992 el Grammy) y su versión en estudio, con el segundo requinto del también gran guitarrista Robert Cray.

Curiosamente, esta canción la grabó Creedence Clearwater Revival dos veces: en su primer disco en 1968, que lleva el nombre del grupo y en el último, Cosmos Factory, en 1970. En ambas se nota el swing de acento Bayou, clásico del sonido Creedence y para no variar, sobresale la guitarra aguda, brillante y con vibrato de John Fogherty.

Before you accuse me, take a look at yourself. You say I’ve been buyin’ another woman clothes, But you’ve been talkin’ to someone else.   I called your mama ‘bout three or four nights ago. Your mama said, “son, Don’t call my daughter no more.”   Before you accuse me, take a look at yourself. You say I’ve been buyin’ another woman clothes, But you’ve been takin’ money from someone else. Come on back home, baby; try my love one more time. You’ve been gone away so long, I’m just about to lose my mind.  Antes de que me acuses, mírate. Dices que he estado comprando ropa a otra mujer, pero tú has estado hablando con alguien más. Le llamé a tu mamá hace como 3 o 4 noches, tu mamá me dijo: “Hijo Ya no le vuelvas a llamar a mi hija”.   Antes de que me acuses, mírate. Dices que he estado comprando ropa a otra mujer, pPero tú has tomado dinero de alguien más. Regresa a casa nena, prueba mi amor otra vez, Te has alejado por mucho tiempo, estoy a punto de perder la razón.

The Cars his by my window – The Doors – Disco “L. A. Woman” 1971

Evoca imágenes captadas por el poeta en la sórdida habitación de un hotel.

Transmite una fuerte sensación de blues, mezcla de sentimientos como melancolía, soledad, inspiración creativa).

Jim Morrison refleja de manera casi premonitoria, los sentimientos que en ese momento, cercano a su muerte, le asaltan sobre la vida.

La canción culmina con un solo de voz de Morrison emulando un requinto de guitarra, quizá mezclado con una harmónica.

Pop Star. Cat Stevens. Disco Mona Bone Jacon. 1971.

Steven Demetre Georgiou, de Padre Griego-Chipriota y madre Sueca, nació en Londres el 21 de julio de 1948. El mote de “Cat” le vino de una novia que tuvo que decía que él tenía ojos de gato.

Este blues rememora un episodio cuando a los 15 años y con ganas de ser músico, su hermano salió a la calle a gritar a los 4 vientos que su hermano era talentoso e iba a ser una estrella del pop. Pero también es sarcástico sobre las estrellitas pop y sus banales y efímeras pretensiones.

Yes I’m gonna be a pop star Oh mama, mama see me Mama, mama see me I’m a pop star   Oh, yes, I’m goin’ on the TV now, now Oh mama, mama see me Mama, mama see me on the TV   Yes, I’m goin’ on my first gig Oh mama, mama see me Mama, mama see me on my first gig Now listen to me La, la, la, la, la Oh, it’s so good   Oh well, I’m goin’ to the cold bank, cold bank Oh mama, mama see me Mama, mama see me at the cold bank   Mama sing it Here it comes La, la, la, la, la   Oh well, I’m coming, coming, coming home, now Oh mama, mama see me, mama, mama see me I’m home  Sí, voy a ser una estrella pop Mami, mami veme, mami, mami veme soy una estrella pop. Si voy a salir en la tele, ahora Mami, mami veme Mami veme en la tele. Sí, voy a mi primer recital Oh mami, mami veme Mami veme en mi primer recital. Ahora escúchame La, la, la, la, la Oh, qué bien. Bueno, voy a la banca, Oh mami, mami veme Mami mami veme sentado en la banca. Mami cántalo, Aquí va La, la, la, la, la. Oh, bueno, allá voy a casa ahora, Oh mami veme, mami, mami veme, estoy en casa.

Sittin on top of the world. The London Howlin’ Wolf sessions. Banda de estudio formada por Eric Clapton, Stevie Winwood (Traffic), Charlie Watts y Bill Wyman (The Rolling Stones) junto con Howlin’ Wolf (voz) en 1971.

Escrita originalmente por Walter Vinson y Lonnie Chatmon, miembros de los Mississippi Sheiks una banda de blues famosa en los 30. Vinson dice haberla escrito una mañana después de toca una danza blanca en Greenwood Mississippi.

Se convirtió en un clásico de la música norteamericana y como sucede en esos casos, se ha grabado por infinidad de intérpretes y en gran cantidad de versiones y ritmos (Country, Bluegrass, Blues, Rock).

La canción entró al salón de la fama del blues en 2008.

One summer day, she went away; Gone and left me, she’s gone to stay. She’s gone, but I don’t worry: I’m sitting on top of the world. All the summer, worked all this fall. Had to take Christmas in my overalls. She’s gone, but I don’t worry: I’m sitting on top of the world. Going down to the freight yard, gonna catch me a freight train. Going to leave this town; worked and got to home. She’s gone, but I don’t worry: I’m sitting on top of the world.Un día de verano, ella se fue se fue y me dejó, se fue para quedarse. Se fue pero no me preocupa, estoy sentado en la cima del mundo. Trabajé Todo el verano y todo este otoño, me llegó la navidad con el overol puesto. Se fue pero no me preocupa, estoy sentado en la cima del mundo. Bajo al patio de carga, tomaré el tren carguero, voy a dejar este pueblo, trabajaré y regresaré a casa. Se fue pero no me preocupa, estoy sentado en la cima del mundo

3 Legs – Paul McCartney – disco “Ram” 1971

“3 Legs” fue publicada en el disco Ram, lanzado a la venta en Mayo del año 1971 y que recién se relanzó en una edición de lujo, que incluye material anexo, cortes inéditos y otras sorpresas.

El disco que al principio no fue bien aceptado por la crítica, ha quedado como uno de sus mejores en su labor como solista y debe ocupar un lugar privilegiado en su discografía.

En ese momento cada ex Beatle ya tenía al menos un disco como solista. Pero también donde las relaciones personales entre cada uno de ellos estaban cortadas, por el fin de la sociedad de Apple, donde las demandas, las idas y vueltas a tribunales y los mensajes personales que iban de canción en canción tenían sumido en un ambiente turbio a cada músico y con la boca abierta a todos sus seguidores.

Uno de los que más luchó por rescatar algo de dinero de Apple y a la vez lavar su imagen tras la ruptura de la banda fue Paul, quien a diferencia de George o John, que se tomaban más a la ligera este asunto (incluso con humor), era el que más sentía la caída del imperio Beatle, sobre todo por las acusaciones de la prensa.

Tras las duras críticas a su debut como solista con el disco “McCartney” (el de las cerezas), y además tras tener que soportar todas las acusaciones de la prensa y sus amistades Paul cae en una crisis emocional y decide tomar unas prolongadas vacaciones con su familia en su granja de Mull of Kintyre, en Escocia. Ahí crean algunas canciones, con nuevas ideas creativas, mensajes y reflexiones que fueron apoyadas por su pareja, Linda, que estaba metida en la producción aunque en ese momento no sabía ni tocaba nada de música.

Paul salió a Nueva York con el nuevo material en pleno otoño de 1970 para grabar su nuevo repertorio, pero esta vez no quería trabajar de manera solitaria, requería de otros músicos para poder llevar a cabo toda la producción. De forma anónima e irónica, Paul puso un aviso en un diario donde buscaba músicos para grabar un jingle comercial. Asi, aparecieron en el casting el baterista Denny Seiwell (quien se un solo de batería al estilo Ringo), el guitarrista Dave Spinozza (virtuoso pero mal genio) y el trompetista Marvin Stamm.

Empezaron las sesiones de grabación, dirigidas por Paul, que vigilaba de manera perfecta cada detalle de sus canciones. Y entre esas canciones estaba presente un country blues, que contaba con una letra llena de metáforas ligadas a la situación personal y a la tan mala relación en ese momento con sus demás ex compañeros Beatles: Se llamó “3 Legs”, con frases bastante alusivas como “When I thought you was my friend/But you let me down/Put my heart around the bend” ó “My dog he got three legs/But he can’t run” que quizás iban de la mano con poner en evidencia, aunque de manera velada, los defectos y pocas virtudes de sus compañeros.

En una entrevista a John Lennon en 1971 a una pregunta del reportero sobre el nuevo disco de Mc Cartney comentó: “me gustó un poco de eso del “perro de tres patas”, sobre todo esa parte que dice “Hands across the water”, pero en palabras simples, el disco dispara fuera de tiempo. No me gusta!”

La canción fue grabada en octubre de 1970 y fue la última pieza donde colaboró Dave Spinnozza, quien decidió abandonar el proyecto tras varias discusiones con Linda McCartney (meses después declararía que “ella quería hacerlo todo, nos mandaba en el estudio, y eso que no sabía tocar nada, pero se creía la productora “). Luego colaboraría con Lennon en algunas piezas.

En esa sesión, Dave y Paul estuvieron a cargo de las guitarras acústicas y las grabaron juntos el mismo día. Lo que sí llamó la atención de Dave y a los demás músicos es que en ninguna de las sesiones Paul tocaba el bajo, lo grababa en solitario por su cuenta.

Well, when I walk, when I walk Walk my horse upon a hill When I lay me down Will my lover love me still? A dog is here, A dog is there My dog, he got three legs But he can’t run   Well, when I thought, When I thought you was my friend But you let me down, Put my heart around the bend A fly flies in, A fly flies out Most flies they got three legs But mine got one   Well, when I fly, When I fly above the clouds You can knock me down with a feather, yes, you could But you know it’s not allowed  Bueno, cuando paseo a mi caballo sobre una colina y me apeo, cuando me acuesto, mi amante me amará aun? Un Perro está aquí, un perro está allá, Mi perro tiene tres piernas Pero no puede correr. Cuando pensé que eras mi amigo (te llamé por ser mi amigo) pero me decepcionaste, pon mi corazón en la esquina. Una mosca vuela para adentro, una mosca vuela para fuera, la mayoría de las moscas tiene tres piernas, Pero la mía tiene una. Bien cuando vuelo por encima de las nubes (de la multitud) Puedes noquearme con una pluma, sí que podrías, pero sabes que no te está permitido)

Blue Jean Blues – ZZ Top – Disco Fandango, 1975

Igualmente, siguiendo las reglas más ortodoxas del blues, con ese acento triste y duro, bohemio y amargo, melancólico y creativo que solo el blues puede dar, la letra, cargada de una sensualidad desenfadada, es solo un pretexto para el virtuosismo del requinto natural, sin efectos, de Billy Gibbons y el filin’ de Dusty Hill en el Bajo y Frank Beard en la Batería.

I done ran into my baby And finally found my old blue jean. Well, I could tell that they was mine From the oil and the gasoline.   If I ever get back my blue jean, Lord, how happy could one man be ‘Cause if I get back those blue jean You know, my baby be bringin’ ‘em home to meCorrí hacia ni nena Y finalmente encontré mis viejos blue jeans Bueno, puedo decir que eran míos por el aceite y la gasolina.   Sí alguna vez encuentro mis blue jeans Señor, cuán feliz un hombre podría ser Porque sí encuentro esos blue jeans Tú sabes, mi nena me los traerá a casa


Hoy, Fiesta de la Música en Francia!

Un cuento de: José Ramón González Chávez

A la Peña de los Compadres,

In Memoriam.

(…suena el despertador, una vez…, dos veces…

antes de que suene por tercera vez lo apago…)

Mmmmhh, bueno, a levantarse, un día más…

Despierto en la cama de mi departamento recién rentado, aquí en Vichy, feliz de estar en él, después de haber vivido más de un mes en un hotel de cuarta al que llegué embaucado por el taxista con el que me topé a mi llegada, en la estación del tren.

Prendí el radio que compré para habituarme a la melodía, el ritmo y la velocidad de la que sería por varios años mi lengua cotidiana y escuché en el noticiero matutino que hoy entraba el verano; o al menos eso creí haber entendido, porque el locutor dio la nota muy rápido, parecía no darle mucha importancia al suceso, solo le dedicó unos segundos, como si fuera un anuncio de rutina.

Abro la ventana que da hacia la calle, todo es verde, la gente camina con semblante alegre rumbo a donde tiene que ir, a gusto, sin molestia alguna digamos, de tipo climatológico…, cosa sin duda singular porque al llegar a este país aprendía a que el clima sí influye en los estado de ánimo.

Sí, es un muy bonito día, extrañamente bonito; es un día muy… mexicano, si se puede decir, porque no hace ni frío ni calor, ni nubes, de un perfecto azul celeste. Sobre el tejado del edificio de enfrente, me sorprende una luna, casi llena, a plena luz del día.

Sí, hoy es un bello día, aquí en Vichy, una bonita manera de ser recibido en esta tierra tan lejana de la mía, de la cual solo me llega el olor de la brisa de un gran charco que me separa de ella 10 mil kilómetros… y a la cual no regresaré sino si hasta que el destino así lo quiera, mucho tiempo después.

Pero bueno, tal día amerita un paseo, sólo hay que ajustar un poco la dirección del zapato para llevar los pasos por la calle del Presidente Wilson, quebrando a la izquierda por la calle del Casino, rumbo al hermoso parque que acompaña al río Allier desde el Club Aviron hasta el Boulevard des Etats Unis.

Curiosamente, Vichy me evoca pasajes de la historia de México: era la Villa de descanso y diversión de Napoleón III, sí, aquel orquestador de la Guerra de los Pasteles, la invasión suaba y el fallido imperio de Maximiliano. La hizo resplandecer durante su reinado, parques, aguas termales, casino, opera, hipódromo, deportes acuáticos. Luego me tocó vivir en la Calle del Presidente Wilson, contemporáneo de Porfirio Diaz, que por abajito del agua –para no variar- promovió y patrocinó la revolución mexicana y luego la invasión a Veracruz en el 14, moneda de trueque para el cierre de la guerra civil con Carranza. La frontera norte del parque, es el Boulevard des Etats Unis, que en su trayecto cambia de nombre a Avenue Victoire (Frontera Norte, Estados Unidos, Victoria… qué paradoja…). También evoca un capítulo de las historias francesa y mexicana olvidado hasta ahora, pues al igual que en el exilio español, causado por el triunfo del fascismo en España, el México Cardenista recibió a gran cantidad de franceses que al momento de la invasión de Hitler huyeron del régimen racista y autoritario del Mariscal Petain, que suprimió la República y estableció a Vichy como capital del régimen nazi hasta el final de la segunda guerra (Primero la llegada de franceses en actitud de guerra expansionista; algunas décadas después, otra llegada de franceses, pero ahora en solicitud de ayuda humanitaria. Otra paradoja…).

Pero bueno, por este día la historia y las paradojas que pasen a un segundo plano. Lo importante hoy es que la tarde cae, el sol dorado se filtra entre las hojas de los árboles; un cuidado tapiz intermitente de flores de muchas variedades y colores decora el parque.

Más allá, al fondo, el Allier que en su ruta líquida une los horizontes de sur a norte. Camino sin prisa por la ribera que aquí llaman Route Thermal  y voy viendo algunos anuncios en los postes de luz, en los negocios establecidos a la orilla. De repente, uno de ellos me anuncia algo inesperado y sorprendente:

“AU JOURDHUI, FÊTE DE LA MUSIC EN FRANCE!”

Hoy, fiesta de la música en Francia, sí, en todo Francia y desde luego aquí, en Vichy, donde me encuentro ahora. Día de la música… me quedo pensando ¿Qué significa esa expresión aquí, en esta tierra tan diferente, donde las cosas y sobre todo las que se relacionan con los sentimientos tienen –al menos eso creo- otro significado?

Sigo mi recorrido ribereño y distingo a lo lejos algo que parece música.  Sí, sí, creo que es música, y sin querer aprieto un poco el paso; la combinación de sonidos que escucho se me hace como un espagueti o una ensalada para el sentido del oído, pues aunque sé que lo que es –música-, no alcanzo a separar un sonido del otro. Toda esa música mezclada como si fueran mil canciones tocadas a la vez, unidas al murmullo de la gente, me producen una sensación de placentero aturdimiento. Me detengo un momento y trato de deshebrar esta madeja de sonidos; distingo algunas notas de música árabe, otras de música brasileña cantada en francés y una que otra frase cantada en español; ¿en español?, ¿dije en español?, los resortes del corazón me hacen saltar como salta uno cuando después de un tiempo encontramos algún objeto perdido al que se le tiene por indispensable. Reparo en que son seis meses, medio año ya, que tengo de haber comenzado a padecer, en una especie de masoquismo forzado, de esos tonos del idioma que me han acompañado durante toda mi vida.

Atento a las palabras de esa música reconfortante que es la propia lengua, la materna, casi hipnotizado como una serpiente por la flauta de un faquir voy hacia la fuente de donde brotan esas frases que mi alma recibe como un bálsamo administrado por la mano de una musa. Entro por un arco formado por dos árboles muy grandes, creo que son castaños, -como castaños son los cabellos de mi mujer…-. Casi por instinto, traspaso el verde umbral; la fiesta comienza.

Gente de todo el mundo se reúne sin conocerse con el único afán de hacer en este fabuloso día de hoy, alguna de estas cuatro cosas, o combinarlas a placer: escuchar, tocar un instrumento, cantar o bailar, y que realmente, solo son una: hacer música, no importa la raza, la lengua, la historia, la ciencia, la virtud, de cada quien. Todos son simples mortales hoy partícipes de un embriagante ritual mágico que celebra la mitad del año sideral: El verano.

Por allá, a un lado de cualquier parte, deben estar mis amigos de habla hispana, de habla mágica, de lenguaje para hablar con Dios. Ahora no sólo escucho las palabras, las entiendo, las siento, las poseo y ellas me poseen.  Y cómo no me van a poseer si la letra dice: “Por las tardes, con la lluvia, se baña su piel morena, y al desatarse las trenzas, sus ojos tristes se cierran…”.

Mi ciudad. Guadalupe Trigo. http://www.youtube.com/watch?v=NFBaEzDRiTM

Quién puede conocer esa canción hasta estos lugares? Pero, si soy yo, precisamente yo, el que está cantando y que tiene la guitarra en su regazo y abrazada, aferrándose a ella, como lo hiciera un náufrago con un trozo de madera en medio del mar.

Por un momento vuelvo en mí: un charango, un bombo y una flauta me acompañan; un centenar de almas, entre franceses y de otras no sé qué tantas nacionalidades me escuchan; nos escuchan, cantan, se agitan, danzan. Entre ellos, una francesa, ebria de tanta felicidad, más que de cerveza, brinca, grita y reparte besos a los músicos, al público; se da cuenta de que está en presencia de una congregación global y exclama a toda la rosa de los vientos Je vous aime en cinco idiomas..

Mis compañeros de grupo, sudamericanos de diferentes países y que ahora sé que son miembros de una banda de música folclórica latinoamericana, que estudia en el conservatorio nacional de música folclórica de Gannat, pueblo vecino a Vichy, traen una buena cantidad de partituras con cifrado del género, lo que me facilita seguirlos y acoplarme a ellos. Mientras tocamos otras piezas del repertorio latinoamericano conocido, sigue llegando más gente. Entre el auditorio distingo a un grupo que trata de comunicarse en francés con claro acento gringo. Eso me recuerda una bella canción que oí por primera vez hace una década y que casi de inmediato saqué y desde entonces he disfrutado tocar:

Al término de cada canción, la gente aplaude, grita, bebe se abraza y ríe aun sin conocerse. En el ínter busco a mis amigos, ¿dónde andarán?, ¿habrán ido al baño? ¿Por más cerveza?, quién sabe.  En fin, por ahí han de andar.

Comenzamos a tocar el “Carnavalito”, joya de la música folclórica de Sudamérica (en Francia México también forma parte de Sudamérica) y los acompaño desde el corazón, como si la hubiera tocado desde siempre.

Los que integramos el grupo intercambiamos miradas, asombrados de la coordinación, del “clic” que hemos logrado de primera intención y que se escucha como si ya tuviéramos tocando mucho tiempo juntos. Los latinoamericanos integrados a la audiencia –o mejor dicho a la coreografía- bailan y cantan, deliran junto con nosotros.

Comienza a sonar la Guantanamera, la gente baila y canta eufórica, es la apoteosis de la fiesta. Parece que todos fuéramos uno solo

Por ahí, entre la audiencia un grupo comienza a tararear “la vida es un carnaval” y de inmediato los que tenemos un instrumento en las manos comenzamos a seguirlos, hasta que las cerca de doscientas gentes que estábamos ahí, quizá más, nos convertimos en una sola orquesta y una compañía de danza y teatro y multi-performance al mismo tiempo.

En medio de la vorágine de esta verdadera Bacanal, de este sagrado ritual que rinde culto a Baco, pasan sin sentir las horas y las canciones, y las cervezas.

Vuelve a mí un instante de lucidez y veo que es tarde, o más bien temprano, recuerdo someramente aquello a lo que vine a hacer a estar tierras tan lejanas: mañana hay que ir a trabajar a la escuela, tiempo completo, 4 horas en la mañana, 4 en la tarde, francés aplicado a la administración y el gobierno…

La pura y en ese momento triste realidad me cae como balde de agua sobre las espaldas. Sin que nadie lo note, salgo lentamente de ese espacio mágico y y salgo lentamente del hechizo.  Camino paso a paso por las calles rumbo al hostal en donde vivo, entro a mi estudio, cierro la puerta.

Me desplomo sobre la cama. De repente, todo queda en silencio. Cierro los ojos repasando los detalles de todo lo que sucedió esa noche y viene a mi mente una pieza que ahora ejecuta una chica francesa que toca la guitarra y canta en francés.

Abro de nuevo los ojos y veo que solo ha pasado un instante. Otra vez los cierro y como un eco en la distancia resuena entre notas, sonidos y rumores, la frase de aquella francesa que rebosada y rebasada por la emoción opiácea del momento repitiera hasta el olvido: Je vous aime.

Con ella voy cayendo hasta el fondo de mis sueños. Sí, yo también te amo, los amo, a todos, a todo. Los amo, yo tampoco…

…Suena la alarma del reloj como si lo hiciera por primera vez. Son las 7.45 de la mañana… Uff!, voy a llegar tarde a clases…

Mientras voy corriendo y a paso veloz hacia la escuela insiste mi mente: ¿Habré soñado todo eso? El pensamiento me ocupa pero no me inquieta; la alegría permanece en mi pecho, aun paladeo como una bruma tibia y perfumada el rico, denso y delicado sabor de esos momentos. ¿Sucedió en realidad? No lo sé, no me interesa, lo único cierto es que ese día, uno de la Fiesta de la Música, en el umbral del verano, se abrió la puerta a un mundo donde la musa Euterpe fue la Reina y yo el más humilde de sus vasallos…

Jazzileiro: El Jazz en Brasil (Parte 1)

JAZZILEIRO

El Jazz en Brasil

Por Jose Ramon Gonzalez

Parte 1

Eumir Deodato

Nació en Río de Janeiro, el 22 de junio de 1943, de padre Italiano y madre Portuguesa.

Músico autodidacta, comenzó a tocar el acordeón a los 12 años, pero rápidamente obtuvo aptitudes instrumentales y orquestales, que culminaron con su primera sesión de grabación, a la edad de 17 años.

Originalmente, trabajaba como pianista y arreglista en Río, durante el surgimiento de la Bossa Nova y escapó de Brasil junto con otros músicos brasileños de la Dictadura Militar, mudándose a Nueva York y trabajando primero con Luis Bonfá y, más tarde como arreglista y tecladista para el productor Creed Taylor.

A partir de ahí creció su fama como arreglista y compositor de Jazz, conocido por su diseño y composiciones eclécticas, producto de diversos géneros musicales, como el rock, el pop, el R&B, el Jazz, el Funk y la música orquestal

Su mayo éxito como se dio en los años 70 y desde entonces ha producido más de 500 álbumes para bandas como Frank Sinatra (Sinatra and Company), Vinicius de Moraes, Wes Montgomery, Astrud Gilberto, Kool & the Gang y Bjork (Homogenic), de los cuales 15 han alcanzado disco de platino.

Su primer álbum en los Estado Unidos, Prelude (1973considerado como un disco fusión de Big Bands y Latin Jazz), atrajo a una nutrida audiencia. Su genial versión funky a la pieza de Richard Straus, Also Spracht Zarathustra le valió el premio Grammy en 1974 por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, llegando a ocupar el lugar nº 2 en el Billboard de Estados Unidos y el nº7 en el Reino Unido, y siendo usada como soundtrack de la película Being There.

En sus primeras grabaciones se apoyó de grandes músicos como el guitarrista John Tropea y el flautista Hubert Laws.

Es de las grandes estrellas del Pop Jazz hizo inmortales muchas de sus piezas propias y covers que han llegado a usarse como sound tracks (Ghostbusters, El Exorcista, Bossa Nova) e inclusive como música de video juegos como Grand Theft Auto: Vice City con el track “Radio Espantoso”.

En el 2007 participa en el Disco homenaje al gran arreglista y compositor Enio Morricone. También colabora en disco “Mundo Feliz” del músico Gallego Juan Rivas donde realiza arreglos para la canción El amor que me das.

César Camargo Mariano

Pianista, arreglista, productor y compositor. Nace en Sao Paulo, el 19 de septiembre de 1943

Se le considera uno de los instrumentistas más renombrados fuera de su país.

De su padre, que era maestro de música, aprendió la teoría, la técnica y la ejecución del pianom a lo que sumó todo lo que escuchaba y aprendía “de oreja”. Nunca llegó a convertirse en un músico académico. Después de un par de intentos de incursionar en la música clásica, Camargo prefirió seguir tocando de oído.

En 1957 —cuando Camargo Mariano todavía no había cumplido los 14 años— la trombonista estadounidense Melba Liston lo invitó a participar en su concierto en un club de jazz en Rio de Janeiro. Entonces apareció en un programa especial de radio Globo (en Río) llamado «El niño prodigio que toca jazz».

Ese mismo año, Camargo Mariano conoce a Johny Alf, quien —debido a su gran amistad— lo invita a vivir a casa de su familia. Juntos en su casa en Sao Paulo, Camargo se vuelve familiar con los secretos del arreglo, la composición y las artes del cine y el teatro, gracias al aliento de Alf.

Empezó a actuar como profesional en la orquesta de William Furneaux, y en 1962 formó el grupo Três Américas, que tocaba en fiestas y bailes.

Formó grupos amateurs vocales e instrumentales.

A principio de los años sesenta, cuando la Bossa nova empezaba a entrar en el mercado mundial, el adolescente Camargo Mariano ya era famoso por su habilidad para el swing y por su ahora legendaria mano izquierda.

En 1963 fue a São Paulo e integró el Quarteto Sabá, con quienes graba su primer LP. En seguida formó el Sambalanço Trio, con Airto Moreira y Humberto Claiber. Grabaron un disco con Lennie Dale y ganaron varios premios.

A fines de los años sesenta, la red TV Record de São Paulo lo invitó a un especial llamado Passaporte para o Estrelato (pasaporte al estrellato). Fue contratado por la empresa, donde trabajó como instrumentista y arreglista, y grabó varios discos con su grupo Som Três.

Participó como jurado en festivales de música de la TV Récord.

Sus dos grupos de esa época, Sambalanço Trio y Som Tres, se consideran los exponentes más altos del jazz brasilero.

Su álbum de jazz Samambaia (1981), fue uno de los más conocidos tanto en Brasil como en EE.UU.

Las colaboraciones de Camargo a los más importantes cantantes de Brasil, como Wilson SImonal y Elis Regina, le dieron fama mundial.

El histórico álbum Elis e Tom realizado junto con Antonio Carlos Jobim en 1973, lanzó definitivamente a Camargo como productor, pianista y director musical de alcance global.

También participó en trabajos con músicos de talla mundial como Chico Buerque, Maria Bethania, Jorge Ben, entre otros. En la misma época, entró en el mercado de los jingles, los soundtracks y la música de propaganda.

Desde entonces, Camargo Mariano trabajó con muchas personalidades del espectáculo, como YoYoma y Blossom Dearie. También ha compuesto mucha música para películas y televisión.

En los años ochenta, Camargo Mariano grabó dos discos considerados históricos: Samambaia, con el guitarrista Helio Demiro; y Voz e suor, con la cantante Nana Caymmi, siendo el primero en utilizar secuenciadores en sus arreglos musicales

Continuó su actividad como arreglista, productor, compositor y pianista en Brasil hasta 1994, cuando se mudó a Estados Unidos, donde comenzó a trabajar con el compositor Sadao Watanabe, quien lo llevó a giras a Japón.

Sus hijos también han alcanzado la fama:

De su primer matrimonio con la cantante brasileña Marisa Gata Mansa, tuvo un hijo, Marcelo Mariano, actualmente un gran bajista en Brasil.

Se unió 8 años con la que quizá sea la más famosa famosa cantante de Brasil, Elis Regina, con quien tuvo dos hijos: Pedro Mariano y Maria Rita, actualmente famosos cantantes en Brasil.

De su segundo matrimonio en 1982 con Flavia Rodrigues Alves, tuvo una hija, Luisa Camargo Mariano, también cantante, que desde 2008 estudia en el Berkley College of Music de EE.UU.

En 2006 recibió el premio Grammy por su larga y gran trayectoria.

Badi Assad.

Es el nombre artístico de Mariângela Assad Simão, guitarrista, cantante, percusionista y compositora, nacida en São João da Boa Vista, 1966. Se ha especializado en el jazz y el worldbeat.

Proviene de una familia de gran tradición musical. Su padre, Jorge Assad, de ascendencia libanesa, toca la mandolina, y sus dos hermanos mayores, Sergio y Odair, son guitarristas y forman el Duo Assad.

Badi Assad estudió guitarra clásica en la universidad de Rio de Janeiro y ganó el Concurso joven de los instrumentistasen Rio de Janeiro en 1984.

En 1986, se unió a la Orquesta de guitarras de Río de Janeiro, dirigida por el gran guitarrista Turibio Santos.

Actuó en Europa, Israel y Brasil junto con el guitarrista Françoise-Emmanuelle Denis bajo con quien formó el Dúo Romantique.

En 1987, fue nombrada “mejor Guitarrista de Brasil” en el Festival internacional Villa-Lobos.

Grabó su primer disco Dança do tons (danza de tonos) en 1989.

En 1995, Assad fue denominada como mejor Guitarrista acústica, por la revista Guitar Player.

Su disco más reciente es Wonderland, de 2006 producido por Deutsche Grammophon.

Tocó a duo con Toquinho en Cremona, Italia, el 5 de agosto de 2010.

Ha tocado y grabado con muchos artistas notables, especialmente del ámbito del jazz, como Cyro Baptista, Pat Metheny, John Abercrombie y Stephen Kent, entre muchos otros.

Rock Around Brasil (Parte 2)

ROCK AROUND BRASIL (Parte 2)

Por Jose Ramon Gonzalez

Años 80

La década del 80 fue la del boom del rock latinoamericano y de la aceptación popular del rock brasileño o BRock, que nació en buena medida de los lugares para shows de rock como Noites Cariocas y Circo Voador en Río de Janeiro, y Aeroanta en São Paulo, de donde surgieron muchas y muy buenas bandas. Es por ello que en esta ocasión nos referiremos solo a las más significativas.

Las primeras bandas en obtener éxito masivo en Brasil surgieron del llamado “Verano del Rock” en 1982. Entre ellas se encuentran:

Ira!

Grupo formado en Sao Paulo en los 70’s con el nombre de Suburbio, en el declive de la dictadura militar, y formalmente integrado en 1981 ya con ese nombre, inspirado del Ejercito Republicano Irlandés (ERI en español, IRA en Inglés), que al cabo del tiempo se convirtió en toda una leyenda del rock brasileño. Integrado originalmente por Edgard Scandurra (fundador, guitarra y voz); Nasi (fundador, voz); Adilson (bajo); Fabio Scattone (batería). Su nombre fue Influenciados por el Punk Rock de la época (The Clash, The Cure, Ramones) y con acentos de Led Zepelin, The Who, Jimmy Hendrix

Su primer LP Mudança do comportamento, fue grabado en 1985. Resaltan 3 tracks:

En 1986 surge su álbum de lanzamiento considerado su mejor album, Vivendo e não aprendendo:

En 1987 sale al público el disco Psicoacústica que se volvió un LP de culto.

Su disco de mayor éxito fue Ira MTV acústico en 2004 (En 1990 entro MTV Unplugged a Brasil).

La Banda se separó en 2007, como producto de problemas internos y familiares entre Nasi y su hermano, dueño del nombre de la banda. Se reintegró en 2013.

Los cuatro Grandes del Rock Brasileño:

Cuatro bandas brasileñas (que después fueron denominadas “Los cuatro grandes”, se destacaron especialmente en los años 80 por su popularidad masiva:

1.- Legião Urbana.

La banda nace en Brasilia, en 1982, luego de la desintegración de Aborto Eléctrico, a iniciativa de Renato Rosselini (Renato Russo) quien tomó su nombre artístico de Jean Jaques Rousseau y Bertrand Russell, junto con Dado Villa-lobos (Guitarra), Renato Rocha (Bajo) y Marcel Bonfá (Batería). Con influencia de Sex Pistols, Ramones, The Smiths, Talking Heads, entre otros.

Su primer disco se grabó en 1985, con temas como:

Que se convirtieron en clásicos de la música brasileña contemporánea.

Se desintegró en 1996, luego de la muerte de su líder Renato Russo a causa del SIDA. Sus ventas llegaron al os 20 millones de discos, llegando a ser la 3ª banda con más ventas a nivel mundial de la compañía EMI. Sus canciones siguen sonando en la radio.

2.- Os Paralamas do sucesso (los guardafangos del éxito).

Uno de los grupos más importantes del Rock Latinoamericano. Creado en Rio de Janeiro en 1982 por Herbert Vianna, líder de la banda, junto con Bi Ribeiro (bajo) y João Barone (batería); de orientación hacia un Ska con influencia de The Police.

Trascendieron las fronteras de Brasil, llegando a ser muy populares Argentina, Chile y Uruguay, Paraguay, Colombia.

Hebert Vianna

Su primer álbum, Cinema Mudo, en 1983 para EMI tuvo un éxito moderado.

Al año siguiente, en 1984 lanzan el disco O passo do Lui con éxitos como:

El éxito del disco los llevó a participar en el primer festival “Rock in Rio, de 1985.

En 1986 lanzan Salvagem?, disco con el que se opusieron a la manipulación que venían sufriendo por los “genios” de la industria musical de EMI y en el que mezclaban influencias de la MPB, llegando a vender 700 mil copias y los llevaría a tocar en el Festival de Montreux (la presentación se convirtió en su álbum en vivo “D”.

Os Paralamas volvieron al éxito en los 90 con

3.- Titãs

Originarios de Sao Paulo. Originalmente llamados “Os Titãs do iê-iê”. Iniciaron formalmente en 1981, fusionando las estéticas del new wave y el reggae con la MPB (música popular brasileña). La primera formación contó con Arnaldo Antunes (voz), Branco Mello (voz), Marcelo Fromer (guitarra), Nando Reis (bajo), Paulo Miklos (saxo y voz), Sérgio Brito (teclado y voz), Toni Belloto (guitarra), Ciro Pessoa (voz) e André Jung (batería).

En 1984 saca su primer álbum con la marca WEA, que a pesar de sus ventas modestas, logro colocar su primer hit:

En 1985 dos miembros de la banda son apresados por posesión de heroína. A raíz de esto, en 1986 el grupo lanza su disco Cabeça Dinossauro, que en varias de sus canciones criticaban instituciones públicas, como la policía, la iglesia, la familia. El álbum ha llegado a ser considerado como el mejor del grupo y uno de los paradigmas del Rock Brsileño.

Después de una baja de popularidad, resurgen en 1995 con su álbum acústico MTV conmemorativo de sus 15 años de carrera formal, llegando a vender 1.7 millones de discos,

Este exitoso álbum fue seguido de un volumen 2, con músicos invitados como Fito Páez, Jimmy Cliff, Marisa Monte, Rita Lee, Marina Lima, Roberto Carvalho y Arnaldo Antunes, miembro fundador de la banda quien se reintegró para grabar este disco del que destaca la canción

La cadena televisiva Rede Globo, los contrató para hacer para su telenovela Cuna de Gato, el single

  • Porque Eu Sei Que é Amor (porque sé qué es amor) http://www.youtube.com/watch?v=v6h6Hpie7Ao, que a pesar de ser una pieza “descafeinada” del grupo en cuanto a su perfil tradicional, logro gran éxito y los mantuvo en el tope del estrellato.

4.- Barão Vermellho (Barón Rojo)

Originalmente llamado “Snoopy y el Barón Rojo”, empezaron como una banda de garaje preparatoriana, ahora es considerada una del as bandas con mayor influencia en el Rock de los años 80.

Formado por Cazuza y Roberto Frejat en Rio de Janeiro en 1981. El nombre real de Cazuza es Agenor Miranda Araújo Neto, hijo del famoso cantante y compositor Joao Araujo y luego productor de “Som Livre” una de las principales disqueras brasileñas, que fue la que precisamente les grabó su primer disco con el mismo título Barão Vermellho en 1982. De ese álbum destacan:

  • Bilhetinho Azul,
  • Ponto Fraco,
  • Down em Mim,

La banda no repuntaba, no se programaban sus canciones en la Radio; hasta que en 1983 Caetano Veloso se refirió a Cazuza como el mejor poeta de su generación y le hizo un cover a su canción

Su fama realmente comenzó a nivel nacional en 1984, cuando hicieron el soundtrack de la película “Bete Balançohttp://www.youtube.com/watch?v=_3GSxMcsjA4 que poco tiempo después incorporaron en su tercer álbum Maior Abandonado que en los primeros 6 meses vendió más de 100 copias, lo que le ganó un lugar en el festival Rock in Rio de 1985.

Cuando Cazuza abandonó el grupo para seguir una exitosa carrera de solista, fue sustituido por el guitarrista Roberto Frejat, pero sin el apoyo de la disquera su éxito decayó, hasta que en 1988 lograron abrir los conciertos que dio Rod Stewart en Brasil.

Al año siguiente después de su “levantón” gracias a la gira con Rod Stewart, Som Livre, la disquera donde trabajaba el papá de Cazuzo, lanzó un disco de Gratest hits con canciones de la época cuando Cazuza cantaba en el grupo (murió en 1990 de SIDA).

En 1991 grabó un Unplugged con MTV y 1995 le abrió a los Rolling Stones en su gira Voodoo Lounge por Brasil.

En 1998 grabaron “Puro Extase” un álbum con influencia tecno que fue catalogado como el mejor disco del grupo en toda la década.

Como decíamos al principio, hay muchos grupos Brasileños de Rock que surgieron en este período 80s-90s. Solo mencionaremos a algunos grupos “Mineiros” como:

Skank”, que fusionaba distintos tipos de rock y géneros.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Samuel_Rosa.jpg/200px-Samuel_Rosa.jpg

Samuel Rosa, líder de Skank

A lo largo de la década, surgirían otros muchos grupos mineiros, como:

Pato Fu

Jota Quest

Tianastacia.

En 1994 surgió en Recife el movimiento Mangu beat, que fusionaba percusión nordestina y guitarras pesadas, y tuvo buena aceptación de la crítica.

Los principales grupos de esta corriente son:

Chico Science

Mundo Libre S/A

Entre 1994 y 1995 surgieron dos grupos de tipo humorístico que obtuvieron gran éxito, como

Los Raimundos, provenientes de Brasilia, con un ritmo denominado “forrócore” (forro + hardcore)

Algunos raperos brasileños tuvieron vinculación estrecha con el rock, como

Gabriel o Pensador

Planet Hemp, Siguiendo el camino de Sepultura

Angra

Krisiun

Choke, que llegó a grabar en inglés, con lo que alcanzó un considerable éxito en el exterior.

Otros que se destacaron fueron:

O Rappa (reggae/rock)

Charlie Brown Jr (“skate rock” con canto rap), y

Pero sin duda lo más destacado del rock brasileño en cuanto a intérpretes se refiere a la magnífica cantante Cássia Eller. Fabulosa voz, mágica en el escenario, grande entre los grandes de la música brasileña. Cássia lo demuestra en toda su extensa discografía, por eso merece mención especial.

Década del 2000.

2001 fue un año trágico para el rock brasileiro y latinoamericano: Herbert Vianna de los Paralamas, sufrió un accidente y quedó parapléjico (aunque más adelante volvió a tocar); Marcelo Frommer, de los Titãs, murió atropellado; Marcelo Yuka, de O Rappa, fue baleado y quedó paraplégico; y Cássia ellar murió, no sin antes dejarnos su mejor trabajo, el Acústico MTV, 2001.

Las bandas de los 90 pasaron por muchos cambios:

Skank se volcó hacia el britpop; el líder de los Raimundos, Rodolfo, se convirtió a la religión evangélica y salió de la banda para formar Rodox; Los Hermanos, grabaron un polémico, experimental y aclamado segundo álbum Bloco do eu sozinho 2001 que profundizaron con los dos siguientes: Ventura 2003 y “4” 2005; tres de los cuatro integrantes de Charlie Brown Jr. abandonaron el grupo.

Rock Around Brasil (Parte 1)

ROCK AROUND BRASIL (Parte 1)

Por José Ramón González Chávez

Unánimemente se considera que el nacimiento del rock en Brasil el 24 de octubre de 1955, día en que Nora Ney, una ex cantante de Grandes Bandas lanzó su sencillo Ronda nas horas, http://www.youtube.com/watch?v=5GnaU2m3-OQ , versión en foxtrot del Rock around the clock (Max C. Freedman y Jimmy Knight) que interpretara Bill Haley & his comets, pieza con la que también se inaugurara oficialmente el género en norteamerica. Se realizó como Soundtrack para la versión brasileña de la película Semilla de Maldad (Blackboard Jungle). Se nota como se hace bolas con el inglés de acento tejano.

Nora Nay

El tema, cantado en inglés, fue un éxito inmediato. Sin embargo, paradójicamente, Nora Ney no volvió a cantar otra pieza de rock. En diciembre salió la versión en portugués de la misma canción, cantada por Eleninha Silveira http://www.youtube.com/watch?v=V0OLTi3z2F4 , pero no logró alcanzar el éxito de la “original”.

Eleninha Silveira

En 1957 se grabó el primer rock original en portugués, Rock and Roll en Copacabana, http://www.youtube.com/watch?v=zw3gQx2ZWuI, escrito por Miguel Gustavo (futuro autor de “Pra Frente Brasil”, exitoso tema durante la copa del mundo de futbol México 70, interpretada por Cauby Peixoto con un estilo instrumental que sigue evocando al as Grandes Bandas, y con un estilo de voz cercano a Jerry Lee Lewis aunque con una rítmica peculiar.

Cauby Peixoto

A finales de la década del 50 diversos artistas grabaron versiones del rock norteamiericano, como Ate Logo Jacaré (See you later alligator de Bill Halley) por Agostino Dos Santos http://www.youtube.com/watch?v=rQCBrJxkb0E, Meu Fingimento con Carlos Gonzaga (The great pretender, éxito mundial de The Platters) http://www.youtube.com/watch?v=EdVgxfQcqzc,  y Bata Baby (Long tall Sally de Chuck Berry), de Wilson Miranda. Betinho & Seu Conjunto alcanzó un gran éxito con “Enrolando o Rockhttp://www.youtube.com/watch?v=c8YPKCvnYy4.

Agostino Dos Santos

Pero los primeros ídolos rockeros en Brasil fueron los hermanos Tony y Cely Campello quienes lanzaron en 1958 el sencillo (45Rpm) Forgive me/Handsome boy http://www.youtube.com/results?search_query=handsome+boy+tony+e+celly+campello, y http://www.youtube.com/watch?v=BPeO9_SgSsg, que vendió 38mil copias, éxito considerable, teniendo en cuenta los medios de comunicación y de publicidad de la época. Al poco tiempo el dueto decidió separarse y colocaron éxitos individuales.

En 1959 Celly Campello logra un gran hit con Estúpido Cupido http://www.youtube.com/watch?v=HSTvMl553Zo  (cover de Estupid Cupid cantada por Connie Francis) con el que logró vender 150 mil copias.

La radio y la televisión fueron la base para la proyección de la música y los músicos del naciente género. Hubo en Brasil programas como “Crush in Hi-Fi” en la Red Record, primer programa orientado 100% al público joven, que promovió  muchos grupos. Aprovechando el “Boom” surgieron después otros como “Ritmos de Juventud” en Radio Nacional de Sao Paulo; “Club del Rock” en Radio Tupi (Rio de Janeiro); “Alo Brotos” en TV Tupi. En 1960 surgió “Revista de Rock”.

En este momento se empezaban a combinar ya los “covers” de piezas famosas en inglés con creaciones originales en portugués inspiradas en aquellas.

El comienzo de la década de los 60 fue marcado por el surgimiento de grupos instrumentales como:

The Jet Black’s” (versión brasileña de The Venturers, o Los Venturosos)

The Jordans”, con un sonido cercano al Herb Albert de la época a Go-Go.

The Clevers (luego llamados Os Increíveis)

The Clevers

y del cantante Ronnie Cord que grabó temas que se convirtieron en himnos, “como

Ronnie Cord
  • Bikini de Bolinha Amarelinha tao Pequenhinhohttp://www.youtube.com/watch?v=rKAYxr3myP8 , versión en protugués de Itsi Bitsi Tiny Wine Yellow Polca dot Bikini de Bryan Hyland y que en español hiciera famosa Luis Bastián (“Bikini amarillo a lunares, diminuto, justo, justo”).
  • Rua Augustahttp://www.youtube.com/watch?v=GvVcERksN-A , evocación de la importante calle centro de la vida nocturna de Sau Paulo

En 1963, Surge un joven originario del estado de Espíritu Santo, de apenas 20 años, Roberto Carlos, que saca canciones exitosas, como:

Al año siguiente 1964, lanza

Aprovechando la racha, la Red Record pone al aire en TV el programa de Rock “La Jovem Guarda” http://www.youtube.com/watch?v=8BK-1zNw5bU protagonizado por Roberto Carlos (Rey), su amigo Erasmo Carlos (Tremendão) y Wanderléy Barroso (Ternurinha). El éxito fue tal que llegaron a tener el 90% de la audiencia (rating) total.

A raíz del éxito de este programa e inspirados en el Boom de los Beatles y la Ola Inglesa (conocido en Brasil con el nombre de ie-ie-ie), surgen a la fama grupos como:

Renato e seus Blue Caps

Los Golden Boys

Jerry Adriani

Eduardo Araujo

Ronnie Von

Todo cual da pie a una extensión de La Jovem Guarda a la Radio, con la emisión del programa ié-ié,ié, conducido por el propio Roberto Carlos, e igualmente con gran éxito.

La Jovem Guarda también produjo películas, como “Roberto Carlos en Ritmo de Aventurahttp://www.youtube.com/watch?v=ab8bVouGtwU , Anochecer de um día agitado (A Hard Day’s Night) y Socorro (Help!), versiones brasileñas de las similares de The Beatles.

En reacción a toda esta ola extranjerizante, surge la Tropicalia, un movimiento de corte nacionalista que culturalmente mezclaba las manifestaciones tradicionales de la cultura brasileña e innovaciones estéticas radicales (como la cultura pop y el contretismo) políticamente se manifestaba contra de la dictadura militar que gobernaba en aquellos años al país, que produjo personajes de la talla de Gilberto Gil, Os Mutantes y su vocalista Rita Lee, Caetano Veloso, Torcuato Neto, Tom Zé, entre otros.

Os Mutantes

En cuanto a Os mutantes, es una de las bandas pioneras en Brasil del Rock Pop Psicodélico al estilo Jefferson Airplane. Su calidad ha sido reconocida por personajes como Kurt Cobain y los miembros de The Flaming Lips, entre otros. Entre sus canciones emblemáticas están:

Al paso de los años, varias bandas de Rock fueron consolidándose en la escena musical brasileña, marcando influencias que aún siguen manifestándose en las nuevas generaciones.

En ese momento los artistas de la llamada MPB (Música Popular Brasileña) versión renovada de la Tropicalia, le declaran abiertamente la guerra al Ié-Ié-Ié llegando a organizar una protesta en la que participaron Elis Regina, Jair Rodrígues y otros, que se conoció como Passeata (Marcha) contra las guitarras eléctricas.

No obstante, la Joven Guardia siguió, y terminó por sí sola en 1968, cuando Roberto Carlos decide retirarse del género y ubicarse más en el Sertanejo Pop y la Balada Romántica.

Los años 70.

El endurecimiento de la dictadura militar en Brasil llevó a muchos músicos sobre todos los de la Tropicalia, al exilio. No hay mal que por bien no venga, pues esto provocó por otra parte simbiosis geniales entre géneros musicales europeos y americanos, que dieron a la luz la Bossa Nova, y Músicos de dimensión global, además de renovar la música brasileña en su conjunto.

Os Mutantes se enfocan hacia el Rock Progresivo, disolviéndose en 1978. En el cambio de giro, su vocalista. Rita Lee, decide seguir su carrera como solista, acompañada del grupo Tutti Frutti onteniendo un buen rendimiento, sobre todo en la época Disco, con el sencillo:

Secos e Molhados

Secos & Molhados (Secos y Mojados) aparece en 1973, liderado por Joao Ricardo y teniendo como vocalista a Ney Matogrosso, haciendo lo que llamaron poesía musicada, con canciones muy elaboradas como:

O también otras divertidas como

O Vira http://www.youtube.com/watch?v=Qf8SLvBSlgk , que en México se nombró Vira Viray en la versión del grupo “Tercos y Enojados” fue bautizada como Gira Gira http://www.youtube.com/watch?v=ly45Q0sKSOo .

Raul Seixas

En ese mismo año surge otro ícono del Rock Brasileño, Raul Seixas, conocido como O poeta dos Hippies, versión Bahiana de Frank Zappa, autor entre otras composiciones famosas:

En 1974, Arnaldo Baptista lanza su icónico álbum Loki http://www.youtube.com/watch?v=hrxc8QjJP5c

En Minas Gerais aparece el Beatlesco “Clube da Esquina” http://www.youtube.com/watch?v=EvLVqXOw-WI liderado por Milton Nascimento y Lo Borges

En el noreste surge la denominada “Nova Onda” de los Novos Bahianos y la llamada Invasión Nordestina, artistas que mezclaban la música Sertaneja (campesina) con el Rock, como:

Fagner

Belchior

Zé Ramalho

También en esta época estuvieron en la escena Rockera brasileña grupos underground, como:

O Terço

Made in Brazil

Sa, Rodrix e Gaurabyra

Casa das Maquinas

(Continuará…)

La Música Popular de Brasil (un día sin Samba ni Bossa)

LA MÚSICA POPULAR DE BRASIL

Un dia sin Samba ni Bossa

Por José Ramón González Chávez

Mucho se habla ahora de Brasil por el “Mundial”, pero los medios que acapararon su difusión -por alguna razón que desconozco pero intuyo- han ignorado por completo a la música y a los músicos brasileños. Eso es triste y lamentable, por muchos motivos, aparte del reconocimiento del grado de enajenación al que esos medios tienen sumida a la población.

Pero bueno, como decía mi abuelita, no hay mal que por bien no venga, y eso me dio pie a decidirme dada la coincidencia de las fechas del primer programa de ecos del tiempo en la misma semana en que se inaugurará el Campeonato Mundial de Futbol, para hablar un poco de la música brasileña.

El asunto es que, por ignorancia, cuando alguien oye escuchar el término “Música Brasileña” inmediatamente se le viene a la mente el Samba y la Bossa nova y algunos de sus exponentes más populares, cuando la Música Popular Brasileña (conocida por sus iniciales como “MPB”) es mucho, pero mucho más que esos dos géneros, importantes, sí, pero no los únicos.

Así que este programa inaugural de “Ecos del Tiempo” lo dedicaremos a solo tres géneros o corrientes o ritmos de la MPB El Choro, el Sertanejo y la Brega.

Pero a manera de introducción, quisiera precisar algo que para muchos se encuentra en la más profunda oscuridad, que es el origen del nombre de ese hermoso país hermano, que es Brasil:

Origen de la palabra “Brasil” y “Brasileiro”.

Existen al menos 11 hipótesis que tratan de explicar el nombre escogido por ese país, que fueron sintetizadas de manera integral por el filólogo brasileño José da Silva Azevedo en 1967. Resulta que aunque sus raíces remotas se encuentran en la civilización fenicia, proviene de una voz de origen celta. Los fenicios comerciaban con los celtas un colorante rojo –muy apreciado desde siempre por la industria textil europea-, extraído de un mineral que era explotado principalmente por los celtas desde Iberia hasta Irlanda.

Luego los griegos sobresalieron en la explotación de este producto al que llamaban Kinabar y que pasó al latín como Cinnabar y de ahí al portugués y al español como Cinabrio. Los celtas invirtieron las sílabas, llamándole barkino, que daría lugar al español Barcino, que aún se aplica para cuertos animales de pelaje rojizo y que se usa en general para designar el rojo en varias lenguas de origen celta.

En la Edad media los artesanos empezaron a a sustituir ese colorante rojo mineral, por otro extraído de la madera que en la toscana se llamó verzino (variante del “Barkino” celta), en Venecia Berzi y en Génova Brazi, nombre que muy pronto designó a la madera de donde se sacaba y que en España se conoció como Palo Brasil o Palo de Fernambuco y en Portugal como Pao Brasil.

Cuando los portugueses, a partir de la firma del Tratado de Tordecillas (1494), y las expediciones de Vasco de Gama y Pedro Alvarez de Cabral, ocuparon el territorio americano que primero se denominó Tierra de la Santa Cruz, comenzaron a explotar el Pao Brasil que crecía de manera natural y abundante a lo largo de las costas (Mata Atlántica) y que Los autóctonos de la región llamaban ibira pitinga, que significa “palo rojo”.

De hecho el gentilicio Brasileiro, o Brasileño, se refería inicialmente a quienes trabajaban en la comercialización de esa madera y la producción de ese colorante y luego a los portugueses y europeos que se aventuraban en esas tierras americanas en busca de fortuna.

Durante el siglo XX el Pau Brasil es representativo de corrientes artísticas e intelectuales nacionalistas, como emblema de lo originalmente brasileño (vgr. manifiesto de la Poesía Pau-Brasil publicado por Osvald de Andrade en 1922). Paradójicamente, por la devastación sufrida desde la conquista y hasta hace poco, el Pao Brasil se encuentra en peligro de extinción, por lo que el gobierno lo declaró en 1978 (ley 6607) Árbol Nacional (500 años después de la conquista!!), a fin sobre todo de protegerlo y reproducirlo.

LA MPB

La Música de Brasil, como en muchos países, es un reflejo tangible de su diversidad cultural, producto de influencias indígenas, africanas, europeas y mestizas que se han ido entremezclando desde el mismo descubrimiento de sus territorios por los portugueses, hace más de 500 años, hasta nuestros días. Al conjunto de los ritmos típicos de Brasil se le conoce como MPB (Iniciales de “Música Popular Brasileña”).

Los seres humanos tendemos a estereotipar lo que ignoramos. De ahí que al hablarse de “música brasileña”, la mayor parte de la gente se refiera al samba y la bossa nova, que aunque por sus características sean los que más se han globalizado, al mezclarse –sobre todo la última- con géneros como el jazz, el blues, el funk y el bolero, por mencionar los más notables, no son los únicos géneros sobre los que se ha producido y produce actualmente música en ese país.

En esta ocasión, como mencionamos ya, presentaremos solo tres de los ritmos más populares, que no son samba ni bossa nova:

1. Choro (Chorinho). Género de difícil ejecución, con siglo y medio de existencia documentada, se considera como la primera música popular realmente brasileña. Surge en Rio de Janeiro en 1870. Al principio se le tomó como una manera autóctona de tocar ritmos de danzas extranjeras populares en esa época, como el vals, el chotis y la polca europeos y el lundu africano.

Los conjuntos que lo ejecutan son llamados Regionais y sus compositores, ejecutantes o instrumentistas chorões.

A pesar del nombre, el ritmo es alegre y movido, caracterizado por el virtuosismo, dominio instrumental y capacidad técnica y de improvisación de quienes lo tocan.

En esta corriente se caracteriza por tener al frente uno o varios instrumentos solistas, como la mandolina, la flauta, que ejecutan la melodía, junto al cavaquinho (instrumento típico de la música portuguesa), que lleva el centro rítmico, arropado por una o más guitarras, sobre todo la de 7 cuerdas, además del pandeiro como marcador rítmico.

Flor Amorosahttp://www.youtube.com/watch?v=O1yRUMyFwfg

Joaquim Calado es considerado uno de los creadores del Choro, al incorporar el solo de flauta, dos guitarras y un cavaquinho. Se improvisaba libremente en torno a la melodía, lo que es una característica del choro moderno.

Pixinguinha (Alfredo da Rocha Viana Filho (Río de Janeiro 23abr1897-17feb1973) es otro de los grandes fundadores del Chorinho. Flautista, saxofonista, compositor, cantante, director de orquesta, considerado uno de los mayores compositores de la MPB.

Fundador e integrante del conjunto Os 8 batutas (1919), incorporó a la orquesta instrumentos que hasta entonces solo se usaban en los barrios y favelas, lo que lo volvió inmortal, por ser el signo distintivo de la MPB desde entonces y hasta la actualidad.

Influencia de las grandes bandas de los 40, del bolero cubano.

“Carinhoso” de Pixinguinha (compuesta entre 1917y18, interpretada por el autor)  http://www.youtube.com/watch?v=EGWg4YpS1ls
“Lamentos” de Pixinguinha y VInicius de Moraes  http://www.youtube.com/watch?v=m7jp_h8lGEE

“Tico-Tico no Fubá”, de Zequinha de Abreu  
http://www.youtube.com/watch?v=nizF-qwguhM (Dominguinhos y Yamandu Costa)
Otra versión con la famosa Carmen Miranda:  http://www.youtube.com/watch?v=oFw9HWUdYF4  
Brasileirinho, de Waldir Azevedo (interpretadopor el autor en 1949)  http://www.youtube.com/watch?v=uIccry2wHs8  
Noites Cariocas, de Jacob do Bandolim (interpretada por el autor en 1957)http://www.youtube.com/watch?v=c0TvPO7yrmA
El compositor brasileño de “Música Culta” Hector Villa-Lobos, tiene un famoso ciclo de choros. Aquí el Choro nº1http://www.youtube.com/watch?v=tSomPkfRsFk
Zequinha de Abreu
Dominguinhos e Yamandu Costa
Carmen Miranda
Waldir Azevedo
Jacob do Bandolim

2.- Sertanejo. Letras alegres, ritmos bailables mezclas de distintas corrientes como el country, lambada, ballenato light.

Gino e Geno. Dueto que inicio a principios de los 70. Después de una pausa y casi estar al borde de dejar de tocar, el cantante también Sertanejo del dueto Rick y Renner los impulsó para reunirse de nuevo y ahora han adquirido más fama que antes.

As Águas do São Franciscohttp://www.youtube.com/results?search_query=As+%C3%81guas+do+S%C3%A3o+Francisco+gino+geno
Ela chorou de amorhttp://www.youtube.com/watch?v=C7gXYOMYKoE
Pinga na gargantahttp://www.youtube.com/watch?v=fqGzihqPtag

Tonico e Tinoco. Dueto formado por los hermanos Joao (Tonico, Sao Paulo, 2mzo1917-13ago1994) y Jose (Tinoco, Sao Paulo, 19nov1929-4may2012) Salvador Perez, con 60 años de trayectoria, considerado el mejor grupo de la historia del Sertanejo y  la Caipira Brasileña. Con casi mil grabaciones en 83 discos, han vendido más de 150 millones de copias y realizado más de 40 mil presentaciones a lo largo de su carrera.

Chico Mineiro (1958)http://www.youtube.com/watch?v=95rp7JlvRdM  
Tristeza do Jeca (1958)http://www.youtube.com/watch?v=Yg-GD6iSLCc
Moreninha lindahttp://www.youtube.com/watch?v=4ms8L2AjtcY  

3.- Brega. Música muy popular en el noreste brasileño. Inicialmente se nombró así con un carácter despectivo, que se fue desvaneciendo al paso del tiempo. En esta corriente, de temas por lo general románticos,  pone en evidencia una mezcla de ritmos colombianos, caribeños, rock and roll, rythm and blues. Entre sus exponentes más destacados están:

Reginaldo Rossi.- Compositor y Cantante, nacido en Recife el 14 de febrero de 1944, activo en el medio musical desde 1964, fallecido el 20 de octubre de 2013.

No claro, No oscurohttp://www.youtube.com/watch?v=UuDDysR4UYE
Garçomhttp://www.youtube.com/watch?v=HlRAVkJOnIQ
A Dama de Vermelhohttp://www.youtube.com/watch?v=bYRgR1FiseI

Falcão. Compositor e intérprete de Brega con tintes humorísticos y picantes

Cunhado na familiahttp://www.youtube.com/watch?v=I2kBBvlISTc
I love you tonighthttp://www.youtube.com/watch?v=QPQLmDU6dGQ
Um Passo da MPBhttp://www.youtube.com/watch?v=eRyGHEaqd4g

Roberto Carlos. En sus inicios, inclinado hacia el género de la Brega, aunque después su éxito lo llevó hacia la balada romántica.

Namoradinha de um amigo meuhttp://www.youtube.com/watch?v=ggysNVkNxMw
Baby meu bemhttp://www.youtube.com/watch?v=nieepjlgJ3A
Quero me casar contigohttp://www.youtube.com/watch?v=I9mzeKMlSgs

Tecnobrega. Estilo contemporáneo, donde –como su nombre lo indica- se mezcla el tecno con la rítmica básica del género.

Rihana
Rihanna Man down (Remix)http://www.youtube.com/watch?v=bkWJL-LHVNw
Gaby Amarantos – Todo Mundo (Canción Oficial del Mundial Brasil 2014)  http://www.youtube.com/watch?v=927YwFiR9nQ  
Gaby Amarantos

Rock y Música Clásica

Por José Ramón González Chávez

Para el Programa de Radio Ecos del Tiempo.

29 de abril de 2014

Poca gente repara en la existencia de puntos de contacto entre el Rock y la Música Clásica. En su ignorancia, algunos llegan hasta a negarla o desconocerla. Sin embargo, el vínculo se ha dado desde los mismos inicios del Rock a mediados de los años 50 del siglo pasado y ha permanecido a lo largo del tiempo, encontrándose vigente de manera fuerte y vigorosa en la actualidad.

Para explorar el tema de estas fusiones y transfusiones entre la música clásica y el Rock, me parece que hay que distinguir al menos entre 4 vertientes:

  1. Grupos de Rock influenciados por la música clásica
  2. Música clásica tocada por grupos de Rock
  3. Música de Rock tocada por orquestas de música clásica
  4. Autores de música clásica influenciados o inspirados por el Rock

Daremos a lo largo de la presente entrega, algunos pocos ejemplos de estas perspectivas:

1.- Grupos de Rock influenciados por la música clásica

No hay nada nuevo bajo el sol:

Los elementos de la música clásica han sido usados en las estructuras musicales de piezas de Rock y Pop, desde prácticamente sus orígenes, por ejemplo:

1.1.- La irreverencia:

  • Chuck Berry,

Chuck Berry comentó que la 5ª sinfonía de Beethoven le inspiró no solo en la rítmica que se encuentra en la base (primer movimiento), sino también en los tonos menores en los que está hecha (la sinfonía está escrita en do menor), así que hizo, al contrario, una canción totalmente irreverente, con la música en tonos mayores y en 4/4 y con una letra que llega a sonar a mofa cuando se refiere a Beethoven (y por ahí le toca hasta a Tchailowsky):

Roll over Beethoven

(Chuck Berry)

Voy a escribir una cartita,

La enviaré por correo a mi DJ local.

Es un una pequeña grabación que hace brincar

Quiero a mi DJ para que la toque.

Dale vuelta Beethoven, hoy tengo que escucharla de nuevo.

Sabes? mi temperatura está subiendo

A la rockola le voló un bulbo

Mi corazón está latiendo al ritmo

Y mi alma sigue cantando el blues

Dale vuelta Beethoven y cuéntale a Tchaikowsky la noticia.

Tengo la neumonía del Rockin’

Necesito una inyección de rhythm and blues

Cogí la artritis del Rollin’

Sentado en una revista de ritmo

Dale vuelta Beethoven rockeando de dos en dos

Bueno, si tú te sientes así

Ve a buscar a quien amas, y luego enróllalo y arrúllalo

Dale vuelta y solo levántate

Solo un poquito más y rockanrrolea con el

Dale vuelta

Dale vuelta Beethoven y échate este Rythm & Blues.

Bueno, temprano en la mañana te doy esta advertencia

No vayas a pisar mis zapatos de ante azul

Hey, Diddle, Diddle, estoy tocando mi violín

No tengo nada que perder

Dale vuelta Beethoven y cuéntale a Tchaikowsky la noticia.

Sabes? Ella se menea como una luciérnaga

Baila como un trompo chillador

Consiguió un amigo loco

Deberías de verlos rockanrrolear

Mientras le pongas monedas, (la rockola) nunca se  detendrá.

Por ello, esta canción se convirtió en un parteaguas en la historia de la música y del rock en especial. Fue tocada y reinterpretada por los Beatles desde el inicio de su carrera y grabada oficialmente en 1963 (álbum “With the Beatles” canta George Harrison con doble voz).

  • The Peels

Continuando con la irreverencia, este grupo lanza Juanita Banana (1966) cuyo coro está basado en el Aria Caro Nome de la Opera Rigoletto de Verdi y que en su momento fue un fenómeno. (cover en México de los Hoolligans y Manolo Muñoz)

Caro Nome – Rigoletto (Guiseppe Verdi):

Juanita Banana, The Peels: http://www.youtube.com/watch?v=2WgXcEK_3pI

Juanita Banana, Manolo Muñoz: http://www.youtube.com/watch?v=fj1pac4ow1g

1.2.- La Fusión

  • Los Beatles

A partir de su álbum Rubber Soul, The Beatles inauguran oficialmente para la historia de la música la fusión del Rock Pop con la música clásica. En su discografía existen muchas piezas soportadas en elementos clásicos (su productor George Martin era productor de música Clásica); (Mc Cartney cuenta de la influencia del Bourée en mi menor de Bach en la creación de Blackbird, que McCartney escribió en escocia en 1968 inspirado en las reacciones racistas del gobierno y la sociedad en Estados Unidos, y particularmente en Angela Davies, activista negra norteamericana, famosa en la época).

Bourée – Johann Sebastian Bach: (arreglo para guitarra de Andres Segovia) http://www.youtube.com/watch?v=APNI2CC0k6A

Blackbyrd – The Bealtes http://www.youtube.com/watch?v=BrxZhWCAuQw

  • Yes

Grupo de rock progresivo británica, formado en 1968 en Londres. Desde inicios de los 70 se convirtió en uno de los pilares del género, junto a grupos como Pink Floyd, Camel, Genesis, King Krimson, EL&P.

Influidos por los Beatles, Moody Blues, Crosby, Stills & Nash, rápidamente evolucionarían hacia un estilo propio, caracterizado por armonías complejas, basadas en el Jazz y la música clásica, aunadas sus melódicas canciones y un enigmático contenido esotérico, onírico y poético, presente en sus letras, la mayor parte de ellas escritas por Jon Anderson.

Más duros y menos teatrales que Génesis, aunque más progresivos que Rush o Jethro Tull, el rock de Yes marcaría la historia del rock sinfónico inglés con albums clásicos como The Yes Album, Fragile (1971), Closet o the Edge, Tales From Topographic Oceans.

Rundabout – Yes http://www.youtube.com/watch?v=-Tdu4uKSZ3M&feature=kp

And You and I – Yes http://www.youtube.com/watch?v=3eaVTnhtUfw

  • Alan Parson’s Project

Ingeniero de sonido de The Beatles (Abbey Road) y Pink Floyd (El Lado Oscuro de la Luna). En su primer álbum como compositor y ejecutante, Tales of Mistery and Imagination, grabado en 1976, empleó 200 Músicos en la producción de la obra.

The Tell – Tale Heart, Alan Parson’s Project – canta Arthur Brown). http://www.youtube.com/watch?v=O5NN8fK1tXo

Metal Sinfónico.

  • Black Sabbath, para muchos el grupo papá del heavy metal, en varias de sus composiciones utilizó escalas de música clásica, tomando de base también lo que otros grupos ya habían hecho al respecto (Moody Blues, Yes, Beatles, Rolling Stones).

Changes – Black Sabath http://www.youtube.com/watch?v=ueJisPpkzpY

  • Queen.

Banda formada en Londres en 1970 por Freddy Mercury Vocalista, piano y Guitarra, Brian May Guitarrista, Roger Taylor Baterista, John Deacon Bajista. Su obra no puede ser encajonada en un solo estilo pues tiene piezas de Metal, de hard rock, de glamm rock, de fusión con blues, con música sinfónica, pop y hasta disco. En sus conciertos introdujo coreografías vistosas, ya usadas por otros como David Bowie, Genesis, solo por mencionar algunos.

Su auge llegó a mediados de los 70, con álbumes como Sheer Heart Attack (1974) a night at the Opera (1975). En EU su fama tuvo que esperar a principios de los 80. Su participación en el concierto Live Aid de 1985 ya estando separado Mercury del grupo, y su presentación en el estadio de Wembley de 1986 son considerados como de los mejores recitales de rock de la historia.

En su momento, la crítica no tomó en serio al grupo, por ejemplo, la revista Rolling Stone lo clasificó de “Grupo Fascista”. El álbum “A night in the Opera (1975) llegó al nº1 solo en Reino Unido, Holanda y Austria, en EU alcanzó solo el nº 4 (ningún disco llego al nº1 en EUA antes de la muerte de Mercury http://en.wikipedia.org/wiki/Queen_discography ). Fue hasta la muerte de Mercury por el SIDA en la pascua de 1987, que su figura y la del grupo comenzó a ser explotada por la industria disquera y mediática, hasta volverla mítica.

Grabaron 15 álbumes de estudio, 5 en vivo y numerosas recopilaciones, entre las que destaca su Greatest Hits (1981) que ha llegado a ser el álbum más vendido en la historia del reino unido (Sgt. Pepper’s de los Beatles quedó en 2º lugar) quedando 450 semanas a la venta y obteniendo 11 discos de platino. Han vendido más de 300 millones de discos.

Es considerado por VH1 en su encuesta Greatest Artists of Hard Rock List, el 13º -en una apreciación a nuestro gusto sobredimensionada- mejor artista de hard rock de todos los tiempos.

Rapsodia Bohemia – Queen http://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ

Rapsodia:

Es un género muy antiguo en la literatura, aunque en la música data de mediados del Siglo XIX. Se trata de un género musical muy libre y además, una de las estructuras musicales más lógicas, consistente en la simple y llana yuxtaposición de ideas o episodios musicales cortos y contrastantes entre sí, que se suceden con un acento improvisatorio en busca de brillantez o un clímax y que toma como inspiración, en muchos de los casos, temas o melodías de carácter folclórico o popular.

Esto justamente eran lo que hacían los “rapsodas” (etimológicamente “cosedor de cantos”) pregoneros que recitaban, de memoria, distintos fragmentos de poemas en la Antigua Grecia.

Ya en el siglo XVI, se terminó por adoptar la palabra rapsodia para designar a cada uno de los fragmentos en los que podía dividirse un poema o canto, o a un conjunto heterogéneo de éstos.

Su forma musical tal como se conoce ahora comenzó con Lizst a mediados del siglo XIX. El estilo sería adoptado por muchos compositores de la época, quienes, al nombre de la rapsodia, añadían la procedencia de la fuente inspirativa, generalmente, la propia nacionalidad del compositor (nacionalismo). Así, surgieron las 19 Rapsodias Húngaras de Liszt, la Rapsodia Noruega de Lalo o la Rapsodia Española de Ravel.

  • Metallica (S&M 1999)

Disco Doble concierto del famoso grupo de trash metal, realizado el 21 y 22 de abril e3 1999 con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, considerada una de las mejores de EUA dirigida por Michael Kamen, quien también hizo los arreglos. Es una especie de Greatest Hist Sinfónico.

S&M – Metallica: http://www.youtube.com/watch?v=BJt1rdFZXlY

El título de este concierto es un juego de palabras. La “S” de Symphony (Sinfonía o Sinfónica) es una clave de sol invertida, y la “M” de Metallica fue tomada del logotipo de la banda. (Pieza 6 del Disco 1 “Fuel)

S&M es también una abreviatura muy conocida de “sadismo y masoquismo” en el idioma inglés. Algunos fans piensan que el título del álbum puede ser un homenaje a la canción con el mismo título de la banda Thin Lizzy, que es una de las influencias de Metallica.

S&M también es utilizado como una abreviatura para Sales and Marketing en los estados financieros.

(Ver Fuel)

  • Rammstein

En 2004 cambió radicalmente su estilo al pasar de sintetizadores y sonidos industriales por la orquesta sinfónica, en su álbum Reise Reise, grabado en gran parte con la ayuda de la Imperial Orchestra.

Reise, Reise – Ramstein http://www.youtube.com/watch?v=P7nzm2OceFg

Las progresiones de los acordes, los arpegios, los acordes partidos y las veloces escalas características de este subgénero toman su origen, principalmente, de compositores de música clásica como Bach Vivaldi, Mozart, Beethoven o Paganini.

No pocos guitarristas de Rock que tocan en lo que algunos ahora denominan estilo neoclásico son músicos con gran formación clásica, de conservatorio.

En este bloque encontramos por ejemplo, Ulrich Roth, guitarrista de Scorpions, grabó dos discos con su banda, Electric Sun, profundamente inspirados en la música clásica que influyeron notablemente en Yngwie Malmsteen. Fue pionero en practicar un estilo de fusión de música clásica con música barroca y heavy metal en el que primará la parte clásica http://www.youtube.com/watch?v=llJKwvcP5qQ. También, el guitarrista de la banda Accept, Wolf Hoffmann, introduce tonadas de la música clásica en canciones como «Metal Heart» http://www.youtube.com/watch?v=6BCkP1JpzV8 o «Sodom & Gomorra» http://www.youtube.com/watch?v=aCL9ry7VvP4 .

Guitarrista sueco, uno de los más claros ejemplos, adaptó las técnicas de ejecución del violín de Paganini a la guitarra eléctrica con efectos de distorsión. Su clásico álbum Rising Force, quien dio nacimiento a un nuevo estilo de tocar la guitarra (shred metal) netamente orientado a lo clásico, pero aderezado con altas dosis de velocidad y virtuosismo, al que pronto se sumaron muchos otros guitarristas (Tony MacAlpine, Vinnie Moore, Greg Howe, Jason Becker, Marty Friedman, Paul Gilbert, etc.)

Yngwie Malmsteen Caprici di Diabolo

Otros guitarristas destacados del estilo: Luca Turilli, Walter Giardino, Syu, Dave Murray, John Norum, Marty Friedman, Timo Tolkki, Michael Romeo, Vinnie Moore, Tony MacAlpine, Jason Becker, Enrik García, Randy Rhoads, Axel Rudi Pell, Joe Stump, Chris Impellitteri, Pier Gonella, David Valdes.

También hay  tecladistas con una sólida formación clásica, como Jon Lord, Keith Emerson, Rick Wakeman, y nuevos como Alex Staropoli, Vitalij Kuprij, Michael Pinella, Richard Andersson, Yuhki, Jens Johansson.

Bandas recientes con esta tendencia que sobresalen:

Destacado:

  • 1. Whitin temptation, grupo holandés que nace en 1996; ellos mismos se asumen como un grupo de rock sinfónico. Su estilo ha evolucionado en un amplia gama de subgéneros como el doom metal, el metal celta, el metal gótico, incluso hay quien los ha clasificado como “góticos”; sin embargo, la vocalista Sharon den Adel declaró en una entrevista que se consideran un grupo de metal rock sinfónico.

Con el lanzamiento de su primer álbum “Enter” (1997), la banda adquirió un lugar prominente en la escena undeground holandesa.

Hasta 2001, con el lanzamiento de su album Mother Earth y el single “Ice Queen” entraron al gran público, y alcanzaron el nº2 en las listas holandesas.

Sus producciones siguientes “The Silent Force” y “The Heart of Everything” llegaron al nº1 en las listas holandesas.

En 2008, lanzaron el DVD “Black Symphony”, grabado con la orquesta Metropole y luego en 2009 otró DVD más: “An Acoustic Night at the Theatre”, en el que tocaron con la misma orquesta Metropole y el coro Pa’Dam. Es considerado como uno de los mejores álbumes de toda su carrera, además de que el diseño y la organización escénica del show causaron una muy buena impresión.

Ice Queen – Within Temptation http://www.youtube.com/watch?v=qmLIE6ULtyU

En ocasiones la influencia de la música clásica se aleja de las partes puramente estéticas de la música y se centran en la estructura musical como tal. Las bandas de black metal y death metal, emplean estructuras musicales ajenas a las típicas utilizadas en el hard rock, centrándose más en los riffs y la progresión lógica de las piezas, apoyándose en elementos característicos de la sonata o la fuga  para lograr diferentes atmósferas, que envuelven o sostienen al Riff, que ayudan a narrar el desarrollo de la pieza, desarrollándose en secciones diferentes, en ocasiones, a partir de un tema principal, tal como ocurre en la música clásica con los “movimientos. Hay muchos grupos emblemáticos en el uso de estos recursos (deep purple, Emerson lake and palmer, metallica).

2.- Música clásica tocada por grupos de Rock

  • Jethro Tull

Otro grupo de los pilares del Rock de fusión, formado en Lutton, Beldfordshire Inglaterra, en 1967. La banda ha vendido más de 60 millones de discos.

Bourée – Johann Sebastian Bach: (arreglo para guitarra de Andres Segovia) http://www.youtube.com/watch?v=APNI2CC0k6A

Bourée – Jethro Tull (Disco Stand Up 1969)

  • Deep Purple

Banda formada en Hertford Reino Unido 1968, y ha permanecido activa, con un lapso de separación de 1976 a 1984, que más bien fue de exploración individual de sus integrantes.

Su Album Made in Japan (1972) es considerado uno de los 10 mejores discos de rock en vivo de la historia.

En 2013 una encuesta realizada por la estación de radio británica Planet Rock clasificó a Deep Purple en el quinto lugar lugar entre las “bandas más influyentes de la historia”.

Un concierto en el Rainbow Theatre, de Londres, en julio de 1972 (de ahí el nombre de la Banda Rainbow que fundara en 1975 Ritchie Blackmore), hizo que fueran registrados en el libro Guiness como “la banda más ruidosa del planeta”.

La banda ha sufrido múltiples cambios en su integración. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como “Mark I”, “II”, “III” y “IV”. La “Mark II”, formada por Ian Gillan Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice y Roger es considerada la alineación más exitosa, se mantuvo activa desde 1969 a 1973, de 1984 a 1989, y nuevamente de 1992 a 1993. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore, y Dan Airey en lugar del fallecido Jon Lord (2012).

Scherezada – Rimsky Korzakov http://www.youtube.com/watch?v=SQNymNaTr-Y

Prelude/Happines/I’m so glad, de su primer disco Shades of Deep Purple, 1968:

I’m So Glad – Skip James http://www.youtube.com/watch?v=byZXD-AHg3g

I’m So Glad – Cream (Good Bye Cream 1969)

  • Miguel Ríos

Activo desde mediados de los 60, se dio a conocer como Mike Rios, el Rey del Twist. Alcanzó su mayor éxito con el “Himno a la alegría” (1969), ha vendido millones de discos en todo el mundo. Su álbum más vendido ha sido el doble Rock and Ríos, de 1982. Ha colaborado con infinidad de artistas de España y Latinoamérica y ha participado en diversas giras con algunos de ellos, como Serrat, Sabina, Víctor Manuel, Ana Belén. A lo largo de estos años su estilo ha variado desde el rock and rollo primigenio hasta el rock sinfónico y recientemente ha incursionado en el Jazz y el Blues.

Ode an die freude, última parte del 4º movimiento de la 9ª Sinfonía en Re bemol Opus 125 de Ludwig Van Beethoven

Oda a la Alegría – Miguel Rios (1969)

  • Emerson Lake and Palmer

Banda formada en Bournemouth Inglaterra en 1970, alcanzó su mayor popularidad en la década de los 70, vendiendo más de 35 millones de discos y realizando conciertos verdaderamente significativos para la historia del Rock.

La espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones los colocó rápidamente a la altura de las grandes bandas de su época. Al mismo tiempo, ELP preparó el camino a otras bandas progresivas para la difusión del género, pasando del underground a la trascendencia musical.

ELP es caracterizado por una amalgama entre rock jazz y música clásica, que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El trío se compuso por tres conocidos músicos conocidos en la escena británica:

El tecladista Keith Emerson (proveniente de The Nice); el bajista, guitarrista y cantante Greg Lake (proveniente de King Krimson); y el baterista Carl Palmer (proveniente de Amico Rooster). Al momento de su unión, inmediatamente llamaron la atención tanto de la prensa como del público.

Grabaron para Island Records , Atlantic, Polydor, London. Geffen, Victory, Sanctuary, entre otros y Fundaron la disquera Manticore.

En 1971 sacaron un álbum en vivo donde interpretan Pictures at an exhibition de Modesto Mussorgsky y el Primero movimiento de la Suite “El Cascanueces” de Tchaykowski.

Tocata – Alberto Ginastera http://www.youtube.com/watch?v=z7ND_6_cnRA

Tocatta – Emerson Lake & Palmer (Brain Salad Surgery, 1973)

  • Eric Carmen

Pianista, compositor y cantante norteamericano (Cleveland, 1949). La formación de piano clásico que recibió de sus padres le hizo alcanzar un lugar privilegiado en el mundo del Rock Pop. Fue co fundador del grupo The Raspberries (influenciado por The Beatles, The Beach Boys, The Who) que en su momento vendió millones de discos (su canción más famosa: Go all the way 1972), el cual refundó y le estuvo abriendo los conciertos a Bruce Springsteen por un buen tiempo.

Tiene una extensa obra, pero la pieza que lo hizo famoso mundialmente fue l “All by myself”, adaptación de una parte del segundo movimiento del Concierto para piano nº2 en Do menor Opus 18 de Sergei Vasilievich Rachmaninoff obra realizada en 1900. Eric Carmen grabó All by myself en 1975, llegando a vender más de un millón de copias; desde entonces se convirtió en uno de los grandes clásicos de la década de los setenta. Ha sido interpretada por infinidad de músicos y cantantes, desde Sinatra, Celine Dion, Cherryl Crow, hasta Il Divo y Luis Miguel (Perdóname).

All by myself hace referencia al arrepentimiento y la soledad provocados por la soberbia por considerar que nunca precisaremos ayuda. Cuando agotamos nuestra juventud nos damos cuenta de nuestro error. Sólo el amor verdadero puede rescatarnos de la soledad.

Concierto para piano nº2 en Do menor Opus 18 de Rachmaninoff

All By Myself de Eric Carmen http://www.youtube.com/watch?v=-o9gf_soFBM

Banda británica de hard rock y heavy metal, liderada por el guitarrista Ritchie Blackmore (Deep Purple), que tuvo actividad de 1975 a 1984 y de 1994 a 1997. Aunque originalmente se creó por por Blackmore y los componentes del grupo ELF, Rainbow tuvo varios cambios en su formación y ninguna de ellas grabó más de un disco.

Originalmente su música mezclaba letras épicas con el sonido del metal neoclásico, pero en su segunda época se orientó más hacia lo comercial. Ocupa el puesto noventa de la lista de los 100 mejores grupos de hard rock según VH1.

  • Sting

Canciones del Laberinto (2006). Piezas de John Dowland, Grabado por Deutsche Grammofon. El Lautista Bosnio Edin Karamazov (Come Heavy Sleep).

Symphonicities (2010)

Come Heavy Sleep de John Dowland

Come Heavy Sleep – Sting http://www.youtube.com/watch?v=55jnH3rqcoU

Album Symphonicities – Sting http://www.youtube.com/watch?v=LN9Llwk58EA

  • Dark Moor:

Banda formada originalmente en 1993 por el guitarrista y compositor Enrik García. Produjo 3 discos completos antes de cambiar de miembros (Shadowland (1999), The Hall Of The Olden Dreams (2000), y The Gates Of Oblivion (2002).

Renace en 2003. Y en 2005, con nuevos integrantes lanzan Beyond The Sea, uno de los más exitosos que han realizado.

En 2007 sacan a la luz su álbum “Tarot”, inspirado en las cartas de este juego, producido por la disquera Scarlet Records, muy bien recibido en varios países de Europa y Japón.

En enero de 2007 sale su séptimo álbum, Autumnal (co producido por Scarlet Records y Avalon Marquee), donde se puede apreciar claramente la evolución del grupo y su estilo “Neo-clásico”. Incluye una versión del Lago de los Cisnes de Tchaikovsky y una versión de un extracto de la opera “Fausto” de Christopher Marlowe. Destaca la colaboración de la soprano Itea Benedicto, vocalista del grupo también neoclásico Níobeth (Albacete). Para mi gusto, su mejor disco.

Swan Lake – Dark Moor http://www.youtube.com/watch?v=-P4iizHDlRg

3.- Música de Rock tocada por orquesta sinfónica.

La Orquesta sinfónica de Londres tiene una verdadera colección de volúmenes en los que interpreta a famosas bandas de Rock como Jetrho Tull, Deep Purple, Queen, entre muchos otros.

The Royal Symphony Orchestra plays Jethro Tull’s Aqualung

The Royal Symphony Orchestra Plays Queen

Pero también hay grupos de Rock que han creado obras sinfónicas para rock y orquesta. El gran fundador de esta tendencia fue

  • Deep Purple

con su histórico Concierto para grupo de Rock y Orquesta (1969) en el Royal Albert Hall con la Orquesta Filarmónica de Londres. Más tarde, Ritchie Blackmore, guitarrista de Deep Purple, continuó ampliando las influencias con Rainbow.

Concerto for rock group and Orchestra – Deep Purple London Symphony Orchestra (Royal Albert Hall, 1971) http://www.youtube.com/watch?v=bcOdz9sn_uQ

  • Rick Wakeman

Enobras como Journey to the center of the earth, concierto llevado a cabo el viernes 18 de enero de 1974 en el London Royal Festival Hall, con la Orq. Sinfónica de Londres y el English Chamber Chorus, dirigidos por David Mcasham textos narrados por David Hemmings;) con fuerte influencia y algunas evocaciones de Brahms, por ejemplo, entre muchas otras obras y piezas.

Viaje al Centro de la Tierra – Rick Wakeman (1974)

Sobre el disco Las 6 esposas de Enrique Octavo, Rick Wakeman comenta que en un concierto que dio en 2011 en Buenos Aires, un niño se le acercó para que le autografiara un cd de su Álbum “Las 6 esposas de enrique octavo (1972). Wakeman le preguntó al niño por qué le gustaba un disco tan viejo y el niño le contesto que para él era totalmente nuevo, pues lo acababa de oír y le había encantado.

Las 6 esposas de Enrique VIII – Rick Wakeman

Los Mitos y Leyendas del Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda – Rick Wakeman (Track 1 Arthur) http://www.youtube.com/watch?v=JHnystTCvHs

4.- Músicos Clásicos inspirados por el Rock

  • Vale la pena señalar en este bloque al compositor Wladimir Rosinskij, con su Sinfonía para dos violas grupo de rock y orquesta Op 10
  • Grupo 2Cellos, fueron descubiertos tras subir en internet una versión en violonchelo de la canción ‘Smooth Criminal‘ en el año 2011. Su composición tuvo tres millones de reproducciones en las dos primeras semanas tras colgarse en la red. El dúo lo componen dos jóvenes violoncelistas, Súlic, nacido en Eslovenia y Hauser, de Croacia. Ambos han estudiado música en prestigiosas escuelas como la Royal Academy of Music de Londres y la Royal Northen College of Music de Mánchester. Este ejemplo da cuenta de cómo es posible adaptar melodías rock en instrumentos clásicos y además con un resultado de gran calidad.

Lo Sagrado y lo Profano en el Mundo Hipermoderno

LO SAGRADO Y LO PROFANO EN EL MUNDO HIPERMODERNO

Por José Ramón González Chávez 

Conocer las situaciones asumidas por el ser humano “religioso” (es decir, el iniciado, antígona del “profano”), penetrar en su universo espiritual es a fin de cuentas, contribuir al progreso del conocimiento general de la humanidad. Es cierto que muchas de las situaciones asumidas por el “homo religiosus” de las sociedades primitivas y de las civilizaciones arcaicas han sido superadas desde hace mucho, aunque no lo han hecho sin dejar huellas; han contribuido a hacer de nosotros lo que somos hoy y por ello forman parte de nuestra propia historia.

El “homo religiosus” asume un modo de existencia específico en el mundo, cognoscible y reconocible independientemente de las culturas, de las formas histórico religiosas. Está convencido de la existencia de una realidad absoluta, de “lo sagrado”, que trasciende el mundo objetivo pero que se manifiesta en él y por eso mismo lo santifica, y lo vuelve “real”. Cree que la vida tiene un origen sacro y que la existencia humana convierte en realidad todas sus potencialidades en la medida en que es “religiosa”, es decir, en la medida en que al participar de la realidad busca ligarse de nueva cuenta con el origen.

Los dioses han creado al mundo y al ser humano; los héroes civilizadores han concluido la creación y la historia de todas estas obras divinas y semidivinas se conserva gracias a los mitos. Al reactualizar mediante la práctica ritual la historia sagrada, al imitar el comportamiento divino, el ser humano religioso se instala y se liga a los dioses, es decir, se ubica en lo sustancial y realmente significativo.

No obstante, las grandes culturas del pasado también han conocido hombres “arreligiosos”, incluso no es imposible que los haya habido desde las civilizaciones arcaicas. Pero no es sino en las sociedades modernas occidentales donde ha encontrado terreno fértil para su pleno desarrollo. El ser humano “arreligioso” (el profano) rechaza su vinculación a la trascendencia. Acepta lo relativo de la realidad e incluso llega a dudar del sentido de la existencia. Asume una nueva situación existencial: se reconoce como único sujeto y agente de la historia, no acepta ningún modelo de humanidad fuera de la condición “natural” humana, tal como la presenta la historia.

El “homo arreligiosus” se ha formado de manera antagónica a su contraparte, el “homo religiosus”, y se esfuerza constantemente por “vaciarse” de toda religiosidad y de toda significación transhumana o metafísica. Se reconoce a sí mismo en la medida en que se “libera” y se “purifica” de las “supersticiones” de sus antepasados.

Así como “la naturaleza” racionalista es resultado de una secularización progresiva del cosmos –obra de Dios-, el ser humano profano es resultado de una creciente desacralización de la existencia humana. Para él el ser humano se hace a sí mismo y a su mundo y no llega a hacerse totalmente más que en la medida en que se desacraliza y desacraliza al mundo. Lo sagrado es siempre un obstáculo por excelencia que se opone a su libertad. No llegará a ser en realidad él mismo sino hasta el momento en que se desmitifique radicalmente. No será verdaderamente libre hasta no haber dado muerte al último dios.

Pero el “homo arreligiosus” desciende del “homo religiosus” y por tanto, lo quiera o no, es también obra suya, producto de las situaciones asumidas por sus antepasados, un producto cultural. Conserva las huellas del comportamiento de su contraparte, con una tendencia uniformemente acelerada a la desacralización, al expurgar sus significados trascendentes.

El hombre moderno (hablamos de hombre y mujer, los dos elementos que componen el género humano) no puede abolir definitivamente su pasado por ser precisamente su producto. Está constituido por una serie de negaciones y de repulsas, pero continúa obsesionado por las realidades de las que ha abjurado.

Para disponer de un mundo para sí, ha desacralizado el mundo en el que vivieron sus antepasados, pero para llegar a esto, se ha visto obligado a adoptar un comportamiento totalmente contrario a aquel de los que le han precedido, aunque lo siente todavía dispuesto a reactualizarse de una forma u otra, en lo más profundo de su ser.

El hombre arreligioso en estado “puro” es un fenómeno más bien raro, incluso en la más desacralizada de las sociedades modernas. La mayoría de los hombres “sin religión”, sin saberlo o reconocerlo, se sigue comportando religiosamente. No solamente se trata del fardo de “supersticiones” o de “tabúes” que el hombre moderno trae consigo y que en su totalidad tienen una estructura o un origen mágico religioso; hay más: el hombre moderno que siente y pretende ser arreligioso dispone aún de toda una mitología camuflada y de numerosos ritualismos degradados.

En efecto, la mayoría de los “sin religión”, de los profanos, no se han liberado propiamente hablando, de los comportamientos religiosos, de las teologías y de las mitologías. A veces los aturde una verdadera algarabía mágico religiosa, pero degradada hasta la caricatura (véase la “fiesta del milenio”, las olimpiadas, el mundial de fútbol), y por esta razón, difícilmente reconocible.

Los regocijos que acompañan al año nuevo (o década, siglo o milenio), las vacaciones de semana santa, la instalación o inauguración de una casa, de un comercio, industria u oficina, las fiestas que acompañan el matrimonio, el nacimiento de un niño, los “quinceaños” de la hija, la obtención de un nuevo empleo, de una promoción social, etc. constituyen ejemplos claros de esta presentación en forma “laica” o postmoderna de la estructura de los rituales milenarios de renovación.

Más de una vez, el proceso de desacralización de la existencia humana ha desembocado en formas híbridas de magia ínfima y de religiosidad simiesca, presente no solo en las “pequeñas religiones”, las iglesias, las sectas y las escuelas pseudoocultistas, neoespiritualistas y sedicentes herméticas del estilo “Heavens Gate” o “Waco”, o en las místicas políticas de izquierda y derecha hacia los medios; también en otros comportamientos religiosos camuflados o  degenerados como los movimientos fanáticos (religiosos, antirreligiosos, políticos o laicos) el nudismo, los movimientos por la libertad sexual absoluta, los matroimonios homsexuales, el punk, el neogótico, los emos, los ninis, el comunalismo ecologista a la “New Age”, etc. En fin, se podría escribir todo un libro sobre los mitos y rituales del hombre moderno, desarrollados sobre la base hipermoderna y las mitologías camufladas en los espectáculos familiares, sociales o masivos, en los libros que éste lee, en lo que escucha y ve.

Es interesante comprobar cuántos escenarios míticos, ritualísticos e iniciáticos persisten en múltiples acciones y gestos del hombre arreligioso de nuestros días: La guerra, las ceremonias de cambio de poderes, las bodas reales, las beatificaciones, las carreras, el box y la lucha, los “deportes extremos”, los viajes espaciales, todos estos, temas  “estrella” de la multimedia.

Sin duda, el cine y la televisión retoman y utilizan innumerables motivos míticos: la lucha entre el héroe y el monstruo; los combates y las pruebas iniciáticas, las figuras e imágenes paradigmáticas (el joven, el héroe, la bella capturada en la torre del castillo, el dragón que lo cuida, el paisaje paradisíaco, el infierno, la trascendencia del status mediante la violencia, etc.). La lectura misma (en especial géneros como la novela, el cuento) comporta igual que otros medios audiovisuales, una función mitológica, no solo porque reemplaza el relato de los mitos de las sociedades arcaicas y la literatura oral, todavía usada en algunas culturas, sino especialmente porque procura al hombre moderno una “salida del tiempo profano” comparable a la efectuada mediante los mitos. Los medios proyectan al hombre moderno fuera de su espacio y tiempo personal y lo insertan en otros tiempos, en otros lugares, en otros ritmos, lo hacen vivir “otra historia”.

Aun técnicas como el psicoanálisis conservan en cierta medida la trama iniciática. Se invita al paciente a ahondar en sí mismo muy profundamente, a hacer revivir su pasado, a afrontar de nuevo sus traumatismos y desde el punto de vista formal, esta peligrosa operación recuerda los descensos iniciáticos a los “Infiernos” y los combates con los monstruos”de los mitos, los ritos y los cuentos de hadas. Igual que el iniciado debía salir victoriosos de sus pruebas, “morir” y “resucitar” para tener acceso a una existencia plenamente responsable y abierta a los valores espirituales, el psicoanalizado de nuestros días debe enfrentarse a su yo, su super yo y su ello albergados en su propio “inconsciente” asediado por larvas y monstruos, para encontrar la salud y la integridad psíquicas y el mundo de los valores culturales. Por ello puede afirmarse que un hombre exclusivamente racional es una mera abstracción; jamás se encuentra en la realidad. Todo ser humano está constituido a la vez por su actividad consciente y sus experiencias “no racionales”. La concepción actual del estado de Derecho particularmente en los Estados Europeos es una muestra clara de esta ambivalencia psico-socio-cultural.

Ahora bien, los contenidos y las estructuras del inconsciente son resultado de situaciones existenciales inmemoriales, y  por lo tanto, presentan similitudes sorprendentes con las imágenes y figuras mitológicas en tanto que reveladoras del mito, proclamadoras de algo que se ha manifestado de manera ejemplar sobre todo en condiciones críticas.

Hay una unión solidaria entre el contenido y las estructuras del inconsciente y los valores de la religión. Toda crisis existencial es “religiosa” en el sentido de que pone de nuevo sobre el tapete a la vez la realidad del mundo y la presencia del ser humano en él, confundiéndose el “ser” con lo “sagrado”, puesto que lo sagrado fundamenta el mundo, es una “ontología”. La religión es la solución ejemplar de toda crisis existencial, no solo porque es capaz de repetirse indefinidamente, sino también porque se la considera de origen trascendente y por consiguiente, se le valora como revelación recibida “de otro mundo”, “transhumana”, a salvo del actuar profano.

La solución religiosa no solo resuelve la crisis, sino que al mismo tiempo deja a la existencia “abierta” a valores que ya no son contingentes y particulares, permitiendo así al ser humano superar las situaciones personales y a fin de cuentas, tener acceso a una dimensión diferente de su espacio-tiempo: el mundo del espíritu.

Sin embargo, los mitos y ritos del hombre moderno, no logran elevarse al nivel ontológico de los mitos, por no ser vividos por el ser humano “total” y por no ser capaces de transformar una situación particular en una situación ejemplar. En otras palabras, las experiencias del hombre moderno, aunque son “religiosas” desde el punto de vista formal, no se integran con en el hombre iniciado en un todo, en una concepción integral “hombre – mundo – cosmos”.

Para el hombre profano moderno, un árbol es sólo un árbol. Para el hombre religioso implica la imagen de la vida cósmica haciendo fructificar la experiencia individual y abriéndola hacia lo universal. En este contexto, -a diferencia del hombre profano donde los símbolos son independientes unos de los otros- el símbolo para el hombre religioso no solo hace “abierto” al mundo, sino que lo ayuda a acceder a lo universal, despertando la experiencia individual y convirtiéndola en acto espiritual, en aprehensión metafísica del mundo.

El hombre arreligioso de las sociedades hipermodernas recibe aliento y ayuda de la actividad de su inconsciente, sin llegar empero a acceder a una experiencia y una visión propiamente religiosas. En cierto sentido, podría decirse que entre quienes se proclaman arreligiosos, la religión y la mitología se han “ocultado” en las tinieblas de su inconsciente y esta “no religión” desde un punto de vista judeocristiano, puede verse como una nueva “caída del hombre”.

En fin, el hombre arreligioso ha perdido la capacidad de vivir conscientemente la religión y por tanto, de comprenderla y asumirla; pero en lo más profundo de su ser conserva aún su recuerdo, al igual que después de la “primera caída” y aunque cegado espiritualmente, su antepasado, el hombre primordial, el “Adán”, habrá conservado la suficiente inteligencia para permitirle reencontrar las huellas del Dios tangible en el mundo…