David Bowie: La Estrella Negra del Rock

DAVID BOWIE: El Visitante Intergaláctico

Por José Ramón González Chávez

David Robert Jones, (Londres, 8 de enero de 1947 – Nueva York 8 de enero de 2016.

Más conocido por su nombre artístico David Bowie, músico, compositor, actor, productor discográfico y arreglista.

Figura icónica del Rock y la música pop y durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de los 70, su peculiar voz y la profundidad intelectual de su obra.

A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos antes, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo “Space Odity” llegó al top 5 del hit parade británico.

Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, siendo una de las primeras figuras de lo que se denominó entonces “Glam Rock”, con su extravagante y andrógino alter ego “Ziggy Stardust” gracias a su exitoso sencillo Starman en el disco The Rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from mars”.

David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que “retó al núcleo del Rock de la época y creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura pop”.8 

La relativamente corta vida de Ziggy probó ser solo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.

En 1975, Bowie consiguió su primer éxito en Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo “Fame”, coescrito con John Lennon y a su disco “Young Americans”, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del Plastic Soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música Soul). El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el Reino Unido.

Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista “Low” (1977), la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la “Trilogía de Berlín”, entraron en el Top 5 británico, además de recibir elogios de la crítica.

Después de disparejos éxitos comerciales a finales de la década de 1970 consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo “Ashes to Ashes” de su álbum “Scary Monsters (and super creeps). Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta “Under Pressure” para, poco después, volver a conseguir en 1983 un éxito comercial con su disco “Let’s Dance” del que se extrajeron los exitosos sencillos “Lest’s Dance”, “China Girl” y “Modern Love”.

A lo largo de las décadas de los 90 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo el Blue Eved Soul, el Industrial, Adult Contemporary y Jungle.

No salió de gira desde A reality Tour en 2003 y 2004 y dejó de presentarse en vivo desde 2006.

Su más reciente disco “Blackstar” salió al mercado el 8 de enero de 2016, apenas tres días antes de su fallecimiento.

Buckley dice de Bowie: “Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública”.8 

En la encuesta de 2002 de la BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29.

Vendió alrededor de 140 millones de discos a lo largo de su carrera. Recibió nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos, aunque nunca un Grammy lo que en sí es un premio como exponente de la contracultura.

En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de Rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.9 10

1947-1962: primeros años

Su madre, Margaret Mary “Peggy” Burns, de ascendencia irlandesa, trabajaba como acomodadora de cine, mientras que su padre, Haywood Stenton «John» Jones, era un dirigente de publicidad de la ONG Barnardo’s. Vivían en el 40 de Stansfield Road, situado cerca de los barrios del sur de Londres de Brixton y Stockwell.

Bowie asistió al Stockwell Infants School hasta los seis años de edad, donde ganó reputación de niño superdotado y decidido, además de rebelde y peleonero.

En 1953, la familia se mudó a otro barrio cercano, Bromley, donde dos años después Bowie inició clases en el Burnt Ash Junior School. Consideraron su voz adecuada para el coro de la escuela y su manera de tocar la flauta se consideró por encima de lo normal en cuanto a habilidades musicales.

A los nueve años de edad, su forma de bailar resultaba increíblemente imaginativa: los profesores dijeron de sus interpretaciones que eran “vistosamente artísticas” y que su porte era “sorprendente” para un niño de su edad. Ese mismo año, su interés en la música se vio reforzado cuando su padre trajo a casa una colección de discos de vinil de 45rpm de artistas como Frankie Lymon and the Teenagers, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley y Little Richard. Sobre el momento en que escuchó la canción “Tutti Frutti”, Bowie comentó en una entrevista que «había escuchado a Dios».16

El impacto que Presley produjo David niño fue grande: «Vi a una de mis primas bailar al ritmo de “Hound Dog” y nunca la había visto levantarse y moverse tanto. Realmente me impresionó el poder de la música. Justo después de eso comencé a adquirir discos».

Para finales del siguiente año había comenzado a tocar el Ukulele y el bajo Teachest (fabricado con una sola cuerda y una de las cajas utilizadas para transportar té) y comenzó a participar en sesiones de Skiffle con algunos amigos, además de que empezó a tocar el piano; mientras tanto, sus actuaciones en su grupo The Boy Scouts imitando a Presley y Chuck Berry fueron descritas como «fascinantes […] como de otro planeta».

Al suspender el examen final de primaria en el colegio Burnt Ash Junior, Bowie se cambió al Ravens Wood School, donde conoció a Peter Frampton, hijo de uno de los directivos de la escuela con quien hizo una amistad duradera.

Bowie estudió arte, música y diseño, como así también trazado y composición tipográfica. Después de que Terry Burns, su hermanastro, le introdujese en el mundo del Jazz Moderno su entusiasmo por artistas como Charles Mingus y John Coltrane llevaron a su madre a regalarle un Saxofon alto de plástico en 1961; poco después comenzó a recibir clases de un músico local.18

En 1962 tuvo un incidente en el colegio cuando su amigo George Underwood, que tenía puesto un anillo en el dedo, le propinó un puñetazo en el ojo izquierdo durante una pelea por una chica. Los médicos temieron que fuese a perder la vista en ese ojo, por lo que tuvo que ausentarse del colegio mientras le hacían una serie de operaciones durante una hospitalización de cuatro meses.

El daño no se pudo enmendar del todo, dejándole con una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente (por lo que parece que tiene ojos de distinto color, aunque los dos iris tienen el mismo tono). A pesar de sus rencillas, Underwood y Bowie siguieron siendo buenos amigos, e incluso Underwood llegó a diseñar las portadas de los primeros discos de Bowie.20

1962-1968: de The Kon-rads a The Riot Squad

Cuando pasó de su saxo de plástico a un instrumento real en 1962, Bowie formó su primera banda a los quince años: Kon-rads, con una formación que variaba desde cuatro hasta ocho miembros, entre ellos Underwood; tocaba Rock and Roll basado en la guitarra, en reuniones de jóvenes y bodas.21

Cuando Bowie abandonó la escuela al año siguiente, le comentó a sus padres su intención de convertirse en una estrella del pop. Sin embargo, su madre le consiguió rápidamente un empleo como ayudante de electricista. Frustrado por la limitada expectativa de sus padres hacia él y las pocas aspiraciones de sus colegas de la banda, Bowie dejó los Kon-rads para formar una nueva banda: King Bees. Escribió una carta al nuevo empresario de éxito John Bloom para pedirle que hiciera con ellos lo mismo que Brian Epstein había hecho con los Beatles y de paso hacer un millón mas

Bloom no respondió a la oferta, pero lo derivó al socio de Dick James, Leslie Conn, quien de esta manera se convirtió en el primer mannager de Bowie.22

Conn comenzó de inmediato a promocionar a Bowie. El sencillo debut del artista, “Liza Jane”, de Davie Jones and the King Bees no tuvo ningún éxito comercial. Insatisfecho con The King Bees y su repertorio de blues tipo Howlin’ Wolf y Willie Dixon, Bowie abandonó la banda menos de un mes después para unirse a The Manish Boys, otro grupo de blues, que incorporaban soul y folk: “Solía soñar con ser Mick Jagger”, recuerda Bowie.22

I pity the fool” no tuvo más éxito que “Liza Jane” y Bowie tardó poco en moverse nuevamente y unirse a Lower Third, un trío de blues altamente infuenciado por The Who.

“You’ve got a habit of leaving” no tuvo mejor recepción y significó el final del contrato con Conn. Declaró que iba a abandonar el mundo del pop «para estudiar rítmica en el teatro Sadler’s Wells, sin embargo, continuó un tiempo con Lower Third.

Su nuevo mánager, Ralph Horton, culpable en parte de su posterior traslado a artista en solitario, vio un nuevo cambio de banda de Bowie, en esta ocasión a The Buzz, con quienes lanzó un nuevo sencillo poco exitoso llamado “Do anything you say”. Mientras tocaba con The Buzz, Bowie también se unió a “The Riot Squad”; sus grabaciones, que incluían una canción de Bowie y diverso material de The Velvet Underground, nunca vieron la luz. Desde aquí, Ken Pitt, que presentó a Bowie por Horton, tomó las riendas de la carrera como mánager.23

Insatisfecho con el nombre artístico de Davy (y Davie) Jones, que a mediados de la década de 1960 invitaba a confusión con David Jones de los Monkees, Bowie decidió cambiar su nombre y escogió Bowie en honor a Jim Bowie y el cuchillo que lo hizo famoso.

Su sencillo en solitario de abril de 1967 “The Laughing Gnome”, en el que utilizó una técnica de acelerar las grabaciones vocales al estilo de The Chipmunks, tampoco entró en las listas de venta. Seis meses después lanzó su álbum debut David Bowie, un amalgama de pop, rock psicodélico y music hall. Tuvo el mismo resultado, por lo que fue su último lanzamiento en dos años.25

La fascinación de Bowie por lo bizarro se acrecentó cuando conoció al bailarín Lindsay Kemp: “Vivía de emociones, fue una maravillosa influencia. Su vida diaria fue lo más teatral que he visto jamás. Era todo lo que yo podía imaginar que significaba ser bohemio. Me uní al circo”.

Kemp, por su parte, recuerda: «No le enseñé realmente a ser un artista del mimo, sino a exteriorizarse más a sí mismo, […] Yo le permití liberar su ángel y demonio interiores».

Estudiando arte dramático con Kemp, desde teatro avant garde  y mímica hasta comedia de arte, Bowie se sumergió en la creación de personajes que poder mostrarle al mundo. Satirizando la vida en una prisión británica, Bowie compuso “Over the Wall We Go”, canción que se convirtió en un sencillo de 1967 interpretado por Oscar; al año siguiente, otra composición de Bowie, “Silly Boy Blue”, fue lanzada por Billy Fury.

Después de que Kemp asignara a Bowie con Hermione Farthingale -con quien tenía un sorprendente parecido- para un minúe poético, la pareja comenzó a salir; poco después se mudaron juntos a un apartamento de Londres. Formaron una banda juntos, donde ella tocaba la guitarra acústica y John Hutchinson, el bajo; entre septiembre de 1968 y comienzos de 1969.

1969-1974: del folk psicodélico al Glam Rock

De Space Oddity a Hunky Dory

Debido a su poco éxito comercial, Bowie se vio forzado a intentar ganarse la vida de otras maneras. Apareció en un comercial de helados Lyons maid, pero fue rechazado en un casting de Kit Kat 29

Con la intención de promocionar al cantante se hizo una película de treinta minutos de duración con actuaciones de su repertorio, llamado Love You ‘till Tuesday. A pesar de que no salió a la venta hasta 1984, las sesiones de grabación se hicieron en enero de 1969 y significaron un inesperado giro en la carrera del artista. A inicios de ese año produjo un demo de lo que significaría su primer gran éxito “Space Odity”, cuando Bowie le comentó a los productores: “tengo una nueva canción para su película” presentándoles esa pieza alusiva al film de Stanley Kubrik “2001, Space Odisey” que apareció en abril de 1968, basado en el libro homónimo de Arthur C. Clarke. El Single se lanzó el 6 de julio de 1969, cinco días antes del lanzamiento del Apolo 11, entrando rápidamente en el Top 5 del Reino Unido.

Bowie rompió relaciones con Farthingale poco después de completar la película y se mudó con Mary Finnigan como su inquilino. Después de esa ruptura con dio su trío algunos conciertos en los que combinaban folk “merseybeat”, poesía y mímica.

Continuando con la divergencia del rock and roll y blues adquirida desde sus trabajos con Farthingale, Bowie unió fuerzas con Finnigan, Christina Ostrom y Barrie Jackson para dirigir un club de folk los domingos por la noche en el pub The Three Tuns de High Street, en Beckenham, Londres. Esto pronto se convirtió en el Beckenham Arts Lab y se hizo muy popular. The Arts Lab organizó un festival gratuito en un parque local, hecho inmortalizado en la posterior canción de Bowie “Memory of a free festival”.

A este segundo disco de Bowie le siguió en noviembre el que lanzará en el Reino Unido bajo el título “David Bowie”, pero causó confusión con su predecesor de mismo título, por lo que en el lanzamiento estadounidense se le cambió el nombre por el de Man of Words/Man of Music. El álbum repleto de letras post-hippies sobre la paz, el amor y la moralidad y con música folk rock apoyado en canciones de rock más duro, no fue un éxito en el momento de su lanzamiento.

Bowie conoció a Angela Barnett en abril de 1969 y se casó con ella al año siguiente. Este hecho tuvo gran impacto sobre él e influyó sobre su carrera, minimizando sus influencias anteriores.

Ya que se había establecido como artista en solitario gracias al éxito de “Space Oddity”, Bowie comenzó a sentir la carencia de una banda conpleta de gente con quien grabar y relacionarse.

Uno de sus puntos débiles (sus celos profesionales) se puso de manifiesto debido a su rivalidad artística con Marc Bolan, quién en ese momento era su guitarrista de sesión.

Formó un grupo con John Cambridge, un baterista al que Bowie conoció en el Arts Lab, Tony Visconti como bajista y Mick Ronson como guitarrista. Después de un breve y desastroso comienzo como The Hype, el grupo volvió a la configuración original en la que se presentaba a Bowie como artista en solitario.34

Su primer trabajo de estudio se estropeó debido a las diferencias entre Bowie y Cambridge sobre el estilo de batería de este último; las cosas se terminaron cuando Bowie, muy enfadado, acusó a éste de estar “jodiendo su álbum”. Debido a esto Mick Woodmansey reemplazó poco después a Cambridge.35

Poco después, Bowie despidió a su mánager y lo reemplazó por Tony Defries. Esto condujo a un largo litigio cuya consecuencia fue que Bowie debió pagarle a Pitt una indemnización.

Las sesiones de estudio continuaron y dieron como fruto el tercer álbum del cantante: “The Man Who Sold The World” en 1970. Caracterizado por su sonido Hard Rock proveniente de su nueva banda de soporte, fue un cambio radical del rock acústico y de folk de “Space Oddity. Para promocionar el disco en Estados Unidos, Mercury Records financió una gira de entrevistas de costa a costa en la que Bowie, entre enero y febrero de 1971, concedió entrevistas a los medios y a las emisoras de radio. Para aprovechar su aspecto andrógino, la portada original de la versión británica mostraba al cantante ataviado con un vestido; Bowie llevó la prenda en la serie de entrevistas que hizo, cosa que agradó a los críticos. John Mendelsohn, de Rolling Stone le describió como “deslumbrante, casi una desconcertante reminiscencia de Lauren Bacall”. En la calle también provocó todo tipo de reacciones, desde la risa hasta el ejemplo de un peatón que le sacó un arma y le dijo: «bésame el culo».

Durante esta gira de entrevistas Bowie se fijó en dos influyentes artistas estadounidenses proto-punk que le dieron la idea de lo que después sería el personaje de Ziggy Stardust: Iggy Pop y de Lou Reed, cuya mezcla junto con el talento de Bowie dio como resultado el personaje de Ziggy».

Una de sus antiguas novias le recordó «garabateando en una servilleta sobre una alocada estrella del rock llamada “Iggy or Ziggy”, y que a su vuelta a Inglaterra declaró su intención de crear un personaje «que pareciese que acabase de aterrizar de Marte».36

Para “Hunky Dory”, álbum de 1971, Visconti, productor y bajista de Bowie, fue sustituido en ambos roles por Ken Scott y Trevor Bolder respectivamente. Significó el regreso parcial del cantante de pop ligeramente loco de “Space Oddity” en “Kooks”, canción compuesta para su hijo Duncan Zowie Haywood Jones, nacido el 30 de mayo.

En otras partes, el disco exploró temáticas más serias y contiene inusuales tributos a sus influencias con canciones como “Song for Bob Dylan” “Andy Warhol” y “Queen Bitch” una imitación de “Velvet Underground” que en su momento no tuvo gran éxito comercial.39

Ziggy Stardust

Con su siguiente empresa, Bowie, en palabras de su biógrafo David Buckley, «desafió el núcleo de lo que se suponía que era la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el culto más grande de la cultura popular».

Vestido con un llamativo traje y el cabello tintado de rojo, Bowie puso en marcha su espectáculo como Ziggy Stardust junto a The Spiders from mars (Ronson, Bolder y Woodmansey) en un pub llamado Toby Jug en Talwort el 10 de febrero de 1972. El espectáculo fue muy popular: le catapultó al estrellato durante su gira por el Reino Unido en los siguientes meses y creó, como describió Buckley, un «culto a Bowie, que era único; su influencia duró más y ha sido más creativo que, quizá, ningún otro ente dentro del pop»: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars, album lanzado en junio de 1972, que combina elementos de hard rock de The Man Who Sold the World y el rock/pop experimental de Hunky Dory.

Starmand salió a la venta como sencillo en abril y fue la primera piedra del lanzamiento al estrellato de Bowie en el Reino Unido: tanto el sencillo como el disco entraron rápidamente en las listas en julio, después de su actuación en el programa musical Top of the pops. El álbum, que permaneció dos años en los billboards pronto coincidió con Hunky Dory (seis meses anterior), que se vio arrastrado por el éxito de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. En el mismo momento, los sencillos “John I’m only dancing” y “All the Young dudes” (que no fueron extraídos de ninguno de sus discos), éste último compuesto para la banda Mott the Hoople, se convirtieron en éxitos. La gira Ziggy Stardust Tour continuó su camino hacia los Estados Unidos.

En 1972, Bowie contribuyó con su voz (coros) en Transformer, disco que consolidó a Lou Reed en 1972, el cual co-produjo junto a Ronson.

Su propio disco de 1973, Aladin Sane, llegó al primer puesto de las listas británicas, siendo el primero en conseguirlo. Bowie describió el disco como «Ziggy va a América» y contiene canciones compuestas mientras viajaba por los Estados Unidos en la primera parte de la gira de Ziggy, que después siguió en Japón n para promocionar el disco. Aladdin Sane engendró dos sencillos Top 5: The Jean Genie y Drive-In Saturday

El amor de Bowie por la actuación le llevó a meterse completamente en los personajes que creaba para su música. «Fuera del escenario soy un robot. En el escenario consigo emocionarme. Eso probablemente explica por qué prefiero disfrazarme de Ziggy a ser David». A pesar de todos estos éxitos, su vida personal encontró varias dificultades; e interpretar el mismo papel durante largos períodos de tiempo, hizo que le fuese imposible separar Ziggy Stardust y después The Thin White Duke, de su propia persona. Bowie llegó a decir que Ziggy «no me dejó tranquilo durante años. Aquí fue cuando todo comenzó a agriarse… Toda mi persona se vio afectada. Se convirtió en algo peligroso, realmente tuve dudas sobre mi cordura».

Sus actuaciones finales como Ziggy, que incluían canciones de Ziggy Stardust y Aladdin Sane, eran ultra teatrales y repletas de momentos escandalosos en el escenario, tales como desnudarse hasta quedar con un taparrabos de luchador de Zumo simular sexo oral con la guitarra de Ronson.

Bowie siguió de gira y dio conferencias de prensa como Ziggy antes de un abrupto y dramático «retiro» en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973 (aparecen imágenes de este concierto en la película Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de 1973.

Después de la separación de Spiders from Mars, Bowie intentó seguir adelante alejándose del personaje de Ziggy. Su castálogo musical ya era bastante demandado: The Man Who Sold the World se relanzó en 1972 junto con Space Oddity. Life on Mars? de Hunky Dory se lanzó en junio de 1973 y llegó al puesto número tres de la lista británica de sencillos.

Laughing Gnome entró en la misma lista en septiembre, alzándose hasta el puesto número cuatro.

En octubre salió a la venta Pin Ups, una colección de versiones de sus canciones favoritas de los años 60, que se posicionó en el puesto número uno de la lista británica de álbumes. Del disco se extrajo el sencillo Sorrow, que llegó al puesto número tres, haciendo de David Bowie el artista con mayores ventas en el Reino Unido de 1973, llegando a tener al mismo tiempo seis de sus discos en la lista de ventas.

El 13 de febrero de 1974, en el programa holandés Top Pop interpretaría el single «Rebel Rebel», perteneciente al álbum Diamond Dogs.

1974-1976: soul, funk y The Thin White Duke

Bowie se trasladó a los Estados Unidos en 1974, donde se instaló primeramente en Nueva york para después mudarse a Los Angeles

Diamond Dogs de 1974, dividido entre el soul y el funk, es el producto de dos ideas distintas: un musical basado en un salvaje futuro en una ciudad postapocalíptica, mezclado con la idea de ponerle música a la obra de George Orwell “1984”. El disco llegó al puesto número uno en el Reino Unido y al cinco en Estados Unidos. De él se extrajeron dos sencillos: Rebel Reble y Diamond Dogs.

Para promocionar el disco, Bowie comenzó la gira Diamond Dogs Tour, visitando ciudades de Estados Unidos entre junio y diciembre de 1974. La coreografía de la gira corrió a cargo de Toni Basil con efectos especiales  muy teatrales. Alan Yentob filmó un documental de alto presupuesto, dando como resultado Cracked Actor, que muestra a un Bowie escuálido y pálido: la gira coincidió con su paso de consumidor de cocaína a sustancias más potentes, cosa que dio como resultado que estuviese débil, paranóico y emocionalmente inestable.

Después comentó que el “David Live” el album en directo que lo acompañó, debió de titularse «David Bowie Is Alive and Well and Living Only In Theory». A pesar de todo, David Live solidificó el estatus de Bowie como superestrella, llegando al puesto número dos en el Reino Unido y al número ocho en Estados Unidos. Además, su versión del éxito de Eddie Boyd “Knock on Wood” entró en el Top 10 británico. Después de un descanso en Filadelfia, donde Bowie grabó nuevo material, la gira siguió con un nuevo enfoque hacia el soul.

El resultado de las sesiones de grabación de Filadelfia es el album “Young Americans (1975). El biógrafo Christopher Sandford escribió: «A lo largo de los años, la mayoría de los roqueros ingleses habían intentado, de una u otra manera, convertirse en negros por extensión. Pocos habían tenido éxito como lo tuvo Bowie en ese momento». El sonido del álbum, que el cantante identifica como “plastic soul”, significó un cambio radical de estilo, cque sorprendió a muchos de sus fan en el Reino Unido. Young Americans supuso el primer número uno de Bowie en Estados Unidos con la canción “Fame”, coescrita con John Lennon, quien además contribuyó cantando coros, y Carlos Alomar. Fue uno de los primeros artistas blancos en participar en el show de variedades de la televisión estadounidense Soul Train, donde Bowie cantó haciendo play back. “Fame” y “Golden Years”, sencillo lanzado en octubre.

Young Americans fue un éxito comercial tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, y una reedición del sencillo de 1969 «Space Oddity» se convirtió en el primer número uno británico pocos meses después de conseguir la misma gesta con «Fame» en Estados Unidos.

A pesar de su consolidada fama, Bowie vivía al día. En palabras de su biógrafo Christopher Sandford: «A pesar de todas sus ventas (más de un millón de copias sólo de Ziggy Stardust), subsistía prácticamente con morralla». En 1975, en una jugada similar a la que le había hecho Pitt hacía quince años, Bowie despidió a su mánager. Al finalizar los meses de litigio, como describe Sandford, vio como «millones de dólares de sus futuras ganancias se entregaban en lo que fue un final muy generoso con Defries, para después encerrarse en el West 20th Street, donde por una semana se pudieron oír sus lamentos a través de la puerta cerrada del ático». Michael Lippman, el abogado de Bowie en las negociaciones, se convirtió en su nuevo representante; Lippman también se llevó una generosa compensación cuando Bowie le despidió al año siguiente.

Station to Station, álbum de 1976, introduce un nuevo álter ego de Bowie, The Thin White Duke, sacado de la letra de la canción que da título al disco. El personaje, visualmente, era una extensión de Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que interpretó ese mismo año en la película “El Hombre que vino de las Estrellas”. Station to Station desarrolla el funk y el soul de Young Americans y es un avance del Kuautrock  y música con sintetizadores de sus siguientes lanzamientos.

El punto al que había llegado la drogadicción de Bowie se hizo público cuando Russell Harty entrevistó al cantante para su programa London Weekend Television poco antes del comienzo de la gira de promoción del disco. Previo a que comenzase la entrevista se anunció la reciente muerte del dictador Franciso Franco. Le pidieron a Bowie que cediese tiempo para permitir difundir las noticias que se generasen al respecto. Se negó, por lo que se comenzó con la entrevista, dejando para después las noticias provenientes de España. En la subsiguiente conversación con Harty, como describe el biógrafo David Buckley, «las palabras del cantante eran prácticamente ininteligibles durante el tiempo que duró la larga entrevista. […] Bowie parecía estar completamente desconectado y era casi incapaz de decir una frase coherente». Su cordura, según una posterior confesión propia, se había enrarecido debido al consumo de cocaína; sufrió varias sobredosis ese año y su aspecto físico comenzaba a ser alarmante.

Al lanzamiento en enero de 1976 de Station to Station le siguió una gira de tres meses y medio por Europa y Estados Unidos. Con un escenario austero, el Isolar 1976 tour comprendía canciones del disco, incluyendo la larga y dramática “Station to Station”, las baladas “Wild is the Wind”, “Word on a Wing”, “TVC15” de estilo más funky, y “Stay”.

La banda que reunió para el álbum y la gira (Alomar [guitarra rítmica], George Murray [bajo] y Dennis Davis [batería]), siguieron con Bowie lo que quedaba de década. La gira fue un gran éxito, aunque enfangado por controversias de tipo político. Se dice que Bowie dijo en Estocolmo que «el Reino Unido se beneficiaría con un líder fascista», y fue detenido en las aduanas ruso-polacas por estar en posesión de parafernalia nazi. El tema aún dio más que hablar cuando en mayo llegó a Londres y protagonizó lo que se conoce como el «incidente del Victoria Station. Llegó en un Mercedes descapotable y saludó al gentío en una forma que algunos interpretaron como un saludo nazi, capturado en fotografía y publicado en la revista NME. Bowie alegó que simplemente el fotógrafo le había cazado a mitad del saludo con la mano. Más adelante culpó de sus comentarios profascistas de aquella época a sus adicciones y al personaje de Thin White Duke. «Estaba fuera de mí, totalmente loco. Estaba muy metido en la mitología todo eso de Hitler y la Derecha … Había descubierto al Rey Arturo. Según el dramaturgo Alan Franks en un artículo en The Times, «estaba realmente “desquiciado”. Tuvo unas muy malas experiencias con las drogas duras».

1976-1979: Berlín

Bowie se mudó a Suiza en 1976 y adquirió allí un chalet en las montañas al norte del lago Lemán. En ese nuevo entorno, su consumo de cocaína aumentó; también creció su interés por conseguir metas fuera de su carrera musical. Comenzó a pintar, llegando a producir bastantes piezasposmodernas. Cuando estaba de gira dibujaba bocetos en un cuaderno y fotografiaba todo lo que creía que después le serviría de referencia para pintar. Visitaba galerías de arte en Génova y frecuentaba el Museo Brücke de Berlín, por lo que, en palabras de su biógrafo Christopher Sandford se convirtió en «un prolífico productor y coleccionista de arte contemporáneo. […] No sólo se convirtió en un conocido cliente de arte expresionista, sino que encerrado en Clos des Mésanges comenzó unos cursos intensivos de música clásica y literatura, además de comenzar a trabajar en una autobiografía».67

Antes de finalizar 1976, el interés de Bowie en la floreciente escena musical alemana, además de su adicción a las drogas, le llevó a mudarse aBerlín Oeste para desintoxicarse y revitalizar su carrera. Compartía piso con Iggy Pop en Schöneberg y comenzó a trabajar con Brian Eno, enfocándose en música ambiental y minimalista, dando comienzo así al primero de tres álbumes, coproducidos con Tony Visconti, que más adelante se conocerían como la «Trilogía de Berlín»68 69 70 («Berlin Trilogy»).71 Durante esa misma época, Iggy Pop completó su álbum debut, The Idiot, con Bowie como músico y coescritor, y su continuación, Lust for Life, y salió de gira por el Reino Unido, Europa y Estados Unidos entre marzo y abril de 1977.72 Low (1977), parcialmente influido por el sonido Krautrock de bandas como Kraftwerk y Neu!, evidencia un cambio en la forma de componer de Bowie, cambiando de un método narrativo a una forma musical más abstracta donde las letras son esporádicas y opcionales. Cuando salió al mercado recibió críticas negativas; fue un lanzamiento que RCA, ansiosa por mantener su empuje comercial, no recibió de buena gana, y que el exmánager de Bowie, Tony Defries, quién aún tenía intereses financieros en los asuntos del cantante, intentó impedir. A pesar de las predicciones, de Low se extrajo el sencillo «Sound and Vision», que se posicionó en el número tres de la lista británica. El álbum, en el Reino Unido, superó en ventas a su predecesor Station to Station, llegando al puesto número dos de las listas. En 1992, el compositor contemporáneo Philip Glass describió Low como la «obra de un genio» y lo utilizó como base de su Symphony No. 1 “Low”; posteriormente, Glass usó el siguiente disco de Bowie para su obra de 1996 Symphony No. 4 “Heroes”.73 74 Glass elogió a Bowie y su facilidad para crear «piezas de música bastante complejas, enmascaradas como piezas sencillas».75

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Bowie conversando con elingeniero de sonido Eduard Meyer en Berlín en 1977.

El segundo disco de la trilogía, “Heroes”, aunque contiene el concepto de música minimalista e instrumental, incorpora más pop y rock, debido en parte de la colaboración del guitarrista Robert Fripp. Al igual que Low“Heroes” pone de manifiesto el zeitgeist de la Guerra Fría, simbolizada en la dividida ciudad de Berlín.76 Incorporando sonidos de ambiente de una variedad de fuentes incluyendo ruido blancosintetizadores y un koto, el álbum volvió a ser un éxito, llegando al número tres en el Reino Unido. La canción que da título al disco, a pesar de sólo llegar al puesto número 24 de la lista de sencillos británica, se ganó una duradera popularidad, por lo que en pocos meses se habían lanzado versiones en alemán y en francés.77 A finales de año, Bowie interpretó la canción en el programa televisivo de Marc Bolan Marc, y dos días después en un especial navideño de Bing Crosby, donde se unió a Crosby para cantar «Peace on Earth/Little Drummer Boy», una versión de «The Little Drummer Boy» con un nuevo verso contrapuntual. Cinco años después, esta versión a dúo se convirtió en un éxito, llegando al puesto número tres de las listas británicas el día de navidad de 1982.78

Después de terminar Low y “Heroes”, Bowie pasó la mayor parte de 1978 con su gira Isolar II, llevando la música de los dos primeros discos de la «Berlin Trilogy» a casi un millón de personas en unos setenta conciertos en doce países. Llegado a este punto había dejado de lado su problema con las drogas; el biógrafo David Buckley escribió que Isolar II fue «la primera gira en cinco años en que Bowie no se había anestesiado con copiosas cantidades de cocaína antes de subir al escenario. […] Sin olvidarse de los problemas que le habían causado las drogas, ahora se encontraba en un estado mental lo suficientemente bueno para volver a querer hacer amistades».79 Las grabaciones de esta gira dieron como resultado el álbum en directoStage, lanzado al mercado ese mismo año.80

La pieza final de lo que Bowie llamó su «tríptico», Lodger (1979), evita la naturaleza minimalista y ambiental de los dos anteriores, añadiendo un retorno parcial del rock de guitarra y batería de su época anterior a Berlín. El resultado es una mezcla compleja de new wave y world music, incorporando también escalas musicales orientales provenientes de la región del Hiyaz. Algunas de las pistas se compusieron usando una baraja de Oblique Strategies (un juego de cartas con frases que debían de seguir) creadas por Eno y Peter Schmidt: «Boys Keep Swinging» implicó que los miembros de la banda tuvieran que cambiar sus instrumentos entre ellos, «Move On» usa los acordesde la canción de Bowie «All the Young Dudes» tocadas al revés, mientras que «Red Money» utiliza partes de «Sister Midnight», una canción compuesta anteriormente con Iggy Pop.81 El disco se grabó en Suiza. Antes de su lanzamiento, Mel Ilberman de RCA dijo: «Sería justo llamarlo el Sergeant Pepper de Bowie […] un álbum conceptual que describe al lodger («el inquilino») como un trotamundo sin hogar, rechazado y victimizado por las presiones de la vida y la tecnología». Christopher Sandford lo describe diciendo: «El disco era tan esperado con sus elecciones tan dudosas, y la producción significó el final de la asociación de Bowie con Eno, después de quince años». Lodger llegó al puesto número cuatro en el Reino Unido y al veinte en Estados Unidos y arrojó dos exitosos sencillos en el Reino Unido, «Boys Keep Swinging» y «DJ».82 83 Hacia finales de año, Bowie y Angela decidieron divorciarse, y tras meses de batallas judiciales su matrimonio terminó a comienzos de 1980.84

1980-1989: de estrella a superestrella[editar]

«”Under Pressure” surgió por casualidad, David vino a vernos al estudio, […] comenzamos a juguetear juntos con algo y todo salió de manera muy espontánea y rápida. […] Fue un verdadero placer trabajar con [él], posee un enorme talento».
Freddie Mercury sobre su colaboración con Bowie en el sencillo.85

De Scary Monsters (and Super Creeps) (1980) se extrajo un sencillo número uno, «Ashes to Ashes», que incluye el trabajo de texturas de guitarra-sintetizador llevado a cabo por Chuck Hammer y que vuelve a utilizar el personaje de Major Tom de «Space Oddity». La canción sirvió para mostrar en forma internacional el movimiento new romanticunderground de cuando Bowie visitó el club de Londres «Blitz» (el sitio new romantic de moda) para contratar a algunos de los miembros regulares (incluyendo a Steve Strange de la banda Visage) para actuar en el videoclip de la canción, célebre por ser uno de los más innovadores de la época.86 Aunque para Scary Monsters utilizó algunos de los principios de los álbumes de Berlín, los críticos lo consideraron mucho más directo musical y líricamente. La parte hard rock del disco incluye llamativas contribuciones de guitarra de Robert FrippPete TownshendChuck Hammer y Tom Verlaine.87A la vez que «Ashes to Ashes» llegaba al número uno en el Reino Unido, Bowie comenzó un trabajo de tres meses protagonizando la obra The Elephant Man en Broadway.88

Bowie se asoció con Queen en 1981 para colaborar en el sencillo «Under Pressure». El dúo fue un éxito, convirtiéndose así en el tercer número uno de Bowie en el Reino Unido. Ese mismo año, hizo un cameo en la película alemana Christiane F., una historia real de drogadicción adolescente en la Berlín de los años 1970. La banda sonora, repleta de música de Bowie, se lanzó con el título de Christiane F. pocos meses después. Bowie también protagonizó la adaptación televisiva de la obra de Bertolt Brecht Baal, hecha por la BBC en 1981. Coincidiendo con la retransmisión, se lanzó un EP de cinco canciones de la obra, grabados en Berlín, bajo el título de David Bowie in Bertolt Brecht’s Baal. En marzo de 1982, un mes antes del estreno de la película de Paul Schrader Cat People, se lanzó como sencillo la canción homónima de Bowie, «Cat People (Putting Out Fire)», que llegó a ser un éxito menor en Estados Unidos y entró en el Top 30 británico.89

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Bowie en 1983 en la gira “Serious moonlight”

Bowie llegó a otro punto álgido de su carrera con el éxito comercial de Let’s Dance (1983), coproducido por el integrante de Chic Nile Rodgers, que se convirtió en disco de platino tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Sus tres sencillos entraron en el Top 20de ambos países, donde la canción que da título al disco llegó al puesto número uno. «Modern Love» y «China Girl» llegaron al número dos en el Reino Unido, acompañados de sus respectivos videoclips que, como describe el biógrafo David Buckley, «eran totalmente absorbentes y activaron arquetipos claves para el mundo del pop. «Let’s Dance», con su poca narrativa enfocada en una joven pareja de aborígenes, se centra en la juventud, mientras que «China Girl», con su escena de amor (luego parcialmente censurada) playero con los culos al aire (homenaje a la película From Here to Eternity), era lo suficientemente provocativa sexualmente para garantizar que MTVla emitiese con frecuencia». Para 1983, Bowie ya se había convertido en uno de los más importantes realizadores de videos musicales de su época. Para promocionar Let’s Dance se embarcó en la gira mundial Serious Moonlight, en la que se hizo acompañar del guitarrista Earl Slick y los coristas Frank y George Simms. La gira duró seis meses y tuvo una gran recepción.90

Tonight (1984), también enfocado al baile, contó con la colaboración de Tina Turner y, una vez más, Iggy Pop. Contiene varias canciones versionadas, entre ellas el éxito de 1966 de The Beach Boys «God Only Knows». Además, contiene el éxito transatlántico «Blue Jean», inspiración para el cortometraje Jazzin’ for Blue Jean, por el que Bowie ganó un premio Grammy en la categoría de Mejor video musical. Bowie actuó en el estadio de Wembley en 1985 como parte de Live Aid, una serie de conciertos benéficos llevados a cabo en diversos sitios del mundo para intentar paliar el hambre en Etiopía. Durante el evento se estrenó un sencillo con fines benéficos a dúo con Mick Jagger, «Dancing in the Street», que llegó al puesto número uno de ventas en su primera semana. Ese mismo año, Bowie se asoció con Pat Metheny Group para grabar «This Is Not America», como parte de la banda sonora de The Falcon and the Snowman. Lanzado como sencillo, la canción entró en el Top 40 en Estados Unidos y el Reino Unido.91

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Bowie actuando en el Glass Spider Tour de 1987.

Bowie obtuvo un papel en la película de 1986 Absolute Beginners. La película no fue bien recibida por la crítica, aunque la canción que compuso para ella llegó al puesto número dos de la lista de sencillos británica. También interpretó a Jareth, Rey de los Goblins, en la película de Jim Henson Labyrinth, también de 1986, para cuya banda sonora compuso cinco canciones.

Su último álbum de estudio de la década fue Never Let Me Down de 1987, en donde se deshizo del sonido ligero de sus dos anteriores discos, ofreciendo en su lugar rock más duro con puntos de industrial/techno. El disco se posicionó en el puesto número seis de la lista británica. Se extrajeron los sencillos «Day-In, Day-Out» (su sencillo número 60), «Time Will Crawl» y «Never Let Me Down». Bowie declaró después que considera el álbum su «punto más bajo», diciendo que es «un disco horrible».92 Para promocionar Never Let Me Down, después de nueve shows para la prensa, comenzó su gira Glass Spider el 30 de mayo, que constó de 86 conciertos. En esta ocasión Bowie contó con Peter Frampton como guitarrista líder. La crítica difamó la gira diciendo que estaba sobreproducida y que se hizo para complacer la moda de arena rock con sus efectos especiales y bailes.93

1989-1991: Tin Machine[editar]

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Bowie en un concierto en Chiledurante su Sound+Vision Tour.

Bowie dejó de lado su carrera solista en 1989 para pasar a formar parte de una banda por primera vez desde comienzos de la década de 1970. Surgió un cuarteto de hard rockTin Machine, después de que comenzara a experimentar con el guitarrista Reeves Gabrels. La formación se completó con Tony y Hunt Sales, a quienes conocía desde finales de la década de 1970 por su participación (como batería y bajista, respectivamente) en el álbum de Iggy Pop de 1977 Lust For Life.94

Aunque intentó que el grupo funcionara como una democracia, Bowie se imponía, tanto en la composición de canciones como en la toma de decisiones.95 Su álbum debut, Tin Machine (1989) fue inicialmente popular, aunque sus letras politizadas no encontraron aprobación universal: Bowie describió una de las canciones como «simplista, tímida, radical sobre la insurgencia de los neonazis». Desde el punto de vista del biógrafo Cristian Standford: «Se necesita valor para denunciar las drogas, el fascismo y la televisión […] en términos que alcanzaron el nivel literario de un libro de historietas».96 EMI se quejó de «las letras predicadoras», de las «melodías repetitivas» y la «producción minimalista o inexistente».97 Sin embargo, el álbum alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido.96 La primera gira mundial de Tin Machine fue un éxito comercial, pero empezó a aparecer cierta reticencia (entre críticos y fanáticos) a aceptar a Bowie como un simple miembro de una banda.98 Una serie de sencillos de la banda no llegaron a entrar en las listas y Bowie, tras un desacuerdo con EMI, abandonó la discográfica.99 Como su público y los críticos, el mismo Bowie comenzó a sentirse incómodo como integrante de un grupo.100 Tin Machine comenzó a trabajar en un segundo álbum, pero Bowie puso en espera la iniciativa y regresó a trabajar en solitario. Interpretando sus viejos éxitos durante su gira de siete meses Sound+Vision Tour encontró nuevamente éxito comercial y aclamación de la crítica.101

En octubre de 1990, una década después de su divorcio con Angela, un amigo en común le presentó a la supermodelo somalí Iman. Sobre esto, Bowie afirmó: «Estaba pensando en el nombre de nuestros futuros hijos la misma noche en que nos conocimos […] fue absolutamente inmediato». Se casaron en 1992.102 Tin Machine reanudó el trabajo ese mismo mes, pero el público y los críticos, decepcionados por el primer álbum, no mostraron ningún interés en el segundo. La publicación de Tin Machine II fue marcada por una amplia campaña de publicidad y un gran conflicto acerca de la portada: después de que la producción comenzara, Victory, su nueva discográfica, consideró la imagen de los cuatro integrantes de la banda desnuda en poses artísticas (que Bowie consideraba «de gusto exquisito») «una muestra de imágenes obscenas y equivocadas», por lo que requirieron de un aerógrafo y parches para ocultar el sexo de las figuras.103 La banda salió de gira una vez más, pero después de que su álbum en directo Tin Machine Live: Oy Vey, Baby fracasara comercialmente, la banda se separó y Bowie, aunque siguió colaborando con Gabrels, retomó su carrera solista.104

1992-1999: música electrónica[editar]

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Bowie en un concierto en Finlandiaen 1997.

En abril de 1992, Bowie participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, en honor al líder de Queen fallecido un año antes. Además de interpretar «Heroes» y «All the Young Dudes», tomó parte en la interpretación de «Under Pressure» junto a Annie Lennox, quien hizo la parte vocal que correspondía a Mercury.105 Cuatro días después, Bowie se casó con Iman en Suiza. Con la intención de mudarse a Los Ángeles, viajaron en busca de una propiedad adecuada, pero se vieron obligados a permanecer confinados en su hotel, bajo toque de queda, debido al comienzo de los disturbios de Los Ángeles ese mismo día. Finalmente, se establecieron en Nueva Yorken su lugar.106

En 1993 salió a la venta su primer lanzamiento en solitario tras la separación de Tin Machine, Black Tie White Noise, con influencias desouljazz y hip hop. Haciendo amplio uso de instrumentación electrónica, el álbum, en el que Bowie se reunió con el productor de Let’s Dance, confirmó el regreso del cantante a la popularidad, ocupando el primer puesto en las listas de álbumes británicas y generando tres sencillos que llegaron a ocupar un puesto en el Top 40, incluyendo la canción «Jump They Say».107 Bowie exploró nuevas direcciones con The Buddha of Suburbia (1993), la banda sonora de la adaptación para una serie televisiva basada en la novela deHanif Kureishi. Contenía algunos de los nuevos elementos presentes en Black Tie White Noise y significó un cambio hacia el rock alternativo. Recibió críticas muy favorables, a pesar de sólo posicionarse en el número 87 de las listas de venta del Reino Unido.108

Reuniendo a Bowie con Brian Eno, el industrial Outside (1995) fue inicialmente concebido como el primer volumen de una narración no lineal sobre arte y asesinatos. Con personajes de una historia corta escrita por Bowie, el álbum tuvo éxito en Estados Unidos y el Reino Unido y contiene tres sencillos que entraron en el Top 40 de la UK Singles Chart.109 En una decisión que provocó una reacción mixta entre críticos y fanáticos, Bowie decidió que Nine Inch Nails lo acompañara en su Outside Tour. La gira, en la que visitaron ciudades deEuropa y Norteamérica durante septiembre de 1995 y febrero del año siguiente, significó la vuelta de Gabrels como guitarrista del cantante.110

Bowie ingresó en el Salón de la Fama del Rock el 17 de enero de 1996.111 Incorporando elementos de drum and bassEarthling (1997) fue un éxito comercial en el Reino Unido y Estados Unidos y dos de sus sencillos entraron en el Top 40 en esta primera región. La canción «I’m Afraid of Americans», compuesta para la película de Paul Verhoeven Showgirls fue grabada de nuevo para el álbum y remezclada por Trent Reznor para lanzarla como sencillo. La amplia difusión que tuvo su video promocionalcontribuyó a que pasara dieciséis semanas en la lista estadounidense Billboard Hot 100. La gira para promocionar el álbum tuvo lugar en Europa y Norteamérica entre junio y noviembre de 1997.112 Bowie se reunió con Visconti en 1998 para grabar «(Safe in This) Sky Life» para The Rugrats Movie. Aunque el tema se editó después del final cut, sería regrabada y lanzada bajo el título de «Safe» como el lado B del sencillo de 2002 «Everyone Says ‘Hi’».113 La reunión dio lugar a otras colaboraciones, incluyendo una versión lanzada como sencillo de edición limitada de la canción de Placebo «Without You I’m Nothing», coproducido por Visconti, con las armonías vocales de Bowie añadidas a la grabación original.114 En 1998 Bowie grabó «A Foggy Day (In London Town)» con Angelo Badalamenti para el disco compilatorio de Red Hot Organization Red Hot + Rhapsody, un tributo a George Gershwin que recaudó dinero para varias organizaciones caritativas que buscan concientizar sobre la problemática del SIDA y luchar contra la enfermedad.

1999-2013: neoclasicismo[editar]

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Bowie durante una presentación de su Heathen Tour junto a Sterling Campbell en 2002.

Bowie creó la banda sonora de Omikron, un videojuego de 1999 en el que Iman y él también figuran como personajes. Su álbum‘Hours…’, lanzado el mismo año, contiene canciones de este proyecto regrabadas y presenta además una tema de Alex Grant, ganador de un concurso organizado por Bowie que trataba de encontrar la mejor letra de canción para un videojuego.115 Haciendo amplio uso de instrumentos en directo, el álbum significó su adiós a la música electrónica.116 En el 2000 comenzaron las sesiones para el planeadoToy, en el que se intentaba presentar nuevas versiones de sus primeras canciones, pero el álbum nunca llegó a salir al mercado. Bowie y Visconti continuaron sus colaboraciones, en producción de un nuevo álbum con canciones totalmente originales: Heathen, de 2002.117Alexandra Zahra Jones, hija de Bowie e Iman, nació el 15 de agosto de ese año.118

En octubre de 2001, Bowie abrió el concierto para la Ciudad de Nueva York, un evento de caridad organizado para ayudar a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre, con una interpretación minimalista de la canción de Simon & Garfunkel «America», seguida de una interpretación con banda completa de «Heroes».119 En 2002 se lanzó Heathen y durante la segunda mitad del año Bowie comenzó su gira Heathen Tour. Abarcando Europa y Norteamérica, la gira comenzó en el festival londinense Meltdown, en el que el cantante había sido elegido director artístico. Entre las actuaciones que seleccionó para participar en el espectáculo estaban Phillip Glass,Television y The Polyphonic Spree. Además de presentarse canciones del nuevo álbum, en la gira también se interpretaron canciones de su etapa de Low.120 Después, se publicó Reality, al que le siguió una gira promocional, A Reality Tour, que abarcó Europa, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Australia y Japón.121 Se estima que tuvo una asistencia total de más de 7 000 000 de personas, siendo la gira con más beneficios de la primera mitad de 2004.122 Durante un concierto en Oslo, Bowie fue herido en un ojo por una piruleta arrojada por un fanático; una semana más tarde sintió dolor en el pecho mientras tocaba en el festival Hurricane en ScheeßelAlemania. Originalmente se creía que era un nervio inflamado, pero más tarde se le diagnosticó una arteria obstruida que requirió una angioplastia de emergencia en Hamburgo. Las catorce fechas de la gira restantes fueron canceladas.123

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Bowie en 2009 con su hijo Duncan Jones en la première de su debut como director, Moon.

Mientras se recuperaba de la cirugía, Bowie redujo sus presentaciones por primera vez en varios años, haciendo breves apariciones en el escenario y en el estudio. Cantó a dúo con Butterfly Boucher de su canción «Changes» para la película animada Shrek 2, de 2004.124Durante un relativamente tranquilo 2005, grabó las partes vocales de «(She Can) Do That», co escrita con Brian Transeau para el filmeStealth.125 Regresó a los escenarios el 8 de septiembre de 2005, presentándose con Arcade Fire para el evento Fashion Rocks, televisado nacionalmente en los Estados Unidos, y tocó con la banda canadiense por segunda vez durante la CMJ Music Marathon.126Contribuyó en los coros de la canción de TV on the Radio «Province» para su álbum Return to Cookie Mountain, hizo un comercial conSnoop Dogg para XM Satellite Radio y se juntó con Lou Reed para una colaboración en el álbum No Balance Palace (2005) de la banda danesa Kashmir.127 128 129

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Bowie durante una presentación enChicago en 2002.

Bowie recibió un premio Grammy al logro de toda una vida el 8 de febrero de 2006.130 En abril, anunció: «Me tomaré un año sabático, no saldré de gira, no grabaré álbumes».131 Hizo una presentación sorpresiva como invitado en el concierto de David Gilmour el 29 de mayo en elRoyal Albert Hall. Se grabó el evento y una selección de canciones en las que habían colaborado fueron subsecuentemente lanzadas.132Volvió a tocar en directo en noviembre junto a Alicia Keys en el Black Ball, un evento caritativo que tuvo lugar en Nueva York a befeficio de Keep a Child Alive.133

Bowie fue elegido como coadjutor en el festival de 2007 High Line, donde seleccionó artistas para este evento en Manhattan, y trabajó junto a Scarlett Johansson en el álbum de versiones de canciones de Tom Waits Anywhere I Lay My Head.134 135 En 2009, para celebrar el cuadragésimo aniversario de la llegada del hombre a la luna por primera vez en julio de 1969 (también aniversario del lanzamiento de «Space Oddity») EMI puso a la venta las pistas de la grabación grabadas en ocho pistas y creó un concurso con el fin de crear unaremezcla.136 En enero de 2010, se puso a la venta un álbum doble en el que se recopiló material de su gira de 2003, llamado A Reality Tour.137

A finales de marzo de 2011 se filtró a través de internet Toy, un disco nunca publicado de 2001 que contiene material usado para Heathen y la mayoría de sus caras B, además de algunas nuevas versiones inéditas de su catálogo.138 139

2013-2016: The Next Day, retiro de los escenarios, Blackstar y fallecimiento[editar]

El 8 de enero de 2013, concidiendo con su 66 cumpleaños, se anunció en su sitio web oficial que en marzo saldría a la venta su nuevo disco titulado The Next Day; el 8 de marzo en Australia, el 12 de marzo en los Estados Unidos y el día 11 de marzo en el resto del mundo.140 Es su primer disco en una década y contiene catorce canciones y tres pistas adicionales.141 142 El productor discográfico Tony Visconti comentó que disponían de 29 canciones para comenzar a trabajar en el disco. A la vez que se hizo público el anuncio se publicó el primer sencillo, “Where Are We Now?“, compuesto y grabado por Bowie en Nueva York y producido por Tony Visconti.143 Ese mismo día se lanzó un videoclip a través de Vimeo, dirigido por el artista neoyorquino Tony Oursler.143 El sencillo llegó a lo más alto de la lista británica de iTunes en cuestión de horas,144 y debutó en la UK Singles Chart en el puesto número seis,145 siendo así el primer sencillo del artista en entrar en el Top 10 en más de dos décadas; desde “Jump They Say” de 1993. El 25 de febrero se publicó un segundo videoclip tiulado “The Stars (Are Out Tonight)”. La dirección del mismo corrió a cargo de Floria Sigismondi y en él aparecen Bowie y Tilda Swinton como marido y mujer.146 El 1 de marzo se puso a la venta el álbum completo a través de iTunes.147 The Next Day debutó en el puesto número uno de la lista británica de álbumes, el primero en conseguirlo desde Black Tie White Noise (1993), y consiguió ser el disco más vendido del momento.148

El videoclip creado para la canción “The Next Day” creó cierta controversia; fue retirada en un principio de YouTube por incumplir sus políticas y posteriormente restaurado con el aviso de que para su visionado se debía tener más de 18 años de edad.149

Según The Times, Bowie prometió no volver a conceder jamás una entrevista, por lo cual el productor Visconti concedió la entrevista alegando que ahora él es “la voz de Bowie en la tierra”. Visconti reveló al periódico que Bowie no tiene intención de salir de gira, diciendo que lo único que quiere “es seguir haciendo discos”.150

En 2013 se presentó en el Victoria and Albert Museum una exhibición de artefactos de Bowie, titulado “David Bowie Is”.151 Para el 2014 la obra comenzó a ser itinerante haciendo paradas en Chicago, París, Melbourne y los Países Bajos.152

Además, Bowie aparece con un cameo vocal en la canción de Arcade Fire “Reflektor“.153 Por otro lado, en octubre de 2013, según una encuesta elaborada por la BBC History Magazine, se nombró a Bowie el británico mejor vestido de la historia.154 En los Premios Brit del 19 de febrero de 2014, Bowie se convirtió en el ganador más longevo de la historia de los premios al recibir el premio al mejor artista británico, el cual recogió de su parte Kate Moss. En su discurso dijo: “Estoy encantado de conseguir un brit al mejor varón – pero lo soy, ¿verdad Kate? Sí. Creo que es una gran manera de terminar el día. Muchas, muchas gracias y Escocia, sigue con nosotros”.155 Esta referencia alreferéndum para la independencia de Escocia de 2014 generó cierta repercusión en los medios.156 157 El 18 de julio, Bowie desveló que pronto publicaría más música, aunque fue poco preciso con los detalles.158

A principios de octubre de 2015, saltó la noticia de que Bowie había grabado, por primera vez en veinte años, una canción para la serie de televisión «The Last Panthers». Unas semanas después, John Giddings, su agente, aseguraba a un medio que Bowie no volvería a actuar nunca más. A finales del mismo mes, el propio David anunció en su página web el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, Blackstar, que coincidiría con su cumpleaños, el 8 de enero de 2016.

El 10 de enero de 2016, dos días después de su 69º cumpleaños y el lanzamiento del álbum, Blackstar, Bowie murió de cáncer de hígado en su casa de Nueva York. Había sido diagnosticado con dicha enfermedad dieciocho meses antes, pero no lo había hecho público.159 160

Carrera actoral[editar]

Véase también: Filmografía de David Bowie

El biógrafo David Buckley observó: «La esencia de la contribución de Bowie a la música popular se encuentra en su sobresaliente habilidad para analizar y seleccionar ideas fuera de la música -del arte, la literatura, el teatro y el cine- e incorporarlas a ésta; de este modo, el pop se actualiza constantemente».161 Además, expresó: «Sólo una persona llevó el glam rock a nuevas y enrarecidas alturas e inventó personajes dentro del pop, uniendo el teatro y la música popular en un poderoso todo sin costuras».162 La carrera de Bowie también estuvo marcada por muchos papeles en producciones teatrales y cinematográficas, ganando cierto prestigio como actor en su propio derecho.

Los comienzos de su carrera actoral anteceden su éxito como músico. Habiendo estudiado teatro vanguardista y el arte del mimo bajo la dirección de Lindsay Kemp, actuó en el papel de Cloud en la producción de Kemp de 1967 Pierrot in Turquoise (convertida posteriormente en la película de televisión de 1970 The Looking Glass Murders).163 En elcortometraje en blanco y negro The Image, encarnó a un niño fantasma que emerge de un cuadro de un pintor bastante turbado para embrujarlo.164 El mismo año, apareció como extra en la película basada en la novela cómica de 1966 The Virgin Soldiers.164 En 1976, ganó prestigio por su primer papel protagónico, encarnando a Thomas Jerome Newton, un extraterrestre de un planeta en vías de extinción en El hombre que vino de las estrellas, dirigida por Nic Roeg. En Just a Gigolo, una producción anglo-germana dirigida por David Hemming, Bowie actuó en el papel protagónico del oficial prusiano Paul von Pryzgodski, quien, regresando de la Primera Guerra Mundial, es descubierto por una baronesa (Marlene Dietrich) y se convierte en uno de sus gigolós.

Bowie también trabajó en la producción teatral de Broadway The Elephant Man, y recibió alabanzas por su expresiva interpretación. Interpretó su papel 157 veces entre 1980 y 1981.88 En la película Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo, un filme biográfico de 1981 que describe la drogadicción de una joven en el oeste de Berlín, Bowie aparece en un cameo, interpretándose a sí mismo dando un concierto en Alemania. En su banda sonora, Christiane F. (1981) figura mucho material de sus discos de «Berlin Trilogy».165 Bowie figuró también en El ansia (1983), una película de vampiros con Catherine Deneuve y Susan Sarandon. En el filme de Nagisha Oshima del mismo año, Feliz Navidad, Mr. Lawrence, basada en la novela de Laurens van der Post The Seed and the Sower, Bowie personificó a Jack Celliers, un prisionero de guerra en un campo de internamiento japonés. Otro músico, Ryuichi Sakamoto, interpretó al comandante que se sentía minado por el comportamiento estrafalario de Celliers.166 Después, Bowie tuvo un cameo en Yellowbeard, una comedia de piratas de 1983 creada por los miembros de Monty Python y un pequeño papel como Colin, el sicario en la película de 1985 Into the Night. Sin embargo, declinó interpretar al villano Max Zorin en la película de James Bond de 1985 A View to a Kill.167

Absoulte Beginners (1986), un musical de rock basado en la novela de Colin MacInne de 1959 sobre la vida en Londres, cuenta con la música de Bowie y él mismo interpreta un papel menor en ella. En el mismo año, actuó en Labyrinth, en el rol de Jareth, el rey de los goblins.168 Dos años más tarde, actuó en el papel de Poncio Pilatos en la película de Martin Scorsese La última tentación de Cristo. Bowie encarnó a un descontento empleado de restaurante, junto a Rosanna Arquette en The Linguini Incident (1991) y al misterioso agente del FBI Phillip Jeffries en la película de David Lynch Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992). Interpretó un pequeño pero fundamental papel como Andy Warholen Basquiat (1996), una película biográfica sobre Jean-Michel Basquiat dirigida por Julian Schnable y participó en spaghetti western Il Mio West, interpretando al más temido pistolero en la región.169 Encarnó al anciano gánster Bernie en Everybody Loves Sunshine (1999) y figuró en la serie televisiva de terror The Hunger. En la película Boys don’t cry (1999), de Kimberly Peirce, aparece en la barra del bar donde Brandon Teena conoce a Lana. En Mr Rice’s Secret (2000) interpretó al vecino de un niño de doce años con una enfermedad terminal y al año siguiente apareció interpretándose a sí mismo en Zoolander. También hizo de sí mismo en un capítulo de la serie Extras escrita y dirigida porRicky Gervais.

Bowie actuó en el rol del físico Nikola Tesla, junto con Christian Bale y Hugh Jackman en The Prestige (2006), un filme de Christopher Nolan basado en la novela epistolar deCristopher Priest sobre la rivalidad de dos magos a principios del siglo XX. Dio voz al villano Maltazard en la película animada Arthur y los Minimoys, como así a un personaje en el telefilme SpongeBob’s Atlantis SquarePantis. En el filme de 2008 August, dirigido por Austin Chick, obtuvo un papel secundario como Ogilvie y trabajó junto a Josh Harnett yRip Torn, con quien había colaborado en El hombre que vino de las estrellas.170 171

Orientación sexual[editar]

Buckley escribió: «Si Ziggy confundió tanto a su creador como a su público, gran parte de esa confusión se centró en el tema de la sexualidad».172 Bowie se declaró bisexual en una entrevista con Melody Maker de la edición de dicha revista del 22 enero de 1972,173 movimiento que coincidió con el inicio de su campaña al estrellato como Ziggy Stardust.46 En una entrevista realizada en septiembre de 1976 para Playboy, Bowie dijo: «Es cierto, soy bisexual, pero no puedo negar que he utilizado este hecho muy bien. Supongo que es lo mejor que me ha pasado».174

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Bowie con su esposa Iman.

En una entrevista de 1983 con la revista Rolling Stone, Bowie dijo que la declaración pública de su bisexualidad fue «el mayor error que he cometido»,175 mientras que en otras ocasiones ha dicho que su interés por la cultura homosexual y bisexual ha sido más un producto de los tiempos y de la situación en que se encontraba que de sus propios sentimientos; según fue descrito por Buckley, Bowie dijo que había sido guiado más por «una compulsión por burlar los códigos morales que por un verdadero estado biológico y psicológico del ser».176

Blender lo interrogó en 2002, sobre si todavía creía que su declaración pública fue el error más grande que jamás había cometido y Bowie contestó:

«Interesante. [larga pausa] No creo que fuera un error en Europa, pero fue mucho más difícil en los Estados Unidos. No tenía ningún problema con que la gente supiera que era bisexual. Pero no tenía ganas de portar ningún estandarte o ser el representante de ningún grupo de personas. Yo sabía lo que quería ser, compositor e intérprete, y sentí que la bisexualidad se convirtió en el titular desde ese momento y por largo tiempo. Estados Unidos es un lugar muy puritano y creo que esto se interpuso en el camino de muchas cosas que quería hacer».177

Buckley opinaba sobre este periodo en la vida de Bowie: «Un rompe tabúes y un diletante […] juega con la intriga sexual por su capacidad de sobresaltar»,178 y que «probablemente sea cierto que Bowie nunca fue gay, ni siquiera activa y consistentemente bisexual […] lo hizo, de vez en cuando, como un experimento, aunque sólo fuera por un sentido de curiosidad y una alianza genuina con la “transgresión”».179 El biógrafo Christopher Sandford dice que, de acuerdo con Mary Finnigan, con quien Bowie tuvo un romance en 1969, el cantante y su primera esposa Angie «vivían en un mundo de fantasía […] y crearon sus fantasías bisexuales».180 Sandford cuenta cómo, durante el matrimonio, Bowie «hizo un fetiche positivo de repetir la ocurrencia de que él y su esposa se habían conocido “jodiendo al mismo hombre”. […] El sexo gay fue siempre una cuestión anecdótica y graciosa. Los gustos reales de Bowie se inclinaban hacia otro lado evidentemente, a partir de un recuento parcial de sus romances con mujeres».180

En la biografía David Bowie – A Biography, escrita por Marc Spitz y lanzada en 2009, Spitz revela que Bowie mantuvo muchas experiencias homosexuales en su adolescencia, citando una frase que dijo Bowie en una entrevista a Playboy en 1976: «Cuando tenía 14 años, el sexo de repente comenzó a ser muy importante. Realmente no importaba con quien fuese, siempre y cuando fuese un encuentro sexual. Así que a veces era un chico guapo de clase de un colegio u otro que me llevaba a casa y me follaba en mi cama de arriba.»174 181 Pero el biógrafo también recalca que sus comentarios públicos sobre el sexo no tenían otro propósito que no fuese hacer marketing y así recibir más atención a su obra «transgresora».182

Estilo musical[editar]

Voz e instrumentación[editar]

Hombre de muchas voces, Bowie, a partir de la época de sus grabaciones iniciales en la década de 1960, ejecutó una amplia variedad de estilos musicales. Sus primeras composiciones e interpretaciones estuvieron fuertemente influidas no sólo por rockanroleros como Little Richard y Elvis Presley, sino también por el amplio mundo del espectáculo. Particularmente se esforzó en emular al compositor, cantante de comedia musical y actor británico Anthony Newley, cuyo estilo vocal adoptaba con frecuencia, y que empleó prominentemente en su lanzamiento debut de 1967, David Bowie (para disgusto del mismo Newley, que destruyó la copia que recibió del editor de Bowie).25 183 La fascinación de Bowie por el music hall siguió emergiendo esporádicamente junto a diversos estilos como el hard rock y el heavy metal, el soul, el psychedelic folk y el pop.184

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La guitarra de Bowie en el Hard Rock Café de Varsovia.

El musicólogo James Perone observa el empleo de Bowie de cambios de octava para diferentes repeticiones de la misma melodía, ejemplificado en el sencillo comercialmente sobresaliente «Space Oddity», y más tarde en la canción «Heroes», para efectuar un efecto dramático; Perone nota que «en la parte más baja de su registro vocal […] su voz tiene una riqueza casi parecida a la de un crooner».185

El instructor de voz Jo Thompson describe la técnica del vibrato vocal de Bowie como «particularmente deliberada y distintiva».186Schinder y Schwartz lo describen como «un cantante de una extraordinaria capacidad técnica, capaz de entonar para un efecto en particular».187 Aquí también, como en su técnica escénica y composición, la naturaleza camaleónica del cantante es evidente: elhistoriográfo Michael Campbell dice que la lírica de Bowie «detiene nuestro oído, sin duda. Pero Bowie continuamente cambia de persona a persona a la forma de entregarla […]. Su voz cambia dramáticamente de sección a sección».188

Bowie es multiinstrumentista, tocaba entre otros guitarras eléctricaacústica y de doce cuerdassaxofón altotenor y barítonoteclados,pianosintetizadoresmellotronarmónicastylophonexilófonovibráfonokotobateríapercusión e instrumentos de cuerda como laviola o el violonchelo.189 190 191 192

Composiciones[editar]

Las composiciones de Bowie están basadas en letras filosóficas y literarias. Canciones como «The Width of a Circle», «Quicksand» y «The Superman» están influidas por elbudismo, el ocultismo, el misticismo y el concepto Übermensch de Friedrich Nietzsche.193 194 La primera de ellas, según distintas interpretaciones, alude a un encuentro sexual con Dios o el Demonio u otro ser sobrenatural en el Infierno.195 196 197 Sin duda, las composiciones de su etapa inicial está influidas por la poesía y los escritos de Aleister CrowleyWilliam Hughes Mearns y H. P. Lovecraft,198 y «The Jean Genie» es una referencia a Jean Genet.199

Con estas influencias Bowie creó un mundo nuevo a través de su música. «Oh! You Pretty Things» de Hunky Dory (1971) es un claro ejemplo de ello, utilizando conceptos de ciencia ficción de homo superior de una manera «incuestionablemente gay y burlona».200 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars es otro ejemplo; el álbum trata una historia de ciencia ficción creada por Bowie.201 La canción «Five Years», por ejemplo, habla de forma desesperada sobre el fin del mundo a cinco años vista,124y es uno de los muchos ejemplos en los que Bowie coquetea con el derrumbe de la sociedad. Diamond Dogs también se centra en una visión postapocalíptica del mundo.202Posteriormente, Outside, vuelve a retomar en un álbum conceptual con historias y personajes creados por el mismo artista.203 Heathen refleja sus impresiones sobre los atentados del 11 de septiembre de 2001, con letras enfocadas en la degradación de la humanidad. Finalmente, en su disco Reality medita sobre su carrera y en la canción queda título al álbum canta: «I’ve been right and I’ve been wrong/I look for sense but I get next to nothing/ Hey boy welcome to reality»(«He acertado y me he equivocado / Busco un sentido pero no consigo nada / Bueno, chico bienvenido a la realidad»).204

Legado[editar]

Las innovadoras canciones y la puesta en escena de Bowie llevaron una nueva dimensión a la música popular de la década de 1970, influyendo sobre sus formas inmediatas y su desarrollo posterior. Pionero del glam rock, Bowie, según los historiadores de la música Schinder y Schwartz, es responsable, junto con Marc Bolan, de haber creado el género.205 A la vez, inspiró a los innovadores del movimiento punk. El historiador de la música Michael Campbell lo llamó «una de [sus] influencias seminales». Mientras que los músicos de este género destruyeron las convenciones del estrellato pop, Bowie siguió adelante, creando un estilo más abstracto que luego se convirtió en una influencia transformadora. Buckley comentó: «En los tiempos en los que el punk estaba reclamando la canción pop de tres minutos de duración para mostrar su rebeldía, Bowie abandonó casi por completo la instrumentación tradicional del rock».206 207 Su discográfica buscó transmitir su originalidad en la música popular con el eslogan: «Está el old wave, está el new wave y está Bowie…».208 El musicólogo James Perone le acredita el haber «brindado sofisticación al rock» y las reseñas de los críticos frecuentemente reconocen la profundidad intelectual de su trabajo y su influencia.205 209 210

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Bowie entró a formar parte delSalón de la Fama del Rock en 1996.

Buckley escribió que en un mundo pop de principios de la década de 1970, descrito como «inflado, presumido, revestido de cuero, satisfecho de sí mismo […] Bowie cambió las creencias fundamentales dentro del rock de su tiempo». Como John Peel lo describe: «La característica fundamental del rock progresivo de principios de 1970 es que no progresaba. Antes de que Bowie llegara, la gente no quería demasiados cambios». Buckley dijo que «subvirtió enteramente el concepto de lo que una estrella de rock debe ser», con el resultado de que «después de Bowie no hubo ningún ícono pop de su altura, porque el mundo pop que produce esos dioses del rock ya no existe. […] El feroz partidismo del culto a Bowie es también único; su influencia duró más y fue más creativa que quizás ningún otro ente dentro del fanatismo del pop». Buckley concluye: «Bowie es una estrella y un ícono. Su trabajo […] ha creado quizás la mayor adoración en la cultura popular. […] Su influencia ha sido única en la cultura popular: ha permeado y alterado más vidas que ninguna otra figura comparable».8

Se incluyó a Bowie en el Salón de la Fama del Rock en 1996.111 Debido a su perpetua reinvención, su influencia continúa ampliándose y extendiéndose: el crítico musical Brad Flilicky expresó que a lo largo de las décadas, «Bowie empezó a ser conocido como un camaleón musical, cambiando y dictando tendencias, alterando su estilo para encajar», influyendo sobre la moda y la cultura pop en un grado «sólo equiparable a Madonna».211

Influencia[editar]

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Bowie ha influido a muchas bandas y artistas.Pixies comenzaron a tocar juntos después de queJoey Santiago (en la foto) le enseñase su música aFrank Black.

La influencia de Bowie continúa siendo inmensa, musical y socialmente.8 212 Por ejemplo, según muchos autores, al incorporar personajes andróginos como Ziggy Stardust y Aladdin Sane en su etapa de glam rock de los años 1970, que comunicaban un lenguaje sexual, Bowie creó una clase adolescente independiente al tiempo que ayudaba a movimientos como la liberación gay, aunque sin participar de forma directa en ellas.213En esa etapa, también ayudó a crear un nuevo tipo de moda en el rock y puestas en escena que todavía se siguen usando.214 215 Además, fue votado por más de cien estrellas del pop como el artista con más influencia en ellas en una edición de la revista New Musical Express.212

Musicalmente, sus álbumes han sido muy influyentes. The Man Who Sold the World (1970), por ejemplo, ha sido citado como una influencia para elrock gótico, el dark wave y los elementos de ciencia-ficción de artistas como Siouxsie and the BansheesThe CureGary NumanJohn FoxxNine Inch Nails y Nirvana.216 En 1993, la banda regrabó «The Man Who Sold the World» para su disco en directo MTV Unplugged in New York. Tras su etapa glam produjo álbumes como Diamond Dogs (1974), cuyas guitarras crudas y sus visiones de caos urbano, niños mendigos y amantesnihilistas han sido citados como una anticipación a la revolución punk de bandas como The Germs y Sex Pistols, que tendría lugar algunos después.217 En 1976 se publicó el alabado álbum Station to Station, descrito como «enormemente influyente sobre el post punk» y que influyó a la banda Magazine.218 219 En el año siguiente, “Heroes” (1977) influyó el álbum Double Fantasy (1980) de John Lennon y Yoko Ono.220 221

Sus trabajos de la década de 1980, especialmente la canción «Ashes to Ashes» y su video, mostrando la creatividad de Bowie, aportaron la base para un nuevo movimiento musical en ese tiempo, llamado new romantic, influyendo artistas como Blitz KidsKeanan Duffty y Steve Strange.222 223De hecho, la crítica mencionó que esta canción es considerada el himno de los músicos de este movimiento.224 Pixies comenzó en 1986 cuandoJoey Santiago mostró a Black Francis la música de Bowie y el punk; luego comenzaron a improvisar juntos.225

La influencia de Bowie continúa hoy en día, pues algunos artistas de diversos géneros y países han declarado ciertas influencias de él en sus trabajos. Algunos ejemplos incluyen a Marilyn Manson (de hecho, Bowie es su máxima influencia),226 Boy GeorgeGroove Armada (especialmente su álbum Black Light),SpacehogNeïmoArckidStacey Q,227 Buck-Tick,228 Lady Gaga,229 y muchos otros. Como sugiere el biógrafo Thomas Forget: «Debido a que ha tenido éxito en tan dispares estilos musicales, es casi imposible encontrar un artista popular que no haya sido influido por David Bowie».230

Premios y reconocimientos[editar]

Artículo principal: Premios y nominaciones de David Bowie

El primer éxito de Bowie, «Space Oddity» de 1969, le supuso el premio especial Ivor Novello por su originalidad.231 Ganó, por su actuación en la película de ciencia ficción de 1976 El hombre que vino de las estrellas, el premio Saturn en la categoría de mejor actor.232 En las siguientes décadas ha recibido numerosos premios por su música y sus videos de acompañamiento, recibiendo, entre otros, dos premios Grammy233 234 y dos BRIT Awards.235

En 1999, Bowie recibió el grado de Commandeur des Arts et des Lettres otorgado por el gobierno francés.236 Ese mismo año recibió un doctorado honorífico de la Berklee College of Music.237 Sin embargo, rechazó el KBEnota 1 de la Orden del Imperio Británico en 2000 y un título de Caballero en 2003,238 diciendo: «Nunca aceptaré algo así. Realmente no sé para qué sirve. No es por lo que me he pasado la vida trabajando.»239

A lo largo de su carrera ha vendido aproximadamente 136 millones de discos.240 En el Reino Unido ha recibido 9 discos de platino, 11 de oro y 8 de plata, mientras que en Estados Unidos ha recibido 5 de platino y 7 de oro.241 242 En la encuesta realizada en 2002 por la cadena BBC de 100 Greatest Britons, le situaron en el puesto número 29.240En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el número 39 de su lista de Los 100 mejores artistas de rock de todos los tiempos243 y en el puesto 23 de los mejores cantantes de todos los tiempos.244 Bowie ingresó en el Salón de la fama del Rock el 17 de enero de 1996

Constitución, Democracia y Tolerancia en el México actual

CONSTITUCIÓN, DEMOCRACIA Y TOLERANCIA EN EL MEXICO ACTUAL

Por José Ramón González Chávez

El avance de la ciencia en general y particularmente de las ciencias sociales, ha puesto en evidencia que no existen verdades únicas, ni absolutas; que nadie puede tener patente sobre la concepción de la realidad, al contrario, hay más que nunca presenciamos que lo que podemos llamar Verdad, solo es posible construirla a partir de la suma de todas las verdades posibles, siempre que nos sujetemos todos a las mismas reglas y procedimientos.

Esto en la práctica política y social aplica totalmente. Como sabemos, el disenso es un presupuesto de la democracia; si todos pensáramos igual, no la necesitaríamos, de ahí que la tolerancia sea uno de los valores democráticos y de ética social fundamentales y uno de los pilares que sostienen todo Estado Constitucional.

Sin embargo, cuando hablamos de tolerancia no debemos hacerlo en el sentido de tener que “sobrellevar, aguantar o sufrir al otro”, con lo que nos pondríamos cerca de una especie de sacrificio al estilo religioso, sino más bien entenderla como una actitud que nos permita reconocer y aceptar al otro, escucharlo para comprenderlo, contrastar sus ideas con las nuestras a fin de diluir las diferencias y encontrar puntos de acuerdo en lo fundamental respecto a lo que nos concierne a todos y así estar en posibilidad de construir un proyecto colectivo factible.

De ahí que la tolerancia sea un presupuesto de todo régimen democrático que ofrece exponer en un marco de civilidad, diversidad de opiniones, preferencias, visiones y proyectos sujetos a ser confrontados mediante el diálogo, a fin de diluir las controversias y encontrar puntos de acuerdo en lo fundamental. Al final de cuentas eso significa la palabra política, la verdadera política: lo que atañe a la polis, lo que nos incumbe a todos los ciudadanos, aquello en lo que podemos estar de acuerdo haciendo a un lado los matices propios de nuestras diferencias personales o de grupo.

Es en este contexto que hay que considerar, las manifestaciones que miles de ciudadanos, desde sus autos, se llevaron a cabo el sábado y domingo pasados (30 y 31 de mayo del 2020) en 77 ciudades del país de 21 entidades federativas, teniendo en cuenta los siguientes aspectos bajo las siguientes premisas:

1. La Libertad de expresión y por consecuencia el Derecho a la libre manifestación de las ideas, son derechos fundamentales consagrados en la Constitución Política de los Estados Unidos Mexicanos (arts. 6° párrafo segundo, apartado B), fracciones IV y V) , y como tales son de carácter universal, inalienables, independientes de la política o la economía; más aún, son prerrogativas ciudadanas, es decir, una combinación de derecho ciudadano y obligación de índole ética política.

2. De ahí que el poder público, sus ramas y órganos en los distintos órdenes de gobierno, tal como consagra también nuestra Carta Magna (art. 1°), tiene la obligación de respetarlos, promoverlos, defenderlos y ante todo, garantizarlos. En tal sentido denostar, discriminar, minimizar mediáticamente y sobre todo no escuchar sus planteamientos y estrategias sería característico de regímenes autoritarios y fundamentalistas, impropio de estados constitucionales como el nuestro.

3. A lo largo de la historia del mundo occidental, al menos desde la época de la ilustración a nuestros días –los ejemplos sobran en el mundo y en México-, los primeros en protestar por las condiciones políticas, económicas y sociales han sido los pequeños propietarios, los comerciantes, los intelectuales. A ese sector de la ciudadanía Marx y Lennin le llamaron “la vanguardia revolucionaria”, de hecho Marx y Engels estaban en ese sector de la población.

4. Denostar o pretender minimizar de forma intolerante las manifestaciones del fin de semana pasado con el falso argumento de que se trató de “puro fifi dueños de coches de lujo” refleja en quienes así se han expresado un padecimiento de ceguera política, pues A) suponiendo que así hubiese sido –que no lo fue, hay una buena cantidad de fotos y videos que así lo muestran- en cualquier sociedad que se jacte de ser democrática todos los ciudadanos tienen iguales derechos, obligaciones y prerrogativas y en ese sentido gozan del pleno derecho de manifestar sus ideas preferencias y planteamientos, a lo que B) quienes no estuvieren de acuerdo tienen primero la obligación de escuchar y comprender con tolerancia sus argumentos, y luego el derecho de replicar, debatir y argumentar exponiendo su versión, pero nunca de anular esa posibilidad al otro, o considerarlo como adversario, o peor aún, como enemigo, lo cual sería a todas luces antidemocrático.

5. Considerar a quienes marcharon y sobre todo a quienes ellos representan como una minoría insignificante, es otra aflicción de oftalmología política, pues bajo el supuesto expresado por los detractores de las “manifestaciones sobre ruedas” de hace unos días, hay que recordar que no hay trabajadores ni obreros sin empresas. Lo que se denomina la micro, pequeña y mediana industria representa el 90% de los empleos formales a nivel nacional y el 85% del total de quienes pagan impuestos, de donde se financian entre otras cosas, los distintos proyectos y programas gubernamentales.

6. Estas manifestaciones se realizaron en 77 ciudades de las más grandes del país, lo cual, a diferencia también de lo que han opinado sus detractores, está lejos de ser un “asunto menor” por lo que ni siquiera vale la pena ocuparse de ello. Eso tiene sin duda muchas lecturas y una de ellas habla de la capacidad de convocatoria y organización de ese grupo, lo que debería verse con mayor acuciosidad, dado que como lo afirmó dicho grupo por distintas fuentes, es solo el primero de una serie de actos que se llevarán a cabo de aquí en adelante.

7. Otros detractores más han expresado que esa no es la vía, ni el modo, y que para eso están las elecciones. En este caso, ellos también sufren del mal de amnesia política y social, pues han olvidado que este es uno de los medios más fuertes que empleó durante más de 18 años de campaña el ahora presidente y su grupo para llegar al gobierno. Imposible sería imaginarse que la única opción de su estrategia política para lograr el triunfo en las urnas hubiera sido dedicarse en exclusiva a participar en los procesos electorales.

Se esté de acuerdo o no con los principios y fines de quienes se manifiestan, todos los ciudadanos en un espíritu democrático volteriano tenemos la obligación de respetar y defender el derecho que tienen a hacerlo, y para el gobierno en turno la responsabilidad de escuchar para comprender e integrar.

La unidad, no la división, es la fórmula para superar nuestras debilidades y desafíos, económicos, políticos y sociales. Sumando, se multiplica y se avanza; restando, se divide y se retrocede.

La Constitución mexicana: ¿Es o no es la de 1917?

A partir de un comentario que hace unos días me hiciera un colega respecto de la vigencia o no de la Constitución de 1917 y en tal sentido, recordando un texto de don Diego Valadés que leí cuando nuestra Carta Magna cumplió 100 años[1], me surgió la idea de compartir con ustedes la siguiente reflexión. Espero sea de su interés y genere sus comentarios.

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LA CONSTITUCIÓN POLÍTICA MEXICANA, ¿ES O NO ES LA DE 1917?

Por José Ramón González Chávez

Desde la época prehispánica, para los mexicanos la realidad es producto del vínculo inseparable entre vida y movimiento (ollin-yoliztli), y esta cualidad del ser y trascender humano es perfectamente aplicable a la realidad constitucional, pues el Derecho en general y la Constitución en particular, son productos culturales y la cultura nunca se detiene.

Como he escuchado y leído en aportes de varios juristas, la Constitucion de 1917 es a la vez momento, documento y ordenamiento. De ahí que la línea de tiempo que nos da el centenario de su promulgación, debe llevarnos a pensar al mismo tiempo en nuestra historia constitucional; en el valor del texto constitucional mismo para nuestra vida democrática y en general para la doctrina constitucional del presente; y para la génesis política y social del proyecto jurídico político que de aquí en adelante queremos y requerimos como mexicanos.

Poco reparamos en que la Constitución mexicana es la octava más antigua del orbe y de ellas, la segunda de corte republicano, solo después de la norteamericana[2]. Aunque cada una de ellas es distinta, por ejemplo, la inglesa tiene sus raíces en la edad media, la Estados Unidos de Norteamérica se funda en el siglo de las luces, otras cinco (Bélgica, Canadá, Luxemburgo, Noruega, Países Bajos) en la filosofía y el pensamiento político de la monarquía constitucional del siglo XIX y la mexicana en el derecho y la doctrina social del siglo XX. No obstante, todas ellas persiguen a su manera y en su contexto los mismos objetivos, entre los que destacan:

  • Definir derechos fundamentales y sus garantías;
  • Establecer la estructura y organización del Estado;
  • Normar la forma y distribución de competencias y atribuciones de las ramas del poder público y ámbitos de gobierno;
  • Regular las relaciones entre gobernantes y gobernados;
  • Determinar las formas de control del ejercicio del poder público;
  • Prever los mecanismos para su reforma.

En todo caso, la constitucionalidad es un factor de cohesión eficaz, más aún en países que como el nuestro son tan heterogéneos en cuanto a sus elementos de integración nacional, tales como las etnias, las lenguas, las culturas, tradiciones, usos y costumbres, los climas, las orografías y hasta las religiones.

Sin duda, toda Constitución lleva en sí misma la huella genética de su respectivo pueblo. Su forma y fondo obedecen a un patrón propio de circunstancias de carácter histórico, jurídico, político, económico, social, cultural. Sin embargo, al menos en el caso de las constituciones de los ocho países que hemos mencionado, tienen en común que han surgido de procesos de independencia o revolucionarios, han sentado las bases para el perfeccionamiento del marco de derechos y libertades, así como de sus sistemas electorales, administrativos y jurisdiccionales y con ello, han podido avanzar en la consolidación de su democracia.

Cualquier Constitucion que pretendiera perpetuarse inalterada, soñando con un régimen inalterable, está condenada a su extinción. Las sociedades abiertas no se pueden regir mediante regulaciones cerradas con precisión suficiente para dar certeza y seguridad, pero con amplitud suficiente para permitir el ejercicio de la libertad. En México, en cumplimiento al inexorable principio de Vida y Movimiento, el rostro constitucional se transforma siempre con el tiempo y la circunstancia.

En 1916-17 el proyecto original de modificar la Carta Magna de 1857 presentado por Venustiano Carranza al congreso constituyente de Querétaro, fue modificado sustancialmente al añadirse ya en el debate los derechos agrarios y laborales, además de principios como el de no reelección entre otros; ajuste mayor, natural y comprensible, pues se trataba de plasmar en la constitución restablecida las causas de las principales facciones revolucionarias. En 100 años, la Carta Fundamental mexicana ha sido objeto de 227 decretos que han modificado 697 veces 114 de sus 136 artículos.

Pero al contrario de lo que se piensa, estas reformas no han sido “parches” o pegotes a un texto ya establecido con anterioridad, ni en su gran mayoría han sido nimiedades. Para muestra, de forma meramente enunciativa, menciono las siguientes[3]:

  • Seguridad Social;
  • Voto de la mujer;
  • Igualdad Jurídica entre hombres y mujeres y género;
  • Composición fija de los legisladores de mayoría y de representación proporcional;
  • Sistema Electoral autónomo;
  • Tribunal Constitucional;
  • Derecho a la vivienda;
  • Derecho a la planificación familiar;
  • Derechos de los niños;
  • Derechos indígenas;
  • Mar patrimonial y espacio aéreo como parte del territorio del Estado;
  • Acceso a la información;
  • Derechos humanos y sus garantías;
  • Medios de control constitucional;
  • Autonomía Universitaria;
  • Derechos, estructura y organización de las telecomunicaciones;
  • Tenencia de la tierra;
  • Distribución de competencias en los distintos ámbitos de gobierno;
  • Planeación del desarrollo;
  • Nuevas relaciones estado-iglesias;
  • Cambio de régimen jurídico político del Distrito Federal
  • Principio Pro Persona
  • Control de Convencionalidad.
  • Nuevo sistema de justicia penal.

Pero vale decir que estas nuevas instituciones constitucionales, imprescindibles en la actualidad, conviven al mismo tiempo con errores o padecimientos que se vuelven cada vez más graves. Me referiré solo a los dos más importantes:

  1. Desde mi punto de vista se ha cometido el error de –si se me permite la expresión- sobre procedimentalizar los nuevos temas, que se manifiesta de manera cada vez más evidente a medida que los ejecutivos federal y locales han ido dejando de contar con la mayoría del congreso a su favor, a grado tal que en el último de los temas citados (el nuevo sistema de justicia penal) se parecía que cerca de 80% de las reformas aprobadas son de carácter procedimental, mismas que como en el caso de las demás, en condiciones normales de constitucionalidad bien podrían haberse remitido a la legislación adjetiva o “secundaria”.

Este padecimiento, por ejemplo, técnicamente provoca la necesidad de ajustes que complican el equilibrio y la vigencia del ordenamiento jurídico en su conjunto, ya que la reforma a algún precepto procesal constitucional, provoca reformas a una gran cantidad de artículos constitucionales, leyes y disposiciones, tal como sucedió recientemente, para citar solo tres casos, con el cambio de régimen de responsabilidades de los servidores públicos, la transformación del distrito federal a la ciudad de México y el nuevo sistema de justicia, que en su conjunto implicaron modificaciones que contabilizan el 14% de todos los cambios hechos a la constitucion en 100 años (!).

Utilizo las comillas al adjetivo “secundaria” de la legislación porque es precisamente esta expresión un reflejo claro no solo del positivismo jurídico del cual todavía no podemos deshacernos, sino del lugar que por lo mismo tiene el resto del ordenamiento jurídico respecto de la norma constitucional, como si la legislación derivada federal y sus respectivas locales no pudieran hacerse valer desde la actividad jurisdiccional con la misma fortaleza y contundencia que como sucede en la mayor parte de los casos en tratándose de disposiciones constitucionales, siendo que en el nuevo sistema la constitucion no está ya solo en la cúspide del ordenamiento jurídico (pirámide Kelseniana) como era en el sistema anterior, sino que ahora su esencia se encuentra en el núcleo que cada norma del sistema, independientemente de su naturaleza (constitucionalismo multinivel).

Quizá sea la razón por la que el constituyente ha pretendido dar rango de ley suprema a los aspectos procedimentales y hasta administrativos del precepto fundamental, por el miedo a que este fuera “interpretado” o ajustado a modo en la legislación ordinaria o reglamentaria por parte de los ejecutivos federal o locales en turno; pero también y a contrario sensu por el recelo del ejecutivo federal de que sus reformas constitucionales fueran “matizadas” en la legislación secundaria por un congreso de mayoría contraria.

Y tal vez por el mismo motivo, la reforma al sistema de justicia solo se circunscribió al tema penal y “se omitió” un rasgo que todas las constituciones mencionadas comparten, salvo la mexicana: la relevancia de las decisiones jurisdiccionales y de las prácticas políticas y administrativas como parte sustantiva del andamiaje constitucional, factores que permiten mantener la coherencia entre deber ser y el ser de la norma, conseguir una vigencia fresca y objetiva del ordenamiento jurídico y en consecuencia, abonar a su credibilidad y legitimidad.

De ahí que la constitucion mexicana, por la desconfianza política entre ejecutivos y legislativos federales y locales, la falta de cabildeo (práctica aun no reconocida oficialmente en el sistema político mexicano) y de negociación política (cada vez más ausente en los distintos órdenes de gobierno), sufra con acento cada vez mayor de una grave distorsión respecto de su naturaleza y características originales, lo que aunado a la sumisión relativa, o si se quiere, débil autonomía de los miembros de los órganos jurisdiccionales, ha llevado a la desconfianza social, así como a la falta de credibilidad y legitimidad de los ciudadanos respecto de las autoridades y con ello, al debilitamiento de todo el ordenamiento constitucional.

Es por ello que en el marco de la nueva constitucionalidad, la verdadera reforma al sistema de justicia en general, no solo la operada en materia penal, resulta imprescindible que las decisiones jurisdiccionales gocen de cada vez mayor independencia de la presión política del ejecutivo y legislativo en turno, lo que permitiría, conseguir la ya mencionada interacción ser–deber ser del derecho y la coexistencia norma–normalidad, esto es, la seguridad y confianza de los ciudadanos sobre sus instituciones y autoridades y por ende su adhesión espontánea a los preceptos fundamentales, actitud que debe ser característica en todo estado constitucional contemporáneo.

  • Debido a la cantidad de reformas que ha tenido y sigue teniendo a lo largo de más de 100 años, la Constitución mexicana tiene otro grave padecimiento: la creciente desorganización de sus temas y la disolución en ella de los bienes jurídicos que protege cada uno de sus artículos.

Tal vez, en aras de no alterar la Constitución en cuanto a la cantidad de sus artículos, el ejecutivo federal y el constituyente permanente en turno, han optado por que una gran cantidad de dispositivos se refieran a cada vez más y variados conceptos, que en ciertos casos ni siquiera tienen que ver unos con otros, ni con los títulos ni capítulos donde se les ha ubicado.

Hasta hace un poco más de tres décadas (recuerdo mis épocas de estudiante de derecho) era relativamente sencillo, con un poco de estudio, conocer el contenido de cada artículo constitucional y relacionar cada uno con un concepto general, por ejemplo: artículo primero universalidad de derechos y garantías; 2° no esclavitud; 3° educación, 4° igualdad jurídica, etc.

Esta claridad conceptual permitió entre otras cosas la tan amplia difusión que en su momento tuvo la obra “Mexicano: esta es tu Constitución”, de Don Emilio Rabasa, obra que en este momento implicaría un trabajo maratónico y de resultados muy relativos en términos de aportación a la cultura constitucional.

En la actualidad es extremadamente complejo determinar el contenido de cada artículo y más aún identificarlo con un concepto general.

Es por ello que resulta necesario emprender una profunda labor de reorganización y reordenamiento de contenidos, tal como ha sucedido en otros países que tienen constituciones “antiguas” como la nuestra (por ejemplo, entre las ya citadas: Bélgica, Luxemburgo, Noruega, Países Bajos) que sin alterar su estructura original la ponen al día y refrescan su contenido axiológico y normativo.

Así, en paralelo a esta tarea, debería contemplarse la posibilidad de fusionar preceptos, eliminar duplicidades y actualizar la redacción de apartados, a fin de hacerlos más claros y comprensibles para el grueso de la población, lo que facilitaría su eventual adecuación y les daría mayor estabilidad y permanencia, facilitaría la didáctica constitucional a todas las escalas, propiciando la construcción de una cultura constitucional renovada, capaz de ser sustentable en la práctica.

Con todos sus aciertos y sus problemas, con todas sus cualidades y desafíos, nuestra Constitución ahí está, reflejando a la vez nuestros logros, nuestras realidades y hasta nuestros sueños, como guía o referente de trazo que nos hace avanzar en nuestra ruta permanente en el andar siempre inacabado hacia nuestros valores absolutos, como la libertad, la igualdad, la democracia, la justicia.

De alguna suerte, la Constitución es la transposición del yo, el super yo y el ello Freudianos al ámbito del derecho y la política; refleja el ser, el deber ser y el tener que ser del Estado (población-territorio-poder) en un determinado momento. Es en este sentido y después de lo hasta aquí expuesto que considero que la pregunta sobre si la Constitución es o no es la que se promulgo el 5 de febrero de 1917 resulta en términos argumentativos un falso dilema: La Constitución es lo que debe ser y deberá seguir siendo para mantener y reconocer nuestros logros y conquistas, enfrentar los retos de nuestro presente y definir nuestras expectativas al porvenir y para tal fin debe tener siempre presente nuestro principio ancestral de vivir y afrontar la realidad en la eterna simbiosis entre vida y movimiento.


[1] Valadés, Diego, en “Los Grandes Temas Constitucionales”, textos introductorios a la obra de Fernández Ruiz, Jorge. “Derecho Administrativo”. Secretaría de Cultura, Secretaría de Gobernación, Instituto de Estudios Históricos de las Revoluciones de México, Instituto de Investigaciones Jurídicas de la UNAM. México, 2017. P. 25 y ss.

[2] En el caso de Suiza, país con 42,290 km2 (para referencia es de similar tamaño al estado de Yucatán que comprende 2% del territorio nacional) y 8.5 millones de habitantes (es decir, 1000% más que Yucatán que cuenta con 780 mil habitantes), cabe mencionar que su Constitución es “nueva” de derecho (1999), aunque antigua de hecho (1874), pues luego un siglo de vigencia sumaba de 150 reformas por lo que pensó en llevar a cabo una renovación sin sustituirla para evitar la inquietud de ciertos grupos conservadores, proceso que tardó más de 25 años y que solo logro aclarar contenidos y actualizar algunos conceptos, incorporando además algunas normas consuetudinarias.

[3] Cada una de las cuales, por cierto, podría y debería ser sujeto de amplios y profundos análisis de carácter constitucional desde el enfoque constitucional contemporáneo

Un Chapuzón en la Tina del Grunge

UN CHAPUZON EN LA TINA DEL GRUNGE

Bodas de Plata del Sonido de Seattle.

Por Jose Ramon Gonzalez

También conocido como Sonido de Seattle, el Grunge surgió a finales de los 80 en los bares de Seattle de la zona del mercado central, apoyado por disqueras alternativas, como SubPop.

Se ubica dentro de lo que se ha denominado “Rock Alternativo” y se dice que tiene ingredientes del punk, del hard rock y hasta del rock clásico.

Se cree que el término “grunge” proviene de una pronunciación relajada del adjetivo “grungy”, que en el inglés popular gringo se usa como sinónimo de dirty, sucio, mugroso, o filthy, inmundo, de porquería. De hecho hay un estilo de pintura que así se denomina (ver foto inicial de esta entrada)

Se le atribuye a Mark Arm, vocalista del grupo Green River y luego de Mudhoney, como el primero que utilizó el término “grunge”, refiriéndose a un nuevo estilo musical. La uso en una carta (no había mails entonces) que mando con su nombre de Mark McLaughlin, a la revista de Seattle Desperate Times”, en la que criticaba a su anterior banda Mr Epp and the Calculations a la que llamó “Pure Grunge! Pure white noise! Pure shit!” (“¡Basura pura! ¡Ruido puro blanco!, ¡Mierda pura!”)

El director de la revista, Clark Humphrey, mencionó que esta sería la primera vez que se utilizaba la palabra Grunge para referirse a una banda de Seattle y añadió que Bruce Pavitt de la disquera Sub Pop, popularizaría el término al usarlo frecuentemente para describir el estilo de Green River. Así, a pesar de que originalmente Arm usó el término de forma despectiva, acabó sin querer denominando uno de los géneros musicales más populares del Rock

Las características distintivas del sonido grunge son sus guitarras fuertemente distorsionadas y enérgicas, melodías vocales guturales bitonales, con riffs pegajosos e insistentes, baterías intensas y predominantes;

Sus letras se caracterizan por reflejar apatía y desencanto, el disgusto por la enajenación y la marginación, los prejuicios sociales, el deseo de libertad, aspectos distintivos de lo que se dio en denominar “La generación X”.

Se expandió a nivel mundial durante la primera mitad de los noventa, gracias al impulso provocado por el éxito de tuvieron lo que desde mi punto de vista son dos de los mejores álbumes del rock: “Never Mind” de Nirvana y “Ten” de Pearl Jam. con los que el Grunge se convirtió en el signo distintivo de la década y precedente de gran influencia en el rock de las décadas posteriores hasta la fecha, lo que puede apreciarse con toda claridad en grupos como por ejemplo Foo Fighters.

Fue también una respuesta rebelde y subterránea (underground) al género mega comercial y casi caricaturesco llamado “Metal” (y sus variantes) que imperaba en esos momentos, representado en grupos como Motley Crue, Ratt, Bon Jovi, que tenían letras sexistas, machistas y hasta discriminatorias que hacían referencia al consumo de drogas y alcohol o a sus “logros” sexuales.

Pero también dan homenaje a veces tácito, a veces expreso, al legado de grandes grupos como Black Sabath, Led Zepelin, y de grandes rockeros como Neil Young,  cuya influencia para Pearl Jam, por ejemplo, ha destacado el propio Eddie Vedder.

Y un caso de éxito de la mezcla del Punk con el heavy metal iniciado por grupos como The U Men.

Comenzó a hacerse realmente popular a nivel mundial una vez que se le dio difusión y se acepto en el Reino Unido, gracias a revistas como Melody Maker.

La misma ubicación de Seattle como ciudad que no tiene quizá el impacto comercial de Los Angeles o Nueva York, pero sí una gran actividad como puerto de comercio internacional que culturalmente le da un carácter cosmopolita , refleja bien de la característica del género.

Nació en un ambiente aislado, propio, a partir de la influencia de grupos de punk como Sonic Youth o The Pixxies (a decir de Curt Cobain este grupo fue de gran influencia para Nirvana, de hecho, los estribillos de algunas de sus canciones fueron tomadas de base para algunas de sus piezas); otros casi locales como The Fartz, The U-Men, 10 Minute Warning, The Accused y The Fastbacks y otros de sonido lento, más pesado, como el de The Melvins.

En pleno surgimiento del mundo global, y por la impronta cosmopolita de Seattle, el Grunge y sus baluartes sufrieron los embates de la globalización, inmediatamente los disqueros globales se abalanzaron sobre ellos y quisieron meterlos en sus dominios, sin embargo muchos de los grupos prefirieron apostarle a la congruencia entre sus dichos y hechos, resistiendose al canto de las sirenas y como buenos rebeldes decidieron permanecer en un ambiente marginal, tal como habían sido sus orígenes y como lo expresan la música y letra de sus canciones.

Tras el éxito de Nirvana, de inmediato otros grupos de Grunge comenzaron a hacer la réplica. El álbum debut de Pearl Jam, Ten, a pesar de que fue lanzado un mes antes que Nevermind, comenzó a acelerar sus ventas en 1992. Para la segunda mitad de dicho año, se convirtió en el segundo gran éxito del Grunge, al ser certificado como disco de oro en los Estados Unidos y alcanzar el número dos en las listas del Billboard.

La oleada alcanzó a los álbumes Badmotorfinger de Soundgarden y Dirt de Alice in Chains, que entraron en la lista de los 100 álbumes más vendidos de 1992. La discográfica AM Records aprovechó el éxito comercial del Grunge y volvió a lanzar el álbum del proyecto Temple of the Dog, el cual un año antes apenas había alcanzado las 70.000 copias vendidas.

El sello aprovechó que el álbum era de hecho una colaboración entre Pearl Jam y Soundgarden para catapultar a tal grado sus ventas que alcanzó el millón de copias vendidas y la certificación de platino por parte de la Asociación Mundial de Disqueras RIAA.

Temple of the Dog: https://www.youtube.com/user/TempleOfTheDogVEVO

El impacto del Grunge comenzó a alcanzar dimensiones insospechadas. La revista Roling Stone  nombró a Seattle como “el nuevo Liverpool”.

Las grandes compañías discográficas se enfocaron con mayor fuerza en la ciudad y comenzaron a contratar a las restantes bandas de Seattle, mientras una segunda oleada de bandas empezó a emigrar a la ciudad con la esperanza de alcanzar el éxito.

The Melvins

Otro de los grupos pioneros, tambien originarios de Seatlle, fundado en 1983 por Buzz Ossborne “King Buzzo” (guitarra y voz), Matt Lukin (bajo); Mike Dillard (Batería) y Dale Crover (1984, batería, percusión y vocalista).

El nombre de la banda se debe a un muchacho que Buzz conoció cuando trabajaba de oficinista en Montesano Washington. Melvin era el tipo más odiado que trabajaba ahí y entonces los miembros de la banda propusieron aquel nombre como el más ridículo (y el más apropiado).

Con influencia del Hard Rock (Black Sabath) y del Punk (Black Flag)

Ha tenido una influencia directa sobre grupos como Nirvana y Mudhoney. Sin embargo su especial sentido del humor y su calidad excecpcional (¡!) los han mantenido en un lugar marginal, aunque en el medio han sido muy respetados, a tal grado que hay quien los considera los padres del Grunge.

Al dividirse el grupo se formaron otros como Green River; sin embargo, The Melvins se ha mantenido hasta el momento.

We are doomed: https://www.youtube.com/watch?v=_-KjztYK9iY

Aquí en una versión en vivo en el One Eyed Jacks de Nueva Orleans, dentro de su gira de 30 aniversario (2013).

We are Doomed   It’s amazing Turn around and look at the whole thing All together and take a big black bite of me     I was lonely, and there ain’t a whole lot of holding on, going on   You were dreaming I slept while you did the thinking Thought a long time and took a big green bite of me   He was crazy, and there ain’t a whole lot of holding on, going on   We were happy Don’t know which way I was crawling Shook around here, and stole a big mean bite of me     It was heavy, and there ain’t a whole lot of holding on, going on   Monotone gaze and I won’t forget it Mini tone monster tower now you won’t need it   You said no one cares, no one cares about you I’m amazed how you move around like you have toEstamos condenados   Es sorprendente, voltea y mira todo alrededor, todo junto, y toma una grande y negra mordida de mí.   Estuve solo, y no hay mucho de dónde agarrarse, a donde seguir.   Estabas soñando, Yo dormía mientras hacías que pensabas, lo pensaste por mucho tiempo y tomaste una grande y verde mordida de mí.   Él estaba loco, y no hay mucho de dónde agarrarse o a donde seguir. Éramos felices No sé por qué camino me andaba arrastrando, me sacudí de todo alrededor y robé una grande y cruel mordida de mí. Fue pesado y no hay mucho de dónde agarrarse o a dónde seguir.  Observación monótona y no la olvidare, torre monstruosa mini tono, ahora no la necesitarás.   Dijiste que a nadie le importa, que a nadie le importas. Estoy sorprendido de cómo te mueves alrededor como si tuvieras que hacerlo.  

Green River

Grupo originario de Seattle, activo entre 1984 y 1987. A pesar de que no lograron un impacto comercial relevante, es quizá uno de los grupos que más fuertemente influyó en el posterior desarrollo de la escena musical de Seattle y en el surgimiento del Grunge (puede decirse que es el primer grupo en grabar y lanzar un disco de Grunge.

Formado por Mark Arm como guitarrista y vocalista, Steve Turner como guitarrista, Jeff Ament en el bajo y Alex Vincent en la batería. Luego se incorporó Stone Gossard en la guitarra en reemplazo de Mark debido a que este quería concentrarse del todo en ser solo vocalista.

Su primer disco fue Come on down (1985), incluso Nirvana citó un estribillo de Come on Down en Never Mind (“What was it any way”?)

Su último disco fue Rehab Doll grabado en 1987.

El grupo fue precursor de los grupos Mudhoney y del más famoso: Mother Love Bone, de donde salió Pearl Jam.

C’mon down to the river… Lift your eyes to the skies above Come on in, feel my love A little bit here, a little piece there Pieces of love everywhere C’mon down to the river… The river runs shallow, the river goes Deep The river calls in your sleep Dig this baby, now dig this hole our body’s so warm, the river’s so cold And you’re the one I want to hold You’re the one I want to hold You’re the one to fill this hole You’re the one I got to hold C’mon down to the river…Ven río abajo, levanta tus ojos al cielo. Entra, siente mi amor, un poco aquí, un pedacito allá, pedazos de amor por todos lados. Ven río abajo, corre lento, va profundo. El río te llama en tu sueño, escarba esto bebe, ahora escarba este hoyo. Nuestro cuerpo está tan caliente, el río está tan frío, y eres lo único que quiero conservar, eres lo único que puede llenar este hueco, eres lo único que tengo que conservar, ven río abajo…
  • This Town (Dry as a bone/(Rehab Doll)

Mudhoney

Fundado en 1988, a partir de la desaparición de Green River.

Su EP debut es Superfuzz Bigmuff, caracterizado por un sonido crudo que marcaría el futuro del grupo, fusionando influencias proto-punk con la energía garage de los principios del grunge.

En 2002 se retira Matt Lukin y entra Guy Madison, quien tocaba en la banda paralela de Mark Arm. A pesar de haber coincidido con todo el boom grunge se mantuvieron como una banda de culto.

Sigue sacando discos con relativa frecuencia pero con mucho menos éxito que durante la época dorada del grunge

Touch me I’m Sick: https://www.youtube.com/watch?v=_nGsT_qFMBs

Touck Me I’m Sick   I feel bad, and I’ve felt worse I’m a creep, yeah, I’m a jerk   Come on Touch me, I’m sick   wow I won’t live long, and I’m full of rot Gonna give you – girl – everything I got   Touch me, I’m sick, yeah Touch me, I’m sick   Come on baby, now come with me If you don’t come You’ll die alone   I’m diseased, I don’t mind I’ll make you love me ‘till the day you die   Come on Touch me, I’m sick Ahhh Fuck me, I’m sick   Come on baby, now come with me If you don’t come You’ll die alone  Tócame, Estoy Enfermo   Me siento mal y me he sentido peor. Soy un teto, sí, soy un imbécil. Vamos, tócame, estoy enfermo. Wow, no viviré mucho, te daré nena todo lo que tengo. Tócame, estoy enfermo, sí, tócame estoy enfermo. Ven nena, ven conmigo, si no vienes morirás sola. Estoy agonizante, no me importa, haré que me ames hasta el dia que mueras. Vamos Tócame estoy enfermo Ahh Fóllame estoy enfermo, vamos nena, ven conmigo, si no vienes morirás sola.

I like it small: https://www.youtube.com/watch?v=7511NXJNV8o

Mother Love Bone

En 1988 Stone Gossard y Jeff Arnent de Green River, se unieron al cantante Andrew Wood, ex vocalista del grupo Malfunkshun para formar un nuevo grupo llamado Mother Love Bone, que se caracterizó por un estilo que mezclaba el Glam Rock con el Punk.

En 1989 logró un contrato con Polygram, iniciando de inmediato las grabaciones de lo que sería su primer álbum “Apple”, pero el proyecto se frustró por la muerte por sobredosis de heroína de su cantante Andrew Wood. En la búsqueda de nuevos integrantes para hacer otro grupo ex integrantes de Mother Love Bone se topan con Eddie Vedder un surfista que en sus ratos libres se dedicaba a la poesía y es así que se forma Pearl Jam.

Holly Roller: https://www.youtube.com/watch?v=ylkcJAhefEs

Pearl Jam

Pearl Jam tuvo su primer éxito comercial con “Ten” que continuaría con su segundo álbum, “Vs”, lanzado en 1993, más cercano a influencias Hippies y del Folk Rock del tipo Neil Young, Grateful Dead o Tim Buckley. Casi un millón de copias en su primera semana de lanzamiento, lo cual fue un récord de ventas en los Estados Unidos durante varios años, alcanzando al mismo tiempo el primer lugar de las listas de Billboard y el Top Ten en la misma semana, todo ello a pesar del sonido más crudo y abrasivo que su antecesor.

Hasta la fecha, Pearl Jam es de los pocos grupos exitosos que sigue en activo. Tiene editados diez álbumes, consiguiendo perdurar e influir en la opinión pública a pesar de su sostenida actitud anticomercial.

Versión en vivo 1991 Seattle.

Versión unplugged

Narra la historia de Jeremy Wade Delle, nacido en Texas, quien a los 16 años, un 8 de enero de 1991, se suicidó frente a sus aproximadamente 30 compañeros de clase.

La noticia en el periódico dejó suficientemente impresionado a Eddie Vedder, quien hizo una canción del hecho.

La letra narra la falta de atención que los padres prestaban al adolescente, objeto de burlas y bromas de otros, lo que podría haberlo llevado al suicidio.

At home, drawing pictures Of mountain tops With him on top Lemon yellow sun Arms raised in a V And the dead lay in pools of maroon below   Daddy didn’t give attention Oh, to the fact that mommy didn’t care King Jeremy The Wicked Ruled his world Jeremy spoke in class today   Clearly I remember Pickin’ on the boy Seemed a harmless little fuck But we unleashed a lion Gnashed his teeth And bit the recess lady’s breast   How could I forget And he hit me with a surprise left My jaw left hurting Dropped wide open Just like the day Oh, like the day I Heard   Daddy didn’t give affection, no! And the boy was something that mommy wouldn’t wear King Jeremy The Wicked Ruled his world Jeremy spoke in class today   Try to forget this (try to forget this) Try to erase this (try to erase this) From the blackboard Jeremy spoke in class today Spoke in…En casa, haciendo dibujos de cimas de montañas con él en lo alto un sol amarillo limón, ls brazos levantados en V y, allá abajo, el lecho muerto en estanques de marrón. Papi no puso atención al hecho de que a mami no le interesara. El Rey Jeremy el perverso rigió su mundo ,Jeremy habló en clase hoy. Claramente recuerdo regañando al muchacho, parecía una tontería inofensiva, pero desatamos un león. Rechinó los dientes y mordió el pecho de la prefecta, cómo podría olvidarlo, y él me golpeó con un dejo de sorpresa. Mi mandíbula me quedo doliendo, caída, con la boca abierta, como en el día en que lo escuché. Papi no dio afecto, no! y el chico fue un objeto que mami no podría ponerse. El Rey Jeremy el perverso regía su mundo, Jeremy habló en clase hoy. Trata de olvidar esto, trata de olvidar esto. Desde el pizarrón Jeremy habló en clase hoy, habló hacia dentro…  

Nirvana

Grupo originario de Aberdeen Washington, comenzó a ser cortejado por sellos importantes, hasta que firmaron con Geffen Records en 1990, realizando su primer álbum para la marca y segundo de su carrera: “Never Mind”. Cuya grabación comenzó el 27 de septiembre de 1991.

Geffen esperaba un éxito menor comparado al que obtuvo con “Sonic Youth” con su Album “Goo”, lanzado un año antes.

Fue el lanzamiento del primer sencillo del álbum, “Smells like Teen Spirit” el que señaló la instauración del grunge como fenómeno musical”. Gracias a la transmisión constante del vídeo de la canción en MTV, Nevermind vendió 400.000 copias en una sola semana, en diciembre de 1991. Para enero de 1992, el disco reemplazó al álbum Dangerous de Michael Jackson del número uno de la lista de álbumes del Billboard.

Smells like Teen Spirit: https://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeg

El éxito de Nevermind tomó por sorpresa a la industria musical. El álbum no sólo se convirtiría en paradigma del Grunge, sino que también establecería la “viabilidad cultural y comercial del rock alternativo en general”.

Nevermind simbolizó “un cambio radical en el Rock que había hasta entonces sido dominado por el Glam Metal, que fue reemplazado por una música mucho más auténtica y relevante en términos culturales.

El siguiente álbum de Nirvana, In Utero, lanzado en 1993, fue concebido como un disco intencionalmente abrasivo y difícil. Krist Novoselic, bajista de Nirvana, lo describió como de “un salvaje sonido agresivo, un verdadero álbum alternativo”.  Sin embargo, alcanzaría la cima de la listas de Billboard en octubre de 1993.

In Bloom: https://www.youtube.com/watch?v=PbgKEjNBHqM

Rape me: https://www.youtube.com/watch?v=wt0qhMEg-Xk

Rape me, rape me my friend Rape me, rape me again I’m not the only one   Hate me Do it and do it again Waste me Rape me, my friend I’m not the only one   My favorite inside source I’ll kiss your open sores Appreciate your concern You’re gonna stink and burn Rape me, rape me my friend Rape me, rape me again I’m not the only one (Rape me)  Viólame, viólame amiga mía, Viólame, viólame otra vez, no soy el único. Ódiame, hazlo una y otra vez, gástame, viólame, amiga mía, no soy el único. Mi fuente interior favorita, besaré tus llagas abiertas. Aprecio tu preocupación, vas a apestar y a arder. Viólame, viólame amiga mía, viólame, viólame otra vez. No soy el único, viólame.

Del disco Bleach, La canción está en parte basada en la historia de dos padres de Aberdeen, Washington (Lugar de origen de Cobain) que mantenían a sus hijos encerrados en un cuarto sin ventanas, solo abrían la puerta para para darles comida. De hecho, Cobain conoció a uno de los niños. La canción también describe la alienación de Kurt con su madre.

When I’m feeling tired She pushed food through the door And I crawl towards the crack of light Sometimes I can’t find my way   Newspapers spread around Soaking all that they can A cleaning is due again – a good hosing down   The lady whom I feel maternal love for Cannot look me in the eyes But I see hers and they are blue And they cock and twitch and masturbate!   Black windows of Paint I scratched with my nails I see others just like me Why do they not try to escape?   They bring out the older ones They point in my way They come with a flash of light And take my family away   And very later I have learned To accept some friends of ridicule My whole existence is for your amusement And that is why I’m here with you!   To take Me with You’re rightCuando estoy cansado, ella empuja la comida por la puerta, y voy a gatas hacia la rendija por donde se ve la luz, alguna vez puedo encontrar mi camino.  Periódicos esparcidos por todos lados, empapando todo lo que pueden, hay que limpiar otra vez, un buen manguerazo. La dama que siente por mi amor maternal no puede mirarme a los ojos, pPero veo los suyos y son azules, y se yerguen y se crispan y se masturban. Ventanas negras de pintura rasgo con mis uñas, veo otros como yo, por qué no tratan de escapar? Ellos sacan a los mayores, los apuntan en mi camino, vienen con un haz de luz y se llevan a mi familia. Y mucho después he aprendido a aceptar algunos amigos del ridículo. Mi existencia entera es para tu diversión y eso es por lo que estoy aquí contigo   Para llevarme con tu derecho

Alice in Chains

Fundado en 1987 en Seattle, cCon un nombre que ya en sí mismo denota bastante pesimismo y con un sonido más pesado y orientado al Heavy Metal que sus coetáneos,

Llegó a vender solo en los EUA unos 14 millones de discos.

Su primer EP “We Die Young” en 1990.

Su primer LP “Facelift” con influencia de Black Sabath, le abrieron a músicos como Iggy Pop y Van Halen con lo que promocionaron bien algunos de sus tracks, alcanzando el disco de oro a fines de 1990.

Luego compartió giras con grupos como Megadeth, Antrax, Slayer.

Su disco “Dirt” de 1992 alcanzo el n° 6 en el Billboard y con él se lanzaron a una gira que duró hasta 1995.

Luego compartieron Gira con Metallica y Suicidal Tendences.

Partes de la clave de su éxito fueron la combinación de ese sentido de indiferencia que se le supone al Grunge con la fuerza del Metal y un característico juego armónico en las voces. Apoyándose en la visión depresiva del cantante Layne Staley sobre las drogas y la muerte y los acordes metálicos del guitarrista Jerry Cantrell; gracias a lo cual Alice In Chains se posicionó rápidamente como una de las bandas más representativas de los 90.

En 2006 se volvieron a reunir para grabar y lanzar el álbum Black Gives Wat to Blue, que salió a la venta el 29 de septiembre de 2009.

Actualmente su más reciente álbum The Devil Put Dinosaurs Here fue lanzado el 28 de mayo de 2013, posee un estilo singular y contiene elementos de todos los trabajos anteriores.

Del disco Facelift (track01)

Scary’s on the Wall Scary’s on his way Watch where you spit I’d advise you wait until it’s over Then you got hit And you shoulda known better And we die Young Faster we run Down, down, down you’re rollin’ Watch the blood float in the muddy sewer Take another hit And bury your brother And we die Young Faster we run Scary’s on the Wall Scary’s on his way Another alley trip Bullet seek the place to bend you over Then you got hit And you shoulda known better Faster we run And we die youngEl espanto está en la pared. El Espanto está en su camino. Fíjate donde escupes. Te aconsejaría que esperes hasta que termine. Entonces fuiste golpeado y deberías saberlo mejor. Y morimos jóvenes cada vez más rápido corremos cuesta abajo, tu estás rodando. Mira la sangre flotar en la alcantarilla lodosa. Recibe otro golpe y entierra a tu hermano y morimos jóvenes mientras más rápido corremos. El espanto está en la pared, el espanto está en su camino. Otra bala de viaje de callejón busca el lugar donde doblarte, entonces eres golpeado y deberías saber mejor que corremos más rápido y morimos jóvenes.

Brother: Del Album Unplugged (track 02)

Una canción de la que ya había comentado en otro programa que fue hecha por el Guitarrista Jerry Cantrell para su hermano menor David con el que de chico no tuvo mucha relación por la diferencia de edad (4 años), por ser una familia divorciada ante la ausencia del padre Jerry tenia seguido que cargar con el hermanito, lo que no era muy grato para el en ese momento: “David no tenía a nadie, acabó yéndose a vivir con nuestro padre y dejamos de vernos por 6 o 7 años. Esta canción es sobre el tiempo que estuvimos separados, así que la canción intenta ser una especie de puente de reconciliación con Rooster mi padre y con él”.

Frozen in the place I hide Not afraid to paint my sky with Some who say I’ve lost my mind Brother try and hope to find You were always so far away I know that pain so don’t you run away Like you used to do   Roses in a vase of White Bloodied by the thorns beside the leaves That fall because my hand is pulling them hard as I can You were always so far away I know that pain and I won’t run away Like I used to do     Pictures in a box at home Yellowing and green with mold So I can barely see your face Wonder how that color taste You were always so far away I know the way so don’t you run away Like you used to do  Congelado en el lugar donde me escondo Sin miedo de pintar mi cielo con algo que dice que “perdí la razón”, hermano, trato y espero encontrar. Siempre estuviste tan lejos, conozco ese dolor, así que no huyas como solías hacerlo. Rosas en un jarrón blanco, ensangrentado por las espinas que flanquean las hojas ese otoño, porque mi mano las jala tan fuerte como puedo. Estuviste siempre tan lejos, conozco ese dolor, y no huiré como solía hacerlo. Fotos en una caja en casa poniéndose tan amarillas y verdes que apenas puedo ver tu cara, imagino a qué sabe ese color. Siempre estuviste tan lejos, conozco como fue, así que no huyas como solías hacerlo.

Soundgarden

Formado en Seattle en 1984 por Chris Cornell, al que posteriormente se le unirían Kim Thavil, Matt Cameron. Es una de las bandas pioneras del grunge.

Tuvo participación en el Loolapalooza de 1992, actuando junto con grupos como Red Hot Chilly Peppers y Pearl Jam.

El disco Superunknown fue su mayor éxito y les dio fama mundial en 1994. Contiene sencillos como Black Hole Sun y Spoonman, ambos ganadores de un premio Grammy. Algunos de los tracks de este albun tienen influencia de Black Sabath y Led Zepelin.

La banda utiliza a menudo en sus composiciones acordes y tiempos poco comunes. En el primer caso, por ejemplo, la sexta cuerda de la guitarra de Thayil solía estar afinada de manera más grave, como se nota en la pieza “Outshined”. Otras canciones están basadas en acordes peculiares, como “My Wave” y “The Day I Tried to Live”.

En lo que respecta a los “Tempos” de sus canciones, Soundgarden usó varias veces compases poco usuales como 7/4 en OutShined; 5/4 en “My Wave”; 6/4 en “Fell on Black Days”; o incluso 9/8 en “Never the Machine Forever”.

Kin Thayil declaró que no se fija en los compases de las canciones hasta que ya estaban escritas, y admitió que el uso de los compases poco comunes era un “total accidente”.

El grupo se separó en 1997 debido a diferencias internas acerca del sentido que debía tomar la música de la banda. En el año 2010 se anunció su reagrupación sacaron un nuevo disco con el sencillo Black Rain que tuvo algún éxito.

Let me drown: https://www.youtube.com/watch?v=FbNIR6dkgNY

Superunknown: https://www.youtube.com/watch?v=AwdjreJKggg

Black hole sun: https://www.youtube.com/watch?v=3mbBbFH9fAg

Ganó un Grammy por la mejor interpretación de rock. La letra no tiene mucho de particular, sobre él su autor, el Guitarrista Chris Cornell comenta:

Se me hizo interesante esa combinación de un hoyo negro y el sol. Un hoyo negro es mil millones de veces más grande que un sol, es un vacío, un círculo gigante de nada y por otra parte tienes al sol, el dador de toda la vida. Es una combinación de brillo y oscuridad, este sentido de esperanza y de melancolía o dolo subyacente”.

En lo particular, conocí a Soundgarden cuando vi el videoclip de Blackhole Sun en MTV. Me atrapó, es alucinante, surrealista, casi una pesadilla…

In my eyes, indisposed In disguises no one knows Hides the face, lies the snake And the sun in my disgrace Boiling heat, summer stench ‘Neath the black the sky looks dead Call my name through the cream And I’ll hear you scream again   Black hole sun Won’t you come And wash away the rain Black hole sun Won’t you come Won’t you come (Won’t you come)   Stuttering, cold and damp Steal the warm wind tired friend Times are gone for honest men And sometimes far too long for snakes In my shoes, a walking sleep And my youth I pray to keep Heaven sent hell away No one sings like you anymore       Black hole sun Won’t you come And wash away the rain Black hole sun Won’t you come Won’t you come   Hang my head, drown my fear Till you all just disappear   Black hole sun (…)

En mis ojos indispuestos, en disfraces que nadie conoce, se esconde la cara, miente la víbora y el sol para mi desgracia, hirviendo calor, hedor de verano. Bajo el negro, el cielo parece muerto, clama mi nombre a través de la crema, y te oiré gritar de nuevo. Sol hoyo negro, acaso vendrás y despejarás y te llevaras la lluvia? Sol hoyo negro, no vendrás? No vendrás? Tartamudeando frío y húmedo, roba el viento cálido, cansado amigo. Los tiempos se han ido para los hombres honestos y algunas veces muy están lejos para las víboras. En mis zapatos, un sonámbulo y mi juventud que rezo por mantener. El cielo mandó lejos al infierno. Ya nadie canta como tu. Sol hoyo negro no vendrás y despejarás y te llevarás la lluvia? Sol hoyo negro No vendrás? No vendrás?   Sostén mi cabeza, ahoga mi miedo hasta que todos ustedes simplemente desaparezcan   Sol hoyo negro (…)  

Por razones de tiempo, dejamos pendientes de abordaje importantes grupos pioneros del grunge como The Melvins, The Wailers, The Sonics a los que nos dedicaremos en otra ocasión.

Decadencia del Grunge

Hacia 1993 comenzó a darse una reacción violenta en Seattle contra el grunge; Bruce Pavitt comentó que en la ciudad el Grunge era un movimiento fabricado

Muchos artistas del movimiento grunge empezaron a sentirse incómodos con el éxito y la atención puesta en ellos. En una entrevista con Michael Azerrad, Kurt Cobain declaró: “Ser famoso es la última cosa que quise ser”. Pearl Jam también comenzó a sentir el peso del éxito, en especial Eddie Vedder, en quien recayó la mayor parte de la atención.

Muchos fueron los factores que influyeron para que el Grunge empezara a declinar. La muerte de Kurt Cobain, la caída severa en las drogas de Eddie Vedder de Pearl Jam y Layne Stanley de Alice in Chains, el fracaso de Soundgarden con su disco “Down on the Upside”; el boicot al género por parte de las grandes compañías de la industria como Ticketmaster, provocaron que los grandes grupos comenzaran a separarse.

Como la industria no podía controlar la intención de no caer en el mundo de la industria global de los mejores grupos del Grunge, las grandes empresas los abandonaron y como siempre, diseñaron un género que lo sustituyera, buscando después a los grupos que lo representaran. Fue así que en EUA apareció lo que en la industria denominó “Post Grunge”, con un estilo más suave y accesible. Se crearon grupos más orientados a las audiencias comerciales, con un sonido mucho más accesible, como Collective Soul, Candlebox, o Bush, caracterizados por suavizar las guitarras distorsionadas del grunge con una producción mucho más pulida.

La Versión del post Grunge de la industria inglesa fue el Britpop, con el que las disqueras de ese país intentaban hacer la competencia a los norteamericanos en el mercado mundial. De ahí salieron grupos como Oasis y Blur. El mismo Damon Albarn, cantante de Blur declaró que su banda era totalmente Anti Grunge, mientras que Noel Gallager de Oasis criticó duramente a I Hate Myself and I want to die de Nirvana, afirmando que todo eso no era más que basura (refiriéndose por supuesto al término “Grunge”) y criticó a Eddie Vedder diciendo que no sabía por qué siempre estaba enojado, si era rico y famoso.

La popularidad del Grunge comenzaría a desvanecerse a finales de la década de los noventa (entre 1998 y 1999).

Intento de Resurrección del Grunge

A partir del 2006 comienza a darse la reintegración de algunas de las bandas más representativas como Alice in Chains, con un nuevo cantante (William DuVall). Stone Temple Pilots y Sound Garden se reintegran con sus alineaciones originales lanzando nuevos discos y nuevas giras de conciertos.

Actualmente, de las grandes bandas que dieron vida al movimiento hasta hace algunos años sólo quedaban activas Pearl Jam, Alice in Chains, Mud Honey, Soundgarden y The Melvins.

Clásicos de los Grandes Tríos (de Rock) parte 2

CLÁSICOS DE LOS GRANDES TRÍOS (de Rock)

(Parte 2)

Por Jose Ramon Gonzalez Chavez

Motorhead

Trío británico, fundado en 1975 por el bajista cantante y compositor Lemmy Kilmister.

Tuvo gran éxito en los 80 con varios sencillos y con el tiempo llegaron a consolidarse como uno de los mejores grupos británicos de lo que se denomina “Heavy Metal” (otros le llaman speed metal, o thrash metal), aunque Kilmister lo considera como un grupo de Rock and Roll.

Sus letras hablan de la guerra, el abuso del poder, del sexo el abuso de sustancias (De ahí el nombre Motorhead que se usa para en EU para el consumidor habitual de anfetaminas), y la vida en la carretera.

El logo del grupo “Snaggletooth (a veces llamado War Pig) es una mezcla de gorila, con lobo y perro, con cuernos gigantescos, casco, cadenas y objetos punzantes; fue creado por Joe Petagno en 1977 para la portada de su primer álbum y de ahí se quedó para los subsecuentes.

  • Ace of Spades (Ace of Spades, 1980)
If you like to gamble, I tell you I’m your man You win some, lose some, it’s – all – the same to me The pleasure is to play, it makes no difference what you say I don’t share your greed, the only card I need is The Ace Of Spades   Playing for the high one, dancing with the devil, Going with the flow, it’s all a game to me, Seven or Eleven, snake eyes watching you, Double up or quit, double stakes or split, The Ace Of Spades   You know I’m born to lose, and gambling’s for fools, But that’s the way I like it baby, I don’t wanna live forever, And don’t forget the joker  Si te gusta apostar, te diré que soy a quien buscas Ganas algo, pierdes algo, es lo mismo para mí El placer es jugar, no hará diferencia lo que digas No compartiré tu opinión, la única carta que necesito es el As de Espadas   Jugando por la más alta, bailando con el diablo Yendo con la corriente, todo es un juego para mí 7 u 11, ojos de serpiente mirándote Doble o no vas, doble o pasa, El As de Espadas   Sabes? Nací para perder, y las apuestas son de tontos Pero así es como me gusta nene, No quiero vivir para siempre Y no olvides el comodín  
  • Overnight Sensation
I know you’re only talking To keep the silence out Maybe you should listen and leave some room for doubt You’re just handing out bad reputations Why don’t you shut your mouth   Overnight sensation, All mouth and no soul The bad boys sold your franchise And stole your Rock ‘n’ Roll   I know I ain’t no beauty But I know who I am I ain’t running for sheriff I ain’t that kind of man To live outside the law , my dear You gotta give a damn   Overnight sensation You be shot full of holes The bad boys stole your franchise And stole your Rock ‘n’ Roll   You know you put the hurt on me You do it all the same Us guys ain’t s’pose to hurt at all Our faces fit the frame You know I’m only talking To keep you here with me   Maybe you should listen How hard could it be Good manners don’t cost nothing But that ain’t what you want from me   Overnight sensation Turn your hard heart cold The bad boys sold your franchise And stole your Rock ‘n’ Roll   You’re just looking for someone To take your spirit home The bad boys sold your franchise, baby and stole your Rock ‘n’ Roll  Sé que solo estás hablando Para romper el silencio Quizá deberías escuchar y dejar algo de espacio para la duda Solo estas dejando mala reputación Por qué no mejor cierras la boca   Sensación trasnochada Pura boca y nada de alma Los chicos malos vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll   Sé que no soy una belleza Pero sé quién soy No corro por el Sheriff No soy ese tipo de persona Para vivir fuera de la ley, querido No vales un cacahuate.   Sensación trasnochada Estas lleno de hoyos de disparos Los chicos males vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll   Sabes que me has lastimado Siempre haces lo mismo Los tipos de EU parecen no herirse en lo absoluto Nuestras caras quedan dentro del marco Sabes que solo estoy hablando Para mantenerte aquí conmigo   Quizá puedas escuchar Que tan duro puede ser Los buenos modales no cuestan nada Pero no es lo s que quieres de mí   Sensación trasnochada Mantén frío tu duro corazón Los chicos males vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll   Solo buscas a alguien Para llevarte su espíritu a casa Los chicos males vendieron tu franquicia Y robaron tu rock and roll  

The Police

Trío de Rock considerado el grupo más importante de finales de la década de los 80. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock (punk, new wave), el reggae y el jazz.

Formado en 1977 en Londres, y unido formalmente hasta 1986 (nunca avisaron de su disolución).

Vendieron casi 70 millones de copias a nivel mundial.

Se integró por:

  • Gordon Matthew Summer (Newcastle upon tyne, 2 de octubre de 1951) (voz y bajo); más conocido por su apodo “Sting”, agijón en inglés y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud);
  • El guitarrista de Origen Francés Henry Padovani, quien luego sería sustituido por Andy Summers (Guitarra y coros) (31 de diciembre de 1942, Lancashire), exintegrante de grupos como The Animals, o Zoot Money, Kavin Ayers y Neil Sedaka.
  • Stewart Copeland (Alexandria Virginia, EUA, 16 de julio de 1952 (batería, voz y coros).

E 1977 el líder Copeland y Padovani tomaron la iniciativa de hacer algo en la onda Punk, integraron a Sting y grabaron un Single que su autor Copeland tituló “Fall Out”, editada por el sello independiente IRS y donde Copeland toca la guitarra. Aunque tuvo su éxito, no les alcanzó para el despegue formal. La poca experiencia de Padovani como guitarrista limitaba la capacidad creativa del grupo.

Copeland inisitía en mantener a Padovani y su línea punk; por su parte, Sting odiaba el punk por lo limitado de su estructura, que limitaba su creatividad.

Durante unos ensayos para participar en un tributo al grupo “Gong” Copeland y Sting conocen a Summers, que era amigo de Mike Howlett, uno de los músicos de Gong, quien les propone que formen un trío al que le pusieron el nombre de Strontium 90. De esas sesiones quedaron tracks que a fines de los 90 se publicarían como el título de “Police Academy”.

Allí aparece la versión en demo de Every little thing she does is magic.

Every little thing she does is magic (Strontium 90, 1977)

Though I’ve tried before to tell her Of the feelings I have for her in my heart Every time that I come near her I just lose my nerve As I’ve done from the start   (Chorus) Every little thing she does is magic Everything she do just turns me on Even though my life before was tragic Now I know my love for her goes on   Do I have to tell the story Of a thousand rainy days since we first met It’s a big enough umbrella But it’s always me that ends up getting wet     I resolve to call her up a thousand times a day And ask her if she’ll marry me in some old fashioned way But my silent fears have gripped me Long before I reach the phone Long before my tongue has tripped me Must I always be alone?Aunque he intentado hablarle antes Sobre los sentimientos que tengo hacia ella en mi corazón Cada vez que me acerco a ella Pierdo los nervios Como llevo haciendo desde el principio   Cada cosita que ella hace es mágica Todo lo que ella hace me enciende Aunque mi vida antes haya sido trágica Ahora sé que mi amor por ella perdura   ¿Tengo que contar la historia? De un millar de días lluviosos desde que nos conocimos Es un paraguas suficientemente grande Pero siempre soy yo quien acaba mojándose   Me decido a llamarla mil veces al día Y preguntarle si se casará conmigo de algún modo tradicional Pero mis temores silenciosos se han pegado a mí Mucho antes de que tomar el teléfono Mucho antes de trabarse mi lengua ¿Debo siempre estar solo?  

Summers percibe que hay algo que podría lograr en esa banda, pero Padovani no encaja, Summers es un tipo experimentado y que a esas alturas ya se había codeado con todos los músicos de su época (Clapton, Hendrix, Page…) y Padovani llevaba apenas unos meses tocando la guitarra. Copeland empecinado con mantener a Padovani en la banda sugirió probar con un cuarteto, pero la diferencia seguía siendo abismal entre ambos guitarristas, no llegaban a los mismos acordes en los mismos tiempos, por ejemplo.

Todo eso llevó a Summers a darles un ultimátum a Sting y Copeland: “quiero que el grupo sea un trío”. Summers relataba en su libro “El tren que no perdí” esa situación diciendo que “me sentía mal porque le estaba quitando el empleo a otra persona, pero ¿de qué empleo hablo, el del guitarrista de una banda que no es nada y no ha llegado a ninguna parte?”

3 O‘clock shot:

Everyone I know is lonely My God’s so far away
And my heart belongs to no one So now sometimes I pray Please take this space between us And fill it up some way I’ve been waiting for my brothers Since fucking Christmas day   (Chorus) There’s a song that everyone’s heard Let me hear it, make me a part Songs everyone’s heard Let me hear it, make me a part   Nothing seems to matter To no one anymore They say my world is shattered I just did it on the floor It won’t go no further It is here I make my stand If you say my life is precious When you held it in your hand   (Chorus)  
Todos saben que es solitario Mi Dios está muy lejos Y mi corazón no pertenece a nadie Asique algunas veces rezo Por favor toma este espacio entre nosotros y llénalo de alguna forma He esperado a mis hermanos Desde la maldita navidad   (Coro) Hay una canción que todo el mundo oyó Déjenme oírla, háganme a un lado Canciones que todos han oído Déjenme oírla, háganme a un lado   Nada parece importar A nadie ya Dicen que mi mundo está destrozado Solo lo hice en el piso No iré más lejos Es aquí que me detuve Si dices que mi vida es preciosa Cuando la tomaste en tu mando   (Coro)

Finalmente, Sting y Copeland despidieron a Padovani y fue así como quedo integrado el grupo en definitiva.

Pero luego vinieron las broncas de dónde tocar, que tocar, dónde grabar.

Una vez que en Paris tenían que telonearle a un grupo, el concierto se canceló y tuvieron que ir de vuelta al hotel empujando el viejo coche de Summers, mientras les pillaba la lluvia. Summers y Copeland se quedaron viendo Star Wars mientras Sting decidió darse una vuelta por el Barrio de Pigalle, famoso entre otras cosas por sus hermosas prostitutas. Fue ahí donde se le ocurrió componer una de las canciones icónicas del grupo: Roxanne.

Roxanne (Outlandos D’Amour 1978):

Roxanne You don´t have to put on the red light Those days are over You don´t have to sell your body to the night   Roxanne You don´t have to wear that dress tonight Walk the streets for money You don´t care if it´s wrong or if it´s right   Roxanne You don´t have to put on the red light   I loved you since i knew you I wouldn´t talk down to you I have to tell you just how i feel I won´t share you with another boy I know my mind is made up So put away your make up Told you once i won´t tell you again It´s a bad way   You don´t have to put on the red lightRoxanne No tienes que ponerte en la luz roja Esos días se terminaron No tienes que venderle tu cuerpo a la noche   Roxanne No tienes que ponerte ese vestido esta noche Caminar las calles por dinero No te importa si está mal o si está bien   Roxanne No tienes que ponerte en la luz roja   Te amé desde que te conocí No hubiera hablado contigo Tengo que decirte simplemente cómo me siento No te compartiré con otro chico Sé que mi mente está en orden Así que guarda tu maquillaje Te lo dije una vez, no te lo diré de nuevo Es un mal camino   No tienes que ponerte en la luz roja  

Message in a bottle (Regatta Le Blanc 1979):

Just a castaway, An island lost at sea Another lonely day, With no one here but me More loneliness, Than any man could bear Rescue me before I fall into despair       (Chorus) I’ll send an SOS to the world, I hope that someone gets my Message in a bottle, Message in a bottle   One whole year has passed since I wrote my note I should have known this right from the start Only hope can keep me together, Love can mend your life, But love can break your heart   (Chorus)   Walked out this morning, Don’t believe what I saw A hundred million bottles, Washed up on the shore Seems I’m not alone at being alone, A hundred million castaways, Looking for a home   (Chorus)  Como un náufrago, en una isla perdida en el mar Otro día solitario, con nadie más aquí, que yo Más soledad de la que cualquier hombre podría soportar Rescátenme antes de que caiga en la desesperación   (Coro) Enviaré un SOS al mundo Espero que alguien encuentre mí Mensaje en una botella.   Un año ha pasado desde que escribí mi nota Debí haberlo sabido desde el principio Solo la esperanza puede mantenerme El amor puede arreglar tu vida, Pero también puede destruir tu corazón   (Coro)   Salí a caminar esta mañana, No puedo creer lo que vi. Cien millones de botellas varadas en la playa Me parece, que no estoy solo en esto de estar solo Cien millones de náufragos, buscando un hogar   (Coro)  

Synchonicity I (1983):

With one breath, with one flow You will know Synchronicity A sleep trance, a dream dance, A shared romance Synchronicity   A connecting principle Linked to the invisible Almost imperceptible Something inexpressible Science insusceptible Logic so inflexible Causally connectible Yet nothing is invincible   If we share this nightmare Then we can dream Spiritus mundi If you act as you think The missing link Synchronicity   We know you, they know me Extrasensory Synchronicity A star falls, a phone call It joins all Synchronicity   It’s so deep, it’s so wide You’re inside Synchronicity Effect without a cause Sub-atomic laws, scientific pause Synchronicity  Con un aliento, con un flujo Tú lo sabrás Sincronía Un trance de sueño, una danza de sueño Un romance compartido Sincronía     Un principio de conexión Ligado a lo invisible Casi imperceptible Algo inefable Ciencia no susceptible Lógica tan inflexible Causalmente conectable Aún nada es invencible       Si compartimos esta pesadilla Entonces podemos soñar Spiritus mundi Si actúas como piensas El eslabón perdido Sincronía     Te conocemos, ellos me conocen Extrasensorial Sincronía Una estrella cae, una llamada telefónica Lo une todo Sincronía     Es tan profundo, es tan amplio Estás dentro Sincronía Efecto sin causa Leyes sub-atómicas, pausa científica Sincronía  

Synchronicity II

Another suburban morning Grandmother screaming at the wall We have to shout above the din of our Rice Crispies We can’t hear anything at all Mother chants her litany of boredom and frustration But we know all the suicides are fake Daddy only stares into the distance There’s only so much more that he can take Many miles away something crawls from the slime At the bottom of a dark Scottish lake     Another industrial ugly morning The factory belches filth into the sky He walks unhindered through the picket lines today He doesn’t think to wonder why The secretaries pout and preen like cheap tarts on a red light street But all he ever thinks to do is watch And every single meeting with his so called superior Is a humiliating kick in the crotch Many miles away something crawls to the surface Of a dark Scottish Loch   Another working day has ended Only the rush-hour hell to face Packed like lemmings into shiny metal boxes Contestants in a suicidal race Daddy grips the wheel and stares alone into the distance He knows that something somewhere has to break He sees the family home now looming in his headlight The pain upstairs that makes his eyeballs ache Many miles away there’s a shadow on a door Of a cottage by the shore Of a dark Scottish lakeOtra mañana suburbana La abuela gritandole a la pared Tenemos que gritar por encima del estruendo de nuestro Rice Crispies No podemos oír nada en absoluto Madre canta su letanía de aburrimiento y frustración Pero sabemos que todos los suicidios son falsos Papá sólo mira a la distancia Sólo hay mucho más de lo que él puede tomar A muchos kilómetros de distancia algo se arrastra desde el limo En el fondo de un oscuro lago escocés   Otra fea mañana industrial La fábrica eructa suciedad en el cielo Él camina sin obstáculos a través de las perforaciones de su tarjeta checadora de hoy Él no piensa en preguntarse por qué Las secretarias hacen pucheros y se acicalan como pastelillos baratos en una calle de luz roja Pero todo lo él piensa hacer es observar Y cada junta con su disque superior Es una humillante patada en la entrepierna A muchos kilómetros de distancia algo se arrastra hacia la superficie De un oscuro lago escocés   Otro día de trabajo ha terminado Sólo para encarar el infierno del tránsito de la hora pico Empacados como lemmings en pequeñas cajas de metal brillante Participantes en una carrera suicida Papá se agarra al volante y observa solo en la distancia Él sabe que algo en alguna parte se tiene que romper Ahora él ve la casa familiar ve aparecer en sus faros El dolor en el piso de arriba que hace que le duelan los ojos A muchas millas de distancia hay una sombra en una puerta De una cabaña a la orilla De un oscuro lago escocés  

Rush

Trio Canadiense etiquetado en el rock progresivo. Formada en agosto de 1968 en Willowdale, Toronto, Ontario.

Integrada por el Geddy Lee (bajo, teclado y voz); Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (Bateria y letras), Su formación se mantiene estable desde 1974, cuando Neil Peart reemplazó al baterista original, John Rutsey antes de su primera gira por EEUU.

Desde su primer album salido a la luz en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la temática de sus letras, dominadas por la ciencia ficción, la fantasía, la filosofía libertaria, aunque han desarrollado también temas humanitarios, sociales, emocionales y medioambientales.

Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años: sus primeros álbumes muestran una influencia de Heavy Metal, inspirada en el blues. Luego se inclinó más hacia el Hard Rock y el progresivo, donde predominaron los sintetizadores.

Han influenciado a numerosos grupos como Metallica, The Smashing Pumpkins, y Primus, y otros progresivos como Queensyrche, Dream Theater y Symphony X

A 2004 habían vendido unos 40 millones de discos y en 2009 solo en EU sus ventas eran de más de 25 millones de copias, logrando 24 discos de oro y 14 de platino, 3 de ellos de multiplatino (más de 2 millones de copias vendidas): 2112 (1976), Moving Pictures (1981) y Chronicles (1990). Son el grupo que más discos de platino ha tenido solo después de The Beatles, The Rolling Stones y Aerosmith.

Tienen 7 nominaciones al Grammy y en 1999 entraron al salón de la fama del Rock Canadiense y en 2013 al de EU.

A passage to Bangkok (2112 – 1976)

Tears (2112 – 1976)

Tom Sawyer (Moving Pictures, 1981)

Nirvana

Fue una banda de Grunge noreamericana procedente de Aberdeen Washington, formada en 1987 por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl quien después del suicidio de Cobain fundara el grupo Foo Foghters. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.1 2

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut Bleach, lanzado bajo el sello independiente de Seattle Sub Pop en 1989.3 La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: Nevermind. El primer sencillo del álbum Smells like teen spirit, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que en la escena musical mundial hasta ese momento era conocido como Punk y Rock Alternativo, en un movimiento al que los medios de la época se referirían después como Grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chaines y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90s.4

Kurt Cobain, líder del grupo, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de la Generación X» y a Nirvana como su «banda símbolo».5 Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, In Utero. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum.6 Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con el suicidio de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, You Know You’re Right, un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo.

En 2004 fueron rankeados en el puesto #27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto #14 según la revista VH1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 80 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos y 30 millones en todo el mundo.7 8

En el año 2014 Nirvana ingresó al salón de la fama del Rock and Roll.

Rape Me (In Utero 1993)

Something in the Way (Never Mind, 1993)

Green Day

Trío norteamericano catalogado dentro del género “Pop Punk” o “Punk Rock”, integrado por Billie Joe Armstrong (guitarra y voz) Mike Drint (bajo y coros) y Tre Cool (batería y coros), formación original que perduró hasta el 2012, cuando integra a su guitarrista de apoyo por más de trece años Jason White. El grupo originario de Berkeley California, se gestó en 1987 con el nombre de Sweet Children, con el baterista John Kiffmeyer (mejor conocido como Al Sobrante). En 1989 se cambiaron al nombre actual y poco después del lanzamiento de su primer álbum de estudio 39/Smooth Tré Cool reemplazó a Al Sobrante.1

Fue uno de los grupos que nacieron en el club 924 Gilman Street, sitio frecuentado por bandas de punk rock. Sus primeras publicaciones se realizaron por medio del sello discográfico independiente Lookout!, gracias a las exitosas ventas de sus primeros trabajos discográficos, se obtuvo una importante cantidad de admiradores. Algunos años después, en 1994 el conjunto firmó con Reprise Records, con este sello lanzaron el aclamado Dookie,5con este nuevo álbum el conjunto llevó el sonido de finales de la década de 1970 a la nueva generación, además, el álbum se convirtió en un éxito internacional y lleva vendidas más de veinticinco millones de copias en todo el mundo.6 7

Junto a otras bandas como The Ofspring y Rancid Green Day el renacimiento y popularización del punk rock y de hecho de la cultura punk en general en los Estados Unidos,8 9. Las ventas masivas ventas produjeron la apertura de una ola de grupos de Punck Pop y Punk Metal.

Diez años después muchos de esos conjuntos se encuentran inactivos o disueltos, mientras que Green Day sigue en plena vanguardia musical con las ópera Rock Americn Idiot y 21st Century Breakdown de 2004 y 2009 respectivamente, ambas ganadoras de un Grammy como mejor albun de Rock. Recientemente editaron una trilogía de álbumes titulados ¿Uno, Dos y Tré!, editados en septiembre, noviembre y diciembre de 2012 respectivamente.1

El conjunto estadounidense ha vendido alrededor de 85 millones de copias en todo el mundo y 30 millones solo en su país.10 11

En 2010 se estrenó en Broadway una adaptación teatral American Idiot, musical que fue nominado para Tony Awards, incluyendo Mejor Musical y Mejor Diseño Escénico, y ha recibido comentarios positivos en general.

A mediados de 2011 la revista Kerrang los nombró como el segundo grupo más influyente surgido en los últimos treinta años, sólo por detrás de Metallica.12 Según una encuesta en la publicación quincenal de Rolling Stone, se eligió a Green Day como el mejor conjunto de punk de la historia (¿!).13

She’s a Rebel (American Idiot, 2004)

Wake me up before september ends (American Idiot, 2004)

Muse

Trío británico de rock alternativo, formado en 1994 en Teignmouth Inglaterra, integrado por Matt Bellamy (compositor, quitara, voz y teclados), Dominic Howard (batería y percusiones) y Christopher Wolstenholme (bajo, teclados y coros).

Tras el lanzamiento de su album Black Holes and Revelations, Morgan Nicholls se sumó al grupo durante las presentaciones en vivo, haciéndose cargo de teclados samples, algunos coros, a veces del bajo y últimamente de la segunda guitarra.

Muse es conocido por sus extravagantes espectáculos en vivo, donde fusionan géneros musicales como Rock Alternativo, Space Rock, Rock Progresivo, Rock Sinfónico, y Música Electrónica con los intereses excéntricos de Bellamy por la Conspiración global, la revolución astrofísica, la vida extraterrestre, el pensamiento humano y la idea del fin del mundo simbólico, que se revelan en sus letras.

Hasta la fecha, Muse ha lanzado seis álbumes de estudio: Showbiz (1999), Origin of Symmetry (2001), Absolution (2003), Black Holes and Revelationes (2006), The Resistance (2009) y The 2nd Law (2012). También han publicado tres álbumes en vivo: Hullabaloo Soundtrack 2002), el cual también contiene una compilación de lados B; HARP (2008), que documenta las presentaciones de la banda en el Estadio de Wembley en 2007; Live at Rome Olympic Stadium (2013), una presentación de la banda ante más de 60 000 personas en la capital de Italia; Drones (2015) y Simulation Theory (2018).

Black Holes and Revelations le valió a Muse una nominación al Mercury Prize y un tercer lugar en la lista de los mejores álbumes del año según la revista NME en 2006. Muse también ganó diversos premios a lo largo de su carrera, incluyendo cinco MTV Europe Music Awards, seis Q Awards, ocho NME Awards, dos Brit Awards, el premio a la «mejor actuación británica en vivo» dos veces, un MTV video music award, cuatro Kerrang Awards y un American Music Award.

También fueron nominados para cinco Premios Grammy, donde ganaron en la categoría de mejor álbum de Rock en 2011, por su quinto álbum de estudio The Resistance (2009).

Destacan sus Sencillos Hyper Music/Feeling Good (Origin Of Symmetry); Time is Running Out (Absolution); Supermassive Black Hole y Starlight (Black Holes and Revelations); Uprising (The Resistance); Madness (The 2nd Law)

Feeling Good

Starlight

Madness

Clásicos de los Grandes Tríos (de Rock) parte 1

CLÁSICOS DE LOS GRANDES TRÍOS (de Rock)

(Parte 1)

Por Jose Ramon Gonzalez Chavez

The Jimmy Hendrix Experience (Band of Gypsys)

Trio formado en Londres en 1966. A pesar de su corta existencia el grupo tuvo una gran influencia en el desarrollo contemporáneo y posterior del Rock.

Destacó principalmente por el virtuosismo de su guitarrista Jimmy Hendrix, considerado casi unánimemente uno de los más grandes de todos los tiempos; no obstante ser el cantante y guitarrista del grupo y compositor de muchas de sus canciones, y por tanto ser el centro de atención de la imagen del conjunto, Hendrix nunca adoptó la postura de estrellita. Los otros dos miembros: el bajo y segunda voz Noel Redding y el gran baterista Mitch Mitchell, fueron vitales y tuvieron una gran importancia para el éxito del grupo. La presencia de los tres se siente siempre equilibrada, no se trata de un solista acompañado de un bajo y una batería, se oye y se siente como trío.

Solo grabaron tres discos, suficientes para formar parte de los mejores grupos de la historia del Rock.

Su primer disco “Are you Experienced?” no tiene desperdicio, incluye piezas emblemáticas en la historia del Rock, como Fire, Hey Joe, Purple Haze y por supuesto, el primer Track (vaya forma de empezar), Foxy lady (en youtube no se encuentra la versión original en estudio):

You know you’re a cute little heartbreaker (Foxy) You know you’re a sweet little lovemaker (Foxy) I wanna take you home I won’t do you no harm, no You’ve got to be all mine, all mine Ooh, foxy lady   I see you, heh, on down on the scene (Foxy) You make me wanna get up and scream (Foxy)   Ah, baby listen now I’ve made up my mind I’m tired of wasting all my precious time You’ve got to be all mine, all mine Foxy lady   Here I come I’m comin’ to get ya Foxy lady You look so good Yeah, foxy Yeah, give me some (Foxy) Yeah, get it, babe You make me feel like Feel like sayin’ foxySabes? eres una linda rompecorazones (zorrita) Sabes? eres una dulce chica que hace el amor (zorrita) Quiero llevarte a casa, no te haré ningún daño, no, Tienes que ser toda mía, toda mía Ohh, pequeña zorrita. Te veo, hey, abajo del escenario (zorrita) Me haces querer levantarme y gritar (zorrita). Ah nena escúchame ahora He cambiado de opinión, estoy cansado de gastar mi precioso tiempo, tienes que ser toda mía, toda mía pequeña zorrita   Aquí voy Ahí voy para atraparte, pequeña zorrita Te ves tan bien, Sí, zorrita, Si, dame un poco Zorrita Sí, tómalo nena, Me haces sentir como si dijera “zorrita”.

La banda se disolvió en junio de 1969, a consecuencia de las constantes diferencias musicales entre Hendrix y Redding.

Band of Gypsys

Al final de su vida, Hendrix formaría otro trío: “Band of Gypsys” con el gran bajista Bill “El Sargento” Cox y el también gran baterista Buddy Miles. Otro disco sin desperdicio, del que destaca la pieza Machine Gun, una verdadera “canción de protesta” que evoca, de manera casi cinematográfica, el ambiente contradictorio del ideal de paz y la realidad de guerra que se vivía en ese momento en el mundo y particularmente en E. U. a causa de la guerra de Viet-Nam, pero también de los conflictos y trágicos incidentes de represión contra estudiantes, trabajadores y gente de color, como en Chicago, Milwawkee, Nueva York –reflejados también en muchos otros lugares en el mundo- en aquel turbulento año de 1968. De ahí que en el fondo, la pieza, no obstante abordar asuntos locales, se convierte en universal, al ser un grito de odio, impotencia, rabia, tristeza y dolor contra el absurdo de la guerra y sus operadores.

Machine Gun, Tearing my body all apart Evil man make me kill ya Evil man make you kill me Even though we’re only families apart. Well I pick up my axe and fight like a bomber (You know what I mean) Hey! And your bullets keep knocking me down Yeah, but you still blast me down to the ground. The same way you shoot me down, baby you’ll be going just the same Three times the pain, and your own self to blame Hey, Machine Gun   I ain’t afraid of your mess no more, babe I ain’t afraid no more After a while, your, your cheap talk don’t even cause me pain, so let your bullets fly like rain, Cause I know all the time you’re wrong baby And you’ll be going just the same Yeah, Machine Gun Tearing my family apart Yeah, yeah, alright Tearing my family apart   (Don’t you shoot him down) (He’s ‘bout to leave here) (Don’t you shoot him down) (He’s got to stay here) (He ain’t going nowhere) (He’s been shot down to the ground) (Oh where he can’t survive, no, no)   Yeah, that’s what we don’t want to hear anymore, alright (No bullets) At least here, huh huh (No guns, no bombs) Huh huh (No nothin’, just let’s all live and live) You know, instead of killin’)Ametralladora, Desgarrando mi cuerpo en pedazos Hombre del mal, haz que te mate Hombre del mal, haz que me mates Aunque solo seamos familias aparte.   Bueno, levanto mi hacha y peleo como un bombardero (sabes lo que quiero decir) Tus balas me siguen tumbando Y aun así me acribillas en el suelo. Del mismo modo que me haces caer, nene. Lo mismo te pasara a ti con tres veces más dolor, y tú mismo te culparás. Hey, Ametralladora,   No tengo miedo de tu desastre, nene, Ya no tengo más miedo. Después de un rato, tu plática barata no me causa dolor, así que deja volar tus balas como lluvia   Porque sé que todo el tiempo estás equivocado, nene y así seguirás, Sí, ametralladora, desagarrando a mi familia en pedazos Sí, así es, desagarrando a mi familia en pedazos. No le dispares, está a punto de irse, no lo tires, tiene que quedarse aquí, no va a ningún lado. Le han disparado y está en el suelo, Oh, donde no puede sobrevivir, no, no. Sí, eso es lo que ya no queremos oír más, así es (no más balas), al menos aquí, uhh, uhh (no más armas, no más bombas) Uhh, uhh. No, nada, solo déjanos a todos vivos y vivir, sabes? en lugar de matar  

Cream

Trío fundado también en Londres, en el mismo fructífero año de 1966. Integrado por Ginger Baker en la Batería, Jack Bruce en el Bajo y Vocal, Eric Clapton en la Guitarra y Vocal.

Su sonido, es una combinación de blues, rock psicodélico y pop rock.

Sus tres integrantes llegaron a ser considerados al mismo tiempo por la revista Rolling Stone como los mejores del mundo en su instrumento. Por lo mismo, Cream es considerado como el primer “Super Grupo” del Rock.

En su corta vida de 4 discos en dos años (Fresh Cream, Disraeli Gears que es uno de los 100 mejores discos de la historia del Rock, Wheels of Fire y Goodbye), hasta 2011 Cream ha llegado a vender más de 15 millones de copias.

Junto con Jimmy Hendrix Experience, Cream llegó a ejercer una gran influencia en la música Rock del momento y posterior (en la actualidad hay que oír grupos como Muse para apreciar lo vigente de su influencia). De hecho, Hendrix y Clapton son los padres del pedal Wah Wah (Clapton lo bautizó con ese nombre).

En sus composiciones destaca la participación del brillante músico, poeta y escritor Peter Constantine Brown (Pete Brown), con letras de estricto apego al canon psicodélico.

El grupo se separó a finales de 1968, algunos dicen que por la mala relación entre Baker y Bruce, pero otros por el exceso de drogas y la del momento. A decir de Clapton, vivían tan intensamente, de un concierto a otro sin parar, entre excesos de drogas, alcohol y sexo, etc. que él nunca se dio cuenta a qué hora dejaron de tocar juntos.

Se volvieron a juntar el vivo en tres ocasiones: una en 1993, cuando entraron al salón de la fama del Rock and Roll y luego en 2005 en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

En 2006 recibieron un Grammy “Honorífico” por su Carrera Artística.

Del disco Disreli Gears destaca esta pieza, recreación del famoso blues “Lawdy Mama” (1934) de Buddy Moss.

Strange Brew

Strange brew, kill what’s inside of you. She’s a witch of trouble in electric blue, In her own mad mind she’s in love with you. With you. Now what you gonna do? Strange brew, kill what’s inside of you.   She’s some kind of demon messing in the glue. If you don’t watch out it’ll stick to you. To you. What kind of fool are you? Strange brew, kill what’s inside of you.   On a boat in the middle of a raging sea, She would make a scene for it all to be ignored. And wouldn’t you be bored? Strange brew, kill what’s inside of you.  Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti. Ella es una bruja de los problemas vestida de azul eléctrico. En su propia mente loca, está enamorada de ti, de ti, ahora que vas a hacer? Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti. Ella es un tipo de demonio revolviéndose en el pegamento. Si no quieres ver se pegará a ti, a ti. Qué clase de tonto eres? Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti. En un bote en medio de un mar embravecido, ella hará una escena para que todo sea ignorado, y acaso, no te aburrirías? Brebaje extraño, mata lo que está dentro de ti.  

También del mismo disco, resalta “I Feel free” que refleja en forma brillante tanto en lo musical como en lo lírico el swing psicodélico de la época. La voz de Jack Bruce influenció sin duda –aquí se nota- el estilo de Greg Lake de Emerson Lake and Palmer.

I Feel Free Feel when I dance with you, We move like the sea. You, you’re all I want to know.   I feel free. I can walk down the street, there’s no one there Though the pavements are one huge crowd. I can drive down the road; my eyes don’t see, Though my mind wants to cry out loud.   I feel free Dance floor is like the sea, Ceiling is the sky. You’re the sun and as you shine on me,Me siento libre. Siento cuando bailo contigo. Nos movemos como el mar. Eres todo lo que quiero saber. Me siento libre, puedo bajar por la calle, no hay nadie ahí, aunque el pavimento es una gigantesca multitud. Puedo manejar por el camino, mis ojos no ven aunque mi mente quiere llorar fuert.e   Me siento libre, la pista de baile es como el mar el techo es el cielo, tu eres el sol y así brillas sobre mí. 

Y qué decir de esta pieza del mismo disco, una de las mejores de la historia del Rock, con la que comenzó realmente a tener una personalidad propia vis a vis otros géneros.

  • Sunshine of our Love

It’s gettin’ near dawn When lights close their tired eyes I’ll soon be with you my love To give you my dawn surprise I’ll be with you darling soon. I’ll be with you when the stars start falling     I’ve been waiting so long to be where I’m going In the sunshine of your love   I’m with you, my love The light’s shinin’ through on you Yes, I’m with you, my love It’s the morning and just we two I’ll stay with you darling now I’ll stay with you till my seeds are all dried up   I’ve been waiting so long to be where I’m going In the sunshine of your love  Se acerca el amanecer. Cuando las luces cierren sus cansados ojos, pronto estaré contigo mi amor, para darte mi sorpresa de amanecer. Pronto estaré contigo querida. Estaré contigo cuando las estrellas empiecen a caer. He esperado tanto tiempo para estar a donde voy, en el brillo de sol de tu amor. Estoy contigo mi amor, la luz brilla a través de ti. Si, estoy contigo mi amor, es de mañana y solo nosotros dos. Me quedare contigo ahora, querida, me quedaré contigo hasta que mis semillas se hayan consumido. He esperado tanto tiempo, para estar a donde voy, en el brillo de sol de tu amor.  

Emerson Lake and Palmer (EL&P)

Trío formado en Bournemouth Inglaterra, en 1970, por los músicos de conservatorio Keith Emerson al piano, órgano y teclados (a quien en su momento le llamaban el Jimmy Hendrix del Teclado), proveniente de The Nice; Greg Lake, ex integrante del paradigmático King Crimson; y Carl Palmer, baterista y percusionista, originario de The Atomic Rooster.

Considerado uno de los más grandes grupos de la historia del Rock, también con gran influencia en los grupos de su momento y posteriores.

Fue de los primeros en llevar el denominado “Rock Progresivo” al ámbito comercial, con una amalgama de Música Clásica, blues, Jazz y Rock.

Otro trio en toda la extensión de la palabra, pues los tras son grandes músicos y su mezcla en conjunto es equilibrada.

Ha vendido hasta la fecha más de 35 millones de discos.

De su primer disco, su primer track, composición instrumental marcada con el sello del grupo conservado en su esencia desde entonces y para siempre

De su siguiente disco, “Tarkus”, una pieza de estructura prácticamente perfecta con una letra esquizoide evocadora el estilo “King Crimson”.

Bitches cristal Knows how you twist all the lines Fortune teller, Future seller of time Tortured spirits cry Fear is in their eyes Ghostly images die   Witches potion Mixed in the ocean of tears Mystical powers Emerge from the towers Of fear Tortured spirits cry Fear is in their eyes Ghostly images die   Evil learning, People burning, Savage casting ,No one lasting Witchcraft, Sadness, Madness Turning in their minds   Ritual killings That swear in the shillings to be heretic priestess dwells on the weakness she sees Tortured spirits cry Fear is in their eyes Ghostly images die  Molestias de Cristal sabe como tuerces todas las líneas, echador de fortuna, futuro vendedor de tiempo. Espíritus torturados lloran, el miedo está en sus ojos, imágenes fantasmagóricas mueren. Poción de hechiceras mezclada en el océano de lágrimas, poderes místicos emergen de las torres del miedo. Espíritus torturados lloran, el miedo está en sus ojos, imágenes fantasmagóricas mueren. Aprendizaje del mal, gente ardiendo, selección salvaje, nadie queda. Brujería, tristeza, locura cambiando sus mentes. Asesinatos rituales que sudan en los chelines, para ser herética sacerdotisa obcecada en la debilidad que ve. Espíritus torturados lloran, el miedo está en sus ojos, imágenes fantasmagóricas mueren.

Grand Funk Railroad

Trío norteamericano, originario de Flint Michigan, formado en 1968 por Mark Farner (Guitarra y Vocalista), junto con Don Brewer (Baterista y segunda voz) proveniente del grupo Terry Knight and the Pack y Mel Schacher (Bajista) originario del famoso grupo Question Mark y los misteriosos (Terry Knight empezó como su baterista pero luego se volvió su productor, dejándole el lugar a Brewer).

El nombre del grupo viene de la conocida línea ferroviaria de Michigan Grand Trunk Western Railroad.

Fusión de blues, hard rock, funk. Primer grupo de Rock top ten netamente norteamericano, obviamente galardonado 4 veces por la Recording Industry Asociation of America (RIAA). En 1970 fue el grupo de rock norteamericano que vendió más discos a nivel mundial.

En 1971 batieron el record de asistencia en el Shea Stadium que tenían los Beatles, y hasta ahora no ha sido roto.

Grabaron 8 discos en 3 años de 1970 a 1972 y han vendido más de 25 millones de copias.

De su primer disco, este track, otra canción del género de protesta, reflexiva y cruda, ante la realidad tan absurda que la política y la guerra en Norteamérica y el mundo provocaban en la juventud de ese momento.

  • Sin’s a good man’s brother (Closer To Home, 1970)

Ain’t seen a night, Things work out right Go by Things on my mind And I just don’t have the time And it don’t seem right   Ain’t seen a day That I don’t hear people say They know they’re gonna die Now, this may seem a little bit crazy But I don’t think you should be so lazy   If you think you’ve heard this before Well, stick around I’m gonna tell you more One just like the other Sin’s a good man’s brother But is that right? You tell me that I don’t Then I say I won’t But then I might   You said this is the way it’s supposed to be But it just don’t seem right to me And that’s outta sight Some folks need an education Don’t give up or we’ll lose the nation You say we need a revolution It seems to be the only solution  No he visto una noche en que las cosas funcionen y vayan bien, las cosas en mi mente. Y es solo que no tengo tiempo, y no parece correcto. No he visto un día en que no oiga decir a la gente que saben que van a morir. Ahora esto puede parecer un poco loco, pero no creo que seas tan holgazán. Si crees que has oído esto antes nos quedamos y te cuento más. Uno igual que otro, el pecado es un buen hermano del hombre Pero eso es correcto? Dime que no lo haga, entonces digo que no lo haré, pero entonces osaré. Dices que es así como se supone debe ser, pero a mí me parece que no es correcto, y está fuera de lugar. Algunos paisanos necesitan una educación, no se rinden, si no perderán la nación. Dices que necesitamos una revolución, parece ser la única solución.  

De su primer disco recopilatorio en vivo, quizá el mejor de su discografía y uno de los mejores discos en vivo de la historia del Rock, la pieza que marcó al álbum y al grupo (en youtube no se encuentra la versión de este disco, que es mucho mejor que la que aquí se pone):

  • Inside Looking Out (Live Album 1970)
I’m here lonely like a broken man. I serve my time doin’ the best I can. Walls and bars they surround me. But, I don’t want no sympathy.   No baby, no baby, All I need is some tender lovin’. To keep me sane in this burning oven. And, when my time is up, you’ll be my reefer.   Life gets worse on God’s green earth. Be my reefer, got to keep smokin’ that thing. No, no,   I say now baby baby let me smoke it smoke it Makes me feel good feel good, yes, I feel good ah Yes, I feel alright feel alright yes   Ice cold water is runnin’ through my veins. They try and drag me back to work again Pain and blisters on my mind and hands I work all day making up burlap bags.   The oats they’re feeding me are driving me wild. I feel unhappy like a new born child Now, when my time is up, you wait and see These walls and bars won’t keep that stuff from me. No, no, baby, Won’t keep that stuff from me.   I need you right now mama. I need you right now baby. Right by my side, honey. All night long. Make me feel alright Yes, all yes, all yes, all alright.   You better come on up and get down with me. I’ll make you feel real good, just you wait and see. Make me feel alright yes, I feel alright Yes, ahh yes, ahh yes, alright.Estoy aquí sentado como un hombre quebrado, cumplo mi condena lo mejor que puedo, paredes y barrotes me rodean, pero no quiero compasión. No nena, no nena, todo lo que necesito es algo de ternura, para mantenerme cuerdo en este horno ardiente, y cuando mi tiempo se cumpla tú serás mi churro (= cigarro de marihuana). La vida se vuelve peor en la tierra verde de Dios. Sé mi churro, tengo que seguir fumando esa cosa, no, no.     Ahora digo nena, déjame fumarla, me hace sentir bien, sí, me siento bien, oh sí.   Agua helada corre por mis venas, ellos intentan y me arrastran de nuevo al trabajo, el dolor y las ampollas en mi interior y mis manos. Trabajo todo el dia haciendo costales de yute, la avena con la que me alimentan me está volviendo salvaje, me siento infeliz como un recién nacido. Ahora que mi tiempo se cumpla espera y verás, estas paredes y barrotes no guardarán todo esto en mi No, no nena, no guardarán todo esto en mi. Te necesito ahora mami, te necesito ahora nena, justo a mi lado cariño, toda la noche. Hazme sentir bien, sí, ahh, sí, muy bien. Mejor ven y quédate conmigo, te haré sentir realmente bien, solo espera y verás. Hazme sentir bien, sí, ahh, sí, muy bien. 

ZZ Top.

Trío norteamericano, formado en 1970 en Houston Texas, conformado por Billy Gibbons (Guitarra y Voz), Dusty Hill (bajo) y Frank Beard (batería).

Es uno de los pocos grupos de Rock que después de más de cuarenta años conserva a sus miembros originales y a su productor Bill Ham.

Son mundialmente conocidos gracias a su particular estilo, mezcla con acento Hard de blues, Southern Rock, Bayou, así como a su imagen tan peculiar, casi caricaturesca (lentes oscuros, barbas rubias y largas, atuendo country, largos abrigos de cowboy).

En los 80 tuvieron un gran éxito comercial y de ahí asumieron la imagen que tienen hasta ahora.

En los noventas retornaron en gran medida a su estilo setentero, pero manteniendo el uso de los teclados. Esto provocó en parte el alejamiento de sus discos en las listas de popularidad, pero recuperaron a muchos de sus primeros seguidores.

En 2012 la agrupación publicó su décimo quinto disco de estudio, La Futura, su primer trabajo en cerca de diez años que los posicionó nuevamente en las listas musicales de todo el mundo.

Con más de cuatro décadas de carrera musical poseen docenas de discos de oro y de platino, siendo una de las bandas más exitosas del sur de E. U.

Solo en los Estados Unidos han vendido cerca de 25 millones de copias y hasta el año 2014 se estima que sus ventas superan los 50 millones a nivel mundial.

De su primer disco, uno de los mejores blues-rock que se hayan grabado:

  • Brown Sugar (first Album, 1970).
My friends, they all told me, Man, there’s something gonna change your life. Gotta have that brown sugar. Man it’s just gonna change my life. Man, I gotta have that brown sugar. Man, it’s just gonna make me feel so right.   There’s something make me feel good, And it’s gonna change my life. I gotta have some of that Brown Sugar, Gotta try it before I die.   Man it sure do save me When there’s no place left for me. Gotta have some of that Brown Sugar As long as that’s gonna set me free.  Todos mis amigos me dijeron Hombre, hay algo que va  cambiar tu vida Voy a tener esa azúcar morena Hombre va a cambiar mi vida Hombre me va a hacer sentir bien     Hay algo que me hace sentir bien Y va a cambiar mi vida Tengo que tener algo de esa azúcar morena La tengo que probar antes de morir   Hombre seguro me salva Cuando no haya lugar para mi Tengo que tener algo de esa azúcar morena Por todo el tiempo necesario para que me libere  
  • Waiting for the bus (Tres Hombres 1973)
Have mercy, been waitin’ for the bus all day. Have mercy, been waitin’ for the bus all day. I got my brown paper bag and my take-home pay.   Have mercy, old bus be packed up tight. Have mercy, old bus be packed up tight. Well, I’m glad just to get on and home tonight.   Right on, that bus done got me back. Right on, that bus done got me back. Well, I’ll be ridin’ on the bus till I Cadillac.Ten piedad, he estado esperando el autobús todo el dia Tengo mi bolsa de papel de estraza y mi paga   Ten piedad, el autobús viene hasta el tope Bueno, lo bueno es que me pude subir y estaré en casa esta noche   Eso, este autobús me lleva de regreso Seguiremos tomando el bus hasta que tenga mi Cadillac


Blues desde el Rock

BLUES DESDE EL ROCK (Parte 1)

Por Jose Ramon Gonzalez Ch

DÉCADA DE LOS 60.

Lawdy moma. Cream. Live Cream 1967 (68). Canción tradicional, arreglo de Eric Clapton y Cream.

Lawdy moma puede traducirse como Mami o Mujer estruendosa o chillona.

Cream la Grabó por primera vez en las BBC sessions de 1966 y de ahí en adelante formó parte casi permanente de su repertorio.

Apareció como último track y único grabado en estudio de su legendario álbum Live Cream (1967en Gran Bretaña y 68 en EU).

En esta pieza Clapton toma prestado el solo que le hizo Albert King. El pegajoso riff fue retomado por Clapton y Cream para la composición de “Strange Brew”, rock blues con el que Cream abre su disco “Disraeli Gears”, que desde su aparición se convirtió en uno de los mejores discos de la historia del Rock.

Recuerdo que desde la primera vez que puse la aguja del tornamesa sobre la pista uno de Disraeli Gears quedé impactado para siempre con esta pieza y con Cream. Mientras lo oía y me deleitaba visualmente con su psicodélica portada (también una de las mejores en la historia de la música), me convertí en algo así como un zombi a disposición del mejor trío de Rock de la historia.

Wanna go out, baby, too late at night Lawdy Mama, no need to worry Wanna go out, baby, too late at night I got a real funny feeling. Don’t wanna treat your Daddy right, Long legged woman, come and hold my hand Lawdy Mama, no need to worry, Long legged woman, come and hold my hand, I got a real funny feeling. You wanna love some other man. Leavin’ in the morning, your cryin’ won’t make me stay Lawdy Mama, no need to worry Leavin’ in the mornin’ baby, your cryin’ won’t make me stay The more you cry baby the further gonna drive your Daddy away  ¿Quieres salir, nena, muy tarde de noche? Lawdy Mama, no necesitas preocuparte ¿Quieres salir, nena, muy tarde de noche? Tengo un sentimiento bien chistoso. No quieres tratar bien a tu papi, Mujer de piernas largas, ven y toma mi mano Lawdy Mama, no necesitas preocuparte, Mujer de piernas largas, ven y toma mi mano, Tengo un Sentimiento bien chistoso. Quieres amar a otro hombre   Me estoy yendo en la mañana, tu llanto no me hará quedarme Lawdy Mama, no necesitas preocuparte. Al irme en la mañana, tu llanto no me hará quedarme. Mientras más llores nena más lejos mandarás a tu papi.  

Dust My Broom. Canned Heat. Disco Live at Topanga Corral, 1968.

El término Dust my broom puede interpretarse como romper con alguien o empezar una nueva vida, barriendo con lo anterior.

Blues de Robert Johnson (Originalmente se llamó “I Believe I’ll dust my broom”). Fue la segunda canción que grabó en San Antonio Tejas en 1936. Realmente se trata de una recreación de “I believe I’ll make a Change” de los Hermanos Aaron y Milton Sparks (1932) con quienes Johnson estuvo en contacto por algún tiempo.

Luego fue interpretada en 1952 como Rythm and Blues por Elmour James, quien realmente la hizo famosa; y de ahí, como todo buen clásico, la tocaron otros muchos músicos de Blues, como Muddy Watters, Robert Jr. Lockwood, John Littlejohn, Hound Dog Taylor, Homesick James; luego en el Rock, el propio Frank Zappa, Keith Richards con Faces, ZZ Top y recientemente por Ben Harper.

I’m gonna get up in the morning I believe I’ll dust my broom Well my best gal, I’ll be loving so, my friend, get out my room. I’m gonna write a letter to China See if my baby’s over there, If she ain’t up in the Hawaiian islands, Must be in Ethiopia somewhere. I believe, believe my time alone. I’ve had to quit my baby And give up my happy home.Me voy a levantar por la mañana Creo que voy a cambiar de aires. Bueno, mi mejor nena, a la que más querría, mi amiga, salió de mi cuarto. Voy a escribir una carta a China para ver si anda por allá . Si no está por las islas hawaianas. Debe estar en algún lugar en Etiopia. Creo que llegó mi tiempo de estar solo. He tenido que dejar a mi nena Y renunciar a mi feliz hogar  .

Stormy Monday – Jethro Tull – 1968. Del Disco 20 años de Jethro Tull 1988.

Original de T Bone Walker 1947.

Grabada como demo cuando Jethro Tull era un grupo de blues.

I said, they call it stormy Monday, But I said, the Tuesday’s just as bad   Wednesday’s full of sorrow I said that Thursday’s oh-so sad It’s oh-so-sad, it’s oh-so-sad. I said Lord, Lord, why don’t You have mercy You gotta have mercy on me, alright ‘Cause trying to find my woman Won’t you bring her home to me? I said they call it stormy MondayDije, le llaman Lunes Tormentoso, pero el martes es igual de malo. El Miércoles está lleno de dolor. Dije, el jueves es muy triste oh, tan triste. “Señor, Señor, ¿ por qué no tienes piedad? Tienes que tener misericordia de mí, ok?” Porque estoy tratando de encontrar a mi mujer. No me la traerás a casa? …Dije, le llaman Lunes Tormentoso  

A New day yesterday – Jethro Tull – Disco “Stand Up” 1969.

Una manera atrevida, casi retadora, de empezar el disco “Levántate” (Stand Up). es la pieza con la que abre el disco.

Me encantó desde la primera vez que la oí en el cuarto de Octavio, cuando me habló por teléfono para invitarme a oír su reciente regalo que le habían traído de estados unidos y salí corriendo hacia su casa (antes solo así podían conseguirse discos buenos, aparte de las discotecas de álbumes importados Hip70, Zorba y AB discos). Ya habíamos oído otros discos de Jethro Tull (Aqualung, Living in the Past), pero ese no. El Diseño artístico del forro completo, portada, contraportada e interiores, era realmente sorprendente. Por fuera, dibujos realmente alucinantes, por dentro, se abría como un álbum de dos discos y al abrirlo, en un trabajo en cartulina, de esos como de los cuentos de niños, se desplegaba y se levantaba (stand up) un dibujo del grupo entero. Tengo aun el disco original, lo conseguí también en Estados unidos, unos años después…

Si pueidera etiquetar esta pieza la ubicaría en algo así como “heavy blues”, una fusión blues rock casi perfecta.

La música, de gran potencia, basada en un riff que se siente como lija gruesa en el alma

La letra, con gran apego también a esa mezcla de sentimientos que implica la palabra blues, tan bien entendida por Ian Anderson.

Entonces y ahora la he usado como arrancador, para darme energía en las mañanas, o como entremés, cuando tengo ganas de oír algo pesado.

My first and last time with you, And we had some fun. Went walking through the trees And then I kissed you once. Oh I want to see you soon, But I wonder how. It was a new day yesterday but it’s an old day now. Spent a long time looking for a game to play. My luck should be so bad now to turn out this way. Oh I had to leave today just when I thought I’d found you It was a new day yesterday But it’s an old day now.Mi primera y última vez contigo, Y tuvimos un poco de diversión. Fui caminando entre los árboles, sí! Y luego te besé una vez. Oh, quiero verte pronto, Pero me pregunto cómo. Ayer era un nuevo día pero ahora es un día viejo.   Pasé mucho tiempo buscando un juego para jugar. Mi suerte debe ser tan mala ahora para cambiar de esta manera. Oh, tuve que irme hoy Justo cuando pensé que te había encontrado ayer era un nuevo día Pero ahora es un día viejo.

Honey Bee – Led Zeppelin – 1969 The BBC Sessions

Original de Muddy Waters

Original de Muddy Waters

Sail on, sail on my little honey bee, sail on, you gonna keep on sailing till you lose your happy home. Sail on, sail on my little honey bee, sail on, I don’t mind you sailing, but please don’t sail so long. All right little honey bee I hear a lotta buzzing, sound like my little honey bee. She been all around the world making honey, but now she is coming back home to me.  Navega abejita, navega, seguirás navegando hasta que encuentres de nuevo tu feliz hogar. Navega abejita, navega No me interesa que navegues, pero por favor, no lo hagas por mucho tiempo. Muy bien abejita, oigo mucho zumbido, suena como mi abejita. Ha andado por el mundo haciendo miel pero ahora ella ha regresado a mí.  

More Blues. Pink Floyd. Soundtrack de la película More. 1969. Décima canción del álbum.

Entre 1970 y 1972 la banda solía improvisar blues en doce compases. Este es uno de ellos. Se trata de un blues instrumental, de fuerte acento psicodélico, que quizá por ser producto de una improvisación fue firmado por toda la banda. En esta pieza Pink Floyd aparece de manera clásica, como un cuarteto de blues: David Gilmour en la Guittarra, Roger Waters en el bajo, Richard Wright en el órgano, Nick Mason en la batería.

Summertime – Janis Joplin – Disco “Cheap Thrills” con The Big Brother and the Holding Company – 1969

Original del George Gershwin (Música) y Dubose Heyward (Letra), 1935. Fue el Aria de su ópera Porgy & Bess. Hay quien ha llegado a contabilizar más de 25,000 versiones de esta pieza.

Summertime, Child, the living’s easy. Fish are jumping out, And the cotton, Lord, Cotton’s high, Lord, so high.   Your daddy’s rich, And your ma is so good-looking, baby She’s looking good now. Hush, baby, baby, baby, baby, baby, No, no, no, don’t you cry.   One of these mornings You’re gonna rise, rise up singing, You’re gonna spread your wings, Child, and take to the sky, Lord, the sky. But until that morning Honey, nothing’s going to harm you now, No, no, noEn verano, Chiquillo, la vida es fácil. Los peces saltan y el algodón, Señor, el algodón es liviano, oh Señor, tan liviano.   Tu papi es rico y tu ma es tan guapa, bebe, Se ve bien ahora. Tranquilo, cariño No, no, no, no, no llores. Una de estas mañanas te alzarás, te elevarás cantando Desplegarás tus alas, chiquillo, Y tomarás hacia el cielo, Señor, el cielo. Pero hasta que llegue esa mañana, Cariño, nada te hará daño, ahora, No, no, no

Love in vain. The Rolling Stones. 1969-1970.

Original de Robert Johnson 1937. La escribió para Willie Mae Powell, basándose en el estilo de Leroy Carr.

La canción sobresale por su letra y cadencia triste. Es un grito de dolor por la pérdida del ser amado.

Los Stones la incluyeron en su disco Let it Bleed de 1969 y luego en su álbum en vivo Get Yer Ya-Ya’s Out de 1970.

La canción entró al salón de la fama del blues en 2011.

Well I followed her to the station with a suitcase in my hand. Yeah, I followed her to the station with a suitcase in my hand Whoa, it’s hard to tell, it’s hard to tell When all your love’s in vain When the train come in the station I looked her in the eye, Well the train come in the station And I looked her in the eye. Whoa, I felt so sad so lonesome that I could not help but cry. When the train left the station It had two lights on behind Yeah, when the train left the station It had two lights on behind Whoa, the blue light was my baby And the red light was my mind. All my love was in vain All my love’s in vainBueno, la seguí hasta la estación con una maleta en mi mano. Si, la seguí hasta la estación con una maleta en mi mano, Oh es duro de decir, es duro de decir cuando todo tu amor es en vano. Cuando el tren llegó a la estación la mire a los ojos . Bueno, el tren llegó a la estación y la mire a los ojos, Oh, me sentí tan triste y desolado que no pude hacer más que llorar. Cuando el tren dejó la estación tuvo dos luces tras de sí, cuando el tren dejó la estación tuvo dos luces tras de sí Oh, la luz azul era mi nena y la roja mi ser. Todo mi amor fue en vano, todo mi amor es en vano  

DÉCADA DE LOS 70.

Bird on a Wire – Joe Cocker with The Mad Dogs and The Englishmen 1970.

Original de Leonard Cohen, 1968.

En ese entonces, Leonard Cohen vivía en la isla griega Hydra con su novia Marianne; pasaba por un momento de profunda depresión y ella lo ayudó a retomar la guitarra y ahí comenzó a componer la canción, al ver justo desde su ventana, un pájaro en un cable de teléfono, que en esos momentos se estaba apenas poniendo en la isla, terminándola en un motel de Hollywood. Meses después aparecería en su álbum Songs from a room (1969). De hecho, en la contraportada aparece una foto de Marianne.

En una entrevista en 1975, Leonard Cohen comenta de la canción:

 “Siempre abro mis conciertos con ella. Parece regresarme a mis deberes, la empecé en Grecia, la continué en Hollywood, la ajusté en Oregon, es como si no pudiera llegar a perfeccionarla. Kris Kristofferson me dijo que una parte de la melodía se la había robado a un compositor de country de Nashville. También me dijo que puso el primer par de líneas en una de sus piezas, me dolería que no lo hiciera”.

Se ha sugerido que la canción a la que se refería Kristofferson es “Turn me on” escrita por John D Loudermilk, grabada originalmente por Mark Dinning en 1961 y luego reinterpretada por otros músicos como Nina Simone, que si se parece a la canción de Cohen.

En las notas de un release aparecido en 2007, la canción se describe como al mismo tiempo una oración y un himno, una especie de “My Way” bohemio.

En esta versión, en un arreglo casi teatral, de Joe Cocker y The Mad Dogs and The Englishmen, recrea la canción en una progresión de cuatro acordes, con el espléndido piano de Leon Russel y un coro estilo Góspel, en el que oímos por ahí a Rita Coolidge.

La canción proyecta un sentimiento de ruego por un poco de paz interior, de armonía consigo mismo; la Virtud y la Paciencia ocupan el centro de la pieza. La voz aguardentosa de Cocker, acompañado del coro, le da un sentido aún más dramático.

Like a bird on the wire, Like a drunk in a midnight choir I have tried in my way to be free. Like a worm on a hook, Like a knight from some old fashioned book I have saved all my ribbons for thee. If I have been unkind, I hope that you can just let it go by. If I have been untrue I hope you know it was never to you.   Like a baby, stillborn, Like a beast with his horn I have torn everyone who reached out for me. But I swear by this song and by all that I have done wrong I will make it all up to thee.   I saw a beggar leaning on his wooden crutch, He said to me, “You must not ask for so much.” And a pretty woman leaning in her darkened door, She cried to me, “Hey, why not ask for more?”   Oh like a bird on the wire, Like a drunk in a midnight choir have tried in my way to be free.Como un pájaro en un alambre, como un borracho en una cantina de medianoche, He intentado ser librea mi manera. Como un gusano sobre un anzuelo, Al igual que un caballero de un libro anticuado, guardé todos mis trofeos para ti. Si he sido poco amable, espero puedas dejarlo pasar. Si he sido infiel espero que sepas que nunca lo fui contigo. Como un bebé, nacido muerto, Como una bestia con su cuerno He hecho trizas a quien se ha acercado a mí. Pero juro por esta canción Y por todo lo que he hecho mal, lo voy a arreglar para ti.   Vi a un mendigo apoyado en su muleta de madera, Él me dijo: “No debes pedir tanto” y una mujer bonita apoyándose en su puerta oscura me gritó, ‘Hey, ¿por qué no pedir más? ” Oh, como un pájaro en un alambre, como un borracho en una cantina de medianoche, he intentado ser libre a mi manera.

It’s my own fault. Johnny Winter (John Dawson Winter. Beaumont Texas, 23 feb 1944 – 16 jul 2014). . Disco “Johny Winter and…” (1970).

Original de B B King (My Kind of Blues, 1961).

Johnny Winter le produjo albums a Muddy Watters que le hicieron ganar 3 grammys. También produjo otros discos nominados al Grammy. En 2003 entró al salón de la fama del blues. Está colocado por la revista Rolling Stone en el número 63 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

El disco Johnny Winter and…, lo lanzó definitivamente a la fama. En especial, esta canción que fue la pista 6, llamó la atención de Columbia Records. Un blues desde el Rock hecho y derecho, del cual más que hablar, hay que escuchar sus finos detalles. Destaca el duelo de requintos entre Winter y Rick Deringer.

It’s my own fault, babe Treat me the way you wanna do When I was loving you, woman All the time you know I wouldn’t be true.   Once you told me that you love me, you changed your mind. Gonna send you back to your mother, You are no good.   You used to make an all fancy woman Bring it all home to me. I go out every night, baby, look at me Woman, let us be. It’s my own fault, babe Treat me the way you wanna do When I was loving you, woman All the time you know I wouldn’t be true   Upon my knees, grabbing my babe But I’ll try to do better, better. You know I’m a trying the best I can, treat me the way you wanna do, When I was loving you, woman All the time you know I wouldn’t be true  Es mi culpa, nena, trátame de la forma que quieras, cuando te estaba amando mujer, sabes bien que no podría ser fiel. Una vez me dijiste que me amabas, cambiaste de parecer, te mandaré de regreso con tu madre, no eres buena.   Solías ser una mujer sofisticada, me traías todo a casa. Salgo cada noche, nena, mírame Mujer, déjanos ser. Es mi propia culpa, nena, trátame de la forma que quieras, cuando te estaba amando sabes bien que no podría ser fiel. De rodillas, agarrando a mi nena, pero intentaré hacerlo mejor, mejor. Sabes que estoy haciendo lo mejor que puedo.   Trátame como quieras, cuando te estaba amando sabes bien que no podría ser fiel.

Seamus. Pink Floyd. Del disco Meddle. 1971. Es la quinta canción del álbum.

Una una progresión de blues en tono de Re. La canción se llama así porque es el nombre del perro afgano que “canta” aullando en ella, cuyo dueño era Steve Marriott, líder de Humble Pie y Small Faces.

Las guitarras son de Roger Watters y David Gilmour.

I was in the kitchen Seamus, that’s the dog, was outside well I was in the kitchen Seamus, my own hound, was outside well you know the sun was sinking slowly and my own hound-dog sat right down and cried  Yo estaba en la cocina Seamus, ese perro, estaba afuera Bueno, yo estaba en la cocina Seamus, mi sabueso, estaba afuera Bueno, sabes, el sol se hunde lentamente Y entonces mi sabueso se sentó y lloró

The Midnight Rambler – The Rolling Stones – Get Yer Ya Ya’s Out (1970)

Grabada en estudio en 1969 apareció originalmente en el disco “Let it Bleed” y luego en su famoso disco en vivo “Get yer ya ya’s out” de 1970, donde toca el requinto el gran guitarrista Mick Taylor, que estuvo con ellos en lo que quizá sea la época más grandiosa de la banda. Taylor tocó también con Santana y estuvo en México hace relativamente poco.

La letra es una biografía perdida, una especie de corrido, dedicado a Albert de Salvo, el famoso estrangulador de Boston.

Keith Richards denominó esta pieza como un Blues Opera que refleja la quintaesencia del dueto Jagger-Richards, una canción que según él, nadie podía haber escrito más que ellos. “Como siempre solo faltó darle cuerda a Mick y dejarlo volar, entender lo que iba sacando y listo”.

Ambos se encontraban en Italia, se quedaron algunas noches en Positano un pueblo montañés. Jagger dice en una entrevista “Cómo se nos ocurrió hacer una canción tan oscura en un pueblo así, tan tranquilo y soleado? No lo sé. La escribimos toda ahí, luego se nos ocurrió cambiarle el tempo y meterle la armónica. Mucha gente que dice que no se oye bien la voz. Si surge la letra está bien; si no, también, porque de cualquier forma puede significar mil cosas diferentes para cada quien…”

You’ve heard about the midnight rambler everybody got to go. I talk about the midnight rambler the one you ever seen before he don’t give a hoot of warning wrapped up in a black cat cloak he don’t go in the light of the morning he split the time the cock’rel crows   Talkin’ about the midnight gambler the one you never seen before I’m talkin’ about the midnight gambler did you see him jump the garden Wall   Sighin’ down the wind so sadly listen and you’ll hear him moan talkin’ about the midnight gambler Everybody got to go.   Did you hear about the midnight rambler? well, honey, it’s no rock ‘n’ roll show. Well, i’m talkin’ about the midnight gambler yeah, everybody got to go   Well did ya hear about the midnight gambler? the one you never seen before .Well you heard about the Boston strangler? it’s not one of those. well, talkin’ ‘bout the midnight shit, the one that closed the bedroom door. I’m called the hit-and-run raper in anger the knife-sharpened tippie-toe… or just the shoot ‘em dead, brainbell jangler you know, the one you never seen before. So if you ever meet the midnight rambler coming down your marble hall well he’s pouncing like proud black panther well, you can say i told you so. Well, don’t you listen for the midnight rambler, play it easy, as you go i’m gonna smash down all your plate glass windows put a fist, put a fist through your steel-plated door .Did you hear about the midnight rambler he’ll leave his footprints up and down your hall and did you hear about the midnight gambler? and did you see me make my midnight call   And if you ever catch the midnight rambler i’ll steal your mistress from under your nose i’ll go easy with your cold fanged anger i’ll stick my knife right down your throat, baby, and it hurts!Has oído del vagabundo de medianoche? todo el mundo debería. Hablo del vagabundo de medianoche el que nunca antes habías visto, no da un grito de advertencia, cubierto con una capa de gato negro, no anda a la luz del día, se brinca el tiempo en que canta el gallo. Hablando del jugador de medianoche el que nunca has visto antes, Hablo del jugador de medianoche le viste saltar el muro del jardín? Suspirando bajo el viento tan tristemente, escucha y le oirás gemir. Hablando del jugador de medianoche, todo el mundo tiene que ir. Has oído del vagabundo de medianoche? Bueno cariño, no es un show de rock and roll. Bien, estoy hablando del apostador de medianoche, sí, todo el mundo tiene que ir. Bueno, has oído del jugador de medianoche? el que jamás viste antes. Bueno, has oído del estrangulador de Boston? él no es uno de esos. Bien, hablo de la mierda medianoche que cerró la puerta de la habitación. Me llaman el iracundo violador de pisa y corre, el que anda de puntillas con un cuchillo afilado o simplemente el tirador a muerte que deja los cerebros titineantes tu sabes, el que jamás viste antes. Así que si te topas con el Vagabundo de Medianoche bajando a tu salón de mármol, bueno, el ronda como una orgullosa pantera negra, bueno, puedes decir que te lo dije. Bien, no oirás del vagabundo de medianoche? tómalo con calma, cuando lo hagas haré añicos tus ventanas de vidrio plano, meteré el puño por tu puerta de plancha de acero. Oíste hablar del Vagabundo de medianoche? dejará sus huellas arriba y abajo de tu salón, y oíste hablar del jugador de medianoche? y me viste hacer mi llamada de medianoche? Y si alguna vez atrapas al vagabundo de medianoche yo me robaré a tu amante frente a tus narices, me iré fácil con tu fría y rabiosa ira, meteré mi navaja justo bajo tu cuello nene, y eso duele!

Before You acuse me. Creedence Clearwater Revival. Disco Cosmos Factory, 1970.

Original de la estrella rocanrolera Bo Diddley (música) y Eugene McDaniel (Letra), compuesta en 1957. Ha sido grabada por muchos músicos, como Magic Slim, Derbert McClinton, Eric Burdon, quien la grabó en 2007 y por supuesto, la famosa interpretación unplugged de Eric Clapton en 1989 (disco que le hiciera ganar en 1992 el Grammy) y su versión en estudio, con el segundo requinto del también gran guitarrista Robert Cray.

Curiosamente, esta canción la grabó Creedence Clearwater Revival dos veces: en su primer disco en 1968, que lleva el nombre del grupo y en el último, Cosmos Factory, en 1970. En ambas se nota el swing de acento Bayou, clásico del sonido Creedence y para no variar, sobresale la guitarra aguda, brillante y con vibrato de John Fogherty.

Before you accuse me, take a look at yourself. You say I’ve been buyin’ another woman clothes, But you’ve been talkin’ to someone else.   I called your mama ‘bout three or four nights ago. Your mama said, “son, Don’t call my daughter no more.”   Before you accuse me, take a look at yourself. You say I’ve been buyin’ another woman clothes, But you’ve been takin’ money from someone else. Come on back home, baby; try my love one more time. You’ve been gone away so long, I’m just about to lose my mind.  Antes de que me acuses, mírate. Dices que he estado comprando ropa a otra mujer, pero tú has estado hablando con alguien más. Le llamé a tu mamá hace como 3 o 4 noches, tu mamá me dijo: “Hijo Ya no le vuelvas a llamar a mi hija”.   Antes de que me acuses, mírate. Dices que he estado comprando ropa a otra mujer, pPero tú has tomado dinero de alguien más. Regresa a casa nena, prueba mi amor otra vez, Te has alejado por mucho tiempo, estoy a punto de perder la razón.

The Cars his by my window – The Doors – Disco “L. A. Woman” 1971

Evoca imágenes captadas por el poeta en la sórdida habitación de un hotel.

Transmite una fuerte sensación de blues, mezcla de sentimientos como melancolía, soledad, inspiración creativa).

Jim Morrison refleja de manera casi premonitoria, los sentimientos que en ese momento, cercano a su muerte, le asaltan sobre la vida.

La canción culmina con un solo de voz de Morrison emulando un requinto de guitarra, quizá mezclado con una harmónica.

Pop Star. Cat Stevens. Disco Mona Bone Jacon. 1971.

Steven Demetre Georgiou, de Padre Griego-Chipriota y madre Sueca, nació en Londres el 21 de julio de 1948. El mote de “Cat” le vino de una novia que tuvo que decía que él tenía ojos de gato.

Este blues rememora un episodio cuando a los 15 años y con ganas de ser músico, su hermano salió a la calle a gritar a los 4 vientos que su hermano era talentoso e iba a ser una estrella del pop. Pero también es sarcástico sobre las estrellitas pop y sus banales y efímeras pretensiones.

Yes I’m gonna be a pop star Oh mama, mama see me Mama, mama see me I’m a pop star   Oh, yes, I’m goin’ on the TV now, now Oh mama, mama see me Mama, mama see me on the TV   Yes, I’m goin’ on my first gig Oh mama, mama see me Mama, mama see me on my first gig Now listen to me La, la, la, la, la Oh, it’s so good   Oh well, I’m goin’ to the cold bank, cold bank Oh mama, mama see me Mama, mama see me at the cold bank   Mama sing it Here it comes La, la, la, la, la   Oh well, I’m coming, coming, coming home, now Oh mama, mama see me, mama, mama see me I’m home  Sí, voy a ser una estrella pop Mami, mami veme, mami, mami veme soy una estrella pop. Si voy a salir en la tele, ahora Mami, mami veme Mami veme en la tele. Sí, voy a mi primer recital Oh mami, mami veme Mami veme en mi primer recital. Ahora escúchame La, la, la, la, la Oh, qué bien. Bueno, voy a la banca, Oh mami, mami veme Mami mami veme sentado en la banca. Mami cántalo, Aquí va La, la, la, la, la. Oh, bueno, allá voy a casa ahora, Oh mami veme, mami, mami veme, estoy en casa.

Sittin on top of the world. The London Howlin’ Wolf sessions. Banda de estudio formada por Eric Clapton, Stevie Winwood (Traffic), Charlie Watts y Bill Wyman (The Rolling Stones) junto con Howlin’ Wolf (voz) en 1971.

Escrita originalmente por Walter Vinson y Lonnie Chatmon, miembros de los Mississippi Sheiks una banda de blues famosa en los 30. Vinson dice haberla escrito una mañana después de toca una danza blanca en Greenwood Mississippi.

Se convirtió en un clásico de la música norteamericana y como sucede en esos casos, se ha grabado por infinidad de intérpretes y en gran cantidad de versiones y ritmos (Country, Bluegrass, Blues, Rock).

La canción entró al salón de la fama del blues en 2008.

One summer day, she went away; Gone and left me, she’s gone to stay. She’s gone, but I don’t worry: I’m sitting on top of the world. All the summer, worked all this fall. Had to take Christmas in my overalls. She’s gone, but I don’t worry: I’m sitting on top of the world. Going down to the freight yard, gonna catch me a freight train. Going to leave this town; worked and got to home. She’s gone, but I don’t worry: I’m sitting on top of the world.Un día de verano, ella se fue se fue y me dejó, se fue para quedarse. Se fue pero no me preocupa, estoy sentado en la cima del mundo. Trabajé Todo el verano y todo este otoño, me llegó la navidad con el overol puesto. Se fue pero no me preocupa, estoy sentado en la cima del mundo. Bajo al patio de carga, tomaré el tren carguero, voy a dejar este pueblo, trabajaré y regresaré a casa. Se fue pero no me preocupa, estoy sentado en la cima del mundo

3 Legs – Paul McCartney – disco “Ram” 1971

“3 Legs” fue publicada en el disco Ram, lanzado a la venta en Mayo del año 1971 y que recién se relanzó en una edición de lujo, que incluye material anexo, cortes inéditos y otras sorpresas.

El disco que al principio no fue bien aceptado por la crítica, ha quedado como uno de sus mejores en su labor como solista y debe ocupar un lugar privilegiado en su discografía.

En ese momento cada ex Beatle ya tenía al menos un disco como solista. Pero también donde las relaciones personales entre cada uno de ellos estaban cortadas, por el fin de la sociedad de Apple, donde las demandas, las idas y vueltas a tribunales y los mensajes personales que iban de canción en canción tenían sumido en un ambiente turbio a cada músico y con la boca abierta a todos sus seguidores.

Uno de los que más luchó por rescatar algo de dinero de Apple y a la vez lavar su imagen tras la ruptura de la banda fue Paul, quien a diferencia de George o John, que se tomaban más a la ligera este asunto (incluso con humor), era el que más sentía la caída del imperio Beatle, sobre todo por las acusaciones de la prensa.

Tras las duras críticas a su debut como solista con el disco “McCartney” (el de las cerezas), y además tras tener que soportar todas las acusaciones de la prensa y sus amistades Paul cae en una crisis emocional y decide tomar unas prolongadas vacaciones con su familia en su granja de Mull of Kintyre, en Escocia. Ahí crean algunas canciones, con nuevas ideas creativas, mensajes y reflexiones que fueron apoyadas por su pareja, Linda, que estaba metida en la producción aunque en ese momento no sabía ni tocaba nada de música.

Paul salió a Nueva York con el nuevo material en pleno otoño de 1970 para grabar su nuevo repertorio, pero esta vez no quería trabajar de manera solitaria, requería de otros músicos para poder llevar a cabo toda la producción. De forma anónima e irónica, Paul puso un aviso en un diario donde buscaba músicos para grabar un jingle comercial. Asi, aparecieron en el casting el baterista Denny Seiwell (quien se un solo de batería al estilo Ringo), el guitarrista Dave Spinozza (virtuoso pero mal genio) y el trompetista Marvin Stamm.

Empezaron las sesiones de grabación, dirigidas por Paul, que vigilaba de manera perfecta cada detalle de sus canciones. Y entre esas canciones estaba presente un country blues, que contaba con una letra llena de metáforas ligadas a la situación personal y a la tan mala relación en ese momento con sus demás ex compañeros Beatles: Se llamó “3 Legs”, con frases bastante alusivas como “When I thought you was my friend/But you let me down/Put my heart around the bend” ó “My dog he got three legs/But he can’t run” que quizás iban de la mano con poner en evidencia, aunque de manera velada, los defectos y pocas virtudes de sus compañeros.

En una entrevista a John Lennon en 1971 a una pregunta del reportero sobre el nuevo disco de Mc Cartney comentó: “me gustó un poco de eso del “perro de tres patas”, sobre todo esa parte que dice “Hands across the water”, pero en palabras simples, el disco dispara fuera de tiempo. No me gusta!”

La canción fue grabada en octubre de 1970 y fue la última pieza donde colaboró Dave Spinnozza, quien decidió abandonar el proyecto tras varias discusiones con Linda McCartney (meses después declararía que “ella quería hacerlo todo, nos mandaba en el estudio, y eso que no sabía tocar nada, pero se creía la productora “). Luego colaboraría con Lennon en algunas piezas.

En esa sesión, Dave y Paul estuvieron a cargo de las guitarras acústicas y las grabaron juntos el mismo día. Lo que sí llamó la atención de Dave y a los demás músicos es que en ninguna de las sesiones Paul tocaba el bajo, lo grababa en solitario por su cuenta.

Well, when I walk, when I walk Walk my horse upon a hill When I lay me down Will my lover love me still? A dog is here, A dog is there My dog, he got three legs But he can’t run   Well, when I thought, When I thought you was my friend But you let me down, Put my heart around the bend A fly flies in, A fly flies out Most flies they got three legs But mine got one   Well, when I fly, When I fly above the clouds You can knock me down with a feather, yes, you could But you know it’s not allowed  Bueno, cuando paseo a mi caballo sobre una colina y me apeo, cuando me acuesto, mi amante me amará aun? Un Perro está aquí, un perro está allá, Mi perro tiene tres piernas Pero no puede correr. Cuando pensé que eras mi amigo (te llamé por ser mi amigo) pero me decepcionaste, pon mi corazón en la esquina. Una mosca vuela para adentro, una mosca vuela para fuera, la mayoría de las moscas tiene tres piernas, Pero la mía tiene una. Bien cuando vuelo por encima de las nubes (de la multitud) Puedes noquearme con una pluma, sí que podrías, pero sabes que no te está permitido)

Blue Jean Blues – ZZ Top – Disco Fandango, 1975

Igualmente, siguiendo las reglas más ortodoxas del blues, con ese acento triste y duro, bohemio y amargo, melancólico y creativo que solo el blues puede dar, la letra, cargada de una sensualidad desenfadada, es solo un pretexto para el virtuosismo del requinto natural, sin efectos, de Billy Gibbons y el filin’ de Dusty Hill en el Bajo y Frank Beard en la Batería.

I done ran into my baby And finally found my old blue jean. Well, I could tell that they was mine From the oil and the gasoline.   If I ever get back my blue jean, Lord, how happy could one man be ‘Cause if I get back those blue jean You know, my baby be bringin’ ‘em home to meCorrí hacia ni nena Y finalmente encontré mis viejos blue jeans Bueno, puedo decir que eran míos por el aceite y la gasolina.   Sí alguna vez encuentro mis blue jeans Señor, cuán feliz un hombre podría ser Porque sí encuentro esos blue jeans Tú sabes, mi nena me los traerá a casa


Hoy, Fiesta de la Música en Francia!

Un cuento de: José Ramón González Chávez

A la Peña de los Compadres,

In Memoriam.

(…suena el despertador, una vez…, dos veces…

antes de que suene por tercera vez lo apago…)

Mmmmhh, bueno, a levantarse, un día más…

Despierto en la cama de mi departamento recién rentado, aquí en Vichy, feliz de estar en él, después de haber vivido más de un mes en un hotel de cuarta al que llegué embaucado por el taxista con el que me topé a mi llegada, en la estación del tren.

Prendí el radio que compré para habituarme a la melodía, el ritmo y la velocidad de la que sería por varios años mi lengua cotidiana y escuché en el noticiero matutino que hoy entraba el verano; o al menos eso creí haber entendido, porque el locutor dio la nota muy rápido, parecía no darle mucha importancia al suceso, solo le dedicó unos segundos, como si fuera un anuncio de rutina.

Abro la ventana que da hacia la calle, todo es verde, la gente camina con semblante alegre rumbo a donde tiene que ir, a gusto, sin molestia alguna digamos, de tipo climatológico…, cosa sin duda singular porque al llegar a este país aprendía a que el clima sí influye en los estado de ánimo.

Sí, es un muy bonito día, extrañamente bonito; es un día muy… mexicano, si se puede decir, porque no hace ni frío ni calor, ni nubes, de un perfecto azul celeste. Sobre el tejado del edificio de enfrente, me sorprende una luna, casi llena, a plena luz del día.

Sí, hoy es un bello día, aquí en Vichy, una bonita manera de ser recibido en esta tierra tan lejana de la mía, de la cual solo me llega el olor de la brisa de un gran charco que me separa de ella 10 mil kilómetros… y a la cual no regresaré sino si hasta que el destino así lo quiera, mucho tiempo después.

Pero bueno, tal día amerita un paseo, sólo hay que ajustar un poco la dirección del zapato para llevar los pasos por la calle del Presidente Wilson, quebrando a la izquierda por la calle del Casino, rumbo al hermoso parque que acompaña al río Allier desde el Club Aviron hasta el Boulevard des Etats Unis.

Curiosamente, Vichy me evoca pasajes de la historia de México: era la Villa de descanso y diversión de Napoleón III, sí, aquel orquestador de la Guerra de los Pasteles, la invasión suaba y el fallido imperio de Maximiliano. La hizo resplandecer durante su reinado, parques, aguas termales, casino, opera, hipódromo, deportes acuáticos. Luego me tocó vivir en la Calle del Presidente Wilson, contemporáneo de Porfirio Diaz, que por abajito del agua –para no variar- promovió y patrocinó la revolución mexicana y luego la invasión a Veracruz en el 14, moneda de trueque para el cierre de la guerra civil con Carranza. La frontera norte del parque, es el Boulevard des Etats Unis, que en su trayecto cambia de nombre a Avenue Victoire (Frontera Norte, Estados Unidos, Victoria… qué paradoja…). También evoca un capítulo de las historias francesa y mexicana olvidado hasta ahora, pues al igual que en el exilio español, causado por el triunfo del fascismo en España, el México Cardenista recibió a gran cantidad de franceses que al momento de la invasión de Hitler huyeron del régimen racista y autoritario del Mariscal Petain, que suprimió la República y estableció a Vichy como capital del régimen nazi hasta el final de la segunda guerra (Primero la llegada de franceses en actitud de guerra expansionista; algunas décadas después, otra llegada de franceses, pero ahora en solicitud de ayuda humanitaria. Otra paradoja…).

Pero bueno, por este día la historia y las paradojas que pasen a un segundo plano. Lo importante hoy es que la tarde cae, el sol dorado se filtra entre las hojas de los árboles; un cuidado tapiz intermitente de flores de muchas variedades y colores decora el parque.

Más allá, al fondo, el Allier que en su ruta líquida une los horizontes de sur a norte. Camino sin prisa por la ribera que aquí llaman Route Thermal  y voy viendo algunos anuncios en los postes de luz, en los negocios establecidos a la orilla. De repente, uno de ellos me anuncia algo inesperado y sorprendente:

“AU JOURDHUI, FÊTE DE LA MUSIC EN FRANCE!”

Hoy, fiesta de la música en Francia, sí, en todo Francia y desde luego aquí, en Vichy, donde me encuentro ahora. Día de la música… me quedo pensando ¿Qué significa esa expresión aquí, en esta tierra tan diferente, donde las cosas y sobre todo las que se relacionan con los sentimientos tienen –al menos eso creo- otro significado?

Sigo mi recorrido ribereño y distingo a lo lejos algo que parece música.  Sí, sí, creo que es música, y sin querer aprieto un poco el paso; la combinación de sonidos que escucho se me hace como un espagueti o una ensalada para el sentido del oído, pues aunque sé que lo que es –música-, no alcanzo a separar un sonido del otro. Toda esa música mezclada como si fueran mil canciones tocadas a la vez, unidas al murmullo de la gente, me producen una sensación de placentero aturdimiento. Me detengo un momento y trato de deshebrar esta madeja de sonidos; distingo algunas notas de música árabe, otras de música brasileña cantada en francés y una que otra frase cantada en español; ¿en español?, ¿dije en español?, los resortes del corazón me hacen saltar como salta uno cuando después de un tiempo encontramos algún objeto perdido al que se le tiene por indispensable. Reparo en que son seis meses, medio año ya, que tengo de haber comenzado a padecer, en una especie de masoquismo forzado, de esos tonos del idioma que me han acompañado durante toda mi vida.

Atento a las palabras de esa música reconfortante que es la propia lengua, la materna, casi hipnotizado como una serpiente por la flauta de un faquir voy hacia la fuente de donde brotan esas frases que mi alma recibe como un bálsamo administrado por la mano de una musa. Entro por un arco formado por dos árboles muy grandes, creo que son castaños, -como castaños son los cabellos de mi mujer…-. Casi por instinto, traspaso el verde umbral; la fiesta comienza.

Gente de todo el mundo se reúne sin conocerse con el único afán de hacer en este fabuloso día de hoy, alguna de estas cuatro cosas, o combinarlas a placer: escuchar, tocar un instrumento, cantar o bailar, y que realmente, solo son una: hacer música, no importa la raza, la lengua, la historia, la ciencia, la virtud, de cada quien. Todos son simples mortales hoy partícipes de un embriagante ritual mágico que celebra la mitad del año sideral: El verano.

Por allá, a un lado de cualquier parte, deben estar mis amigos de habla hispana, de habla mágica, de lenguaje para hablar con Dios. Ahora no sólo escucho las palabras, las entiendo, las siento, las poseo y ellas me poseen.  Y cómo no me van a poseer si la letra dice: “Por las tardes, con la lluvia, se baña su piel morena, y al desatarse las trenzas, sus ojos tristes se cierran…”.

Mi ciudad. Guadalupe Trigo. http://www.youtube.com/watch?v=NFBaEzDRiTM

Quién puede conocer esa canción hasta estos lugares? Pero, si soy yo, precisamente yo, el que está cantando y que tiene la guitarra en su regazo y abrazada, aferrándose a ella, como lo hiciera un náufrago con un trozo de madera en medio del mar.

Por un momento vuelvo en mí: un charango, un bombo y una flauta me acompañan; un centenar de almas, entre franceses y de otras no sé qué tantas nacionalidades me escuchan; nos escuchan, cantan, se agitan, danzan. Entre ellos, una francesa, ebria de tanta felicidad, más que de cerveza, brinca, grita y reparte besos a los músicos, al público; se da cuenta de que está en presencia de una congregación global y exclama a toda la rosa de los vientos Je vous aime en cinco idiomas..

Mis compañeros de grupo, sudamericanos de diferentes países y que ahora sé que son miembros de una banda de música folclórica latinoamericana, que estudia en el conservatorio nacional de música folclórica de Gannat, pueblo vecino a Vichy, traen una buena cantidad de partituras con cifrado del género, lo que me facilita seguirlos y acoplarme a ellos. Mientras tocamos otras piezas del repertorio latinoamericano conocido, sigue llegando más gente. Entre el auditorio distingo a un grupo que trata de comunicarse en francés con claro acento gringo. Eso me recuerda una bella canción que oí por primera vez hace una década y que casi de inmediato saqué y desde entonces he disfrutado tocar:

Al término de cada canción, la gente aplaude, grita, bebe se abraza y ríe aun sin conocerse. En el ínter busco a mis amigos, ¿dónde andarán?, ¿habrán ido al baño? ¿Por más cerveza?, quién sabe.  En fin, por ahí han de andar.

Comenzamos a tocar el “Carnavalito”, joya de la música folclórica de Sudamérica (en Francia México también forma parte de Sudamérica) y los acompaño desde el corazón, como si la hubiera tocado desde siempre.

Los que integramos el grupo intercambiamos miradas, asombrados de la coordinación, del “clic” que hemos logrado de primera intención y que se escucha como si ya tuviéramos tocando mucho tiempo juntos. Los latinoamericanos integrados a la audiencia –o mejor dicho a la coreografía- bailan y cantan, deliran junto con nosotros.

Comienza a sonar la Guantanamera, la gente baila y canta eufórica, es la apoteosis de la fiesta. Parece que todos fuéramos uno solo

Por ahí, entre la audiencia un grupo comienza a tararear “la vida es un carnaval” y de inmediato los que tenemos un instrumento en las manos comenzamos a seguirlos, hasta que las cerca de doscientas gentes que estábamos ahí, quizá más, nos convertimos en una sola orquesta y una compañía de danza y teatro y multi-performance al mismo tiempo.

En medio de la vorágine de esta verdadera Bacanal, de este sagrado ritual que rinde culto a Baco, pasan sin sentir las horas y las canciones, y las cervezas.

Vuelve a mí un instante de lucidez y veo que es tarde, o más bien temprano, recuerdo someramente aquello a lo que vine a hacer a estar tierras tan lejanas: mañana hay que ir a trabajar a la escuela, tiempo completo, 4 horas en la mañana, 4 en la tarde, francés aplicado a la administración y el gobierno…

La pura y en ese momento triste realidad me cae como balde de agua sobre las espaldas. Sin que nadie lo note, salgo lentamente de ese espacio mágico y y salgo lentamente del hechizo.  Camino paso a paso por las calles rumbo al hostal en donde vivo, entro a mi estudio, cierro la puerta.

Me desplomo sobre la cama. De repente, todo queda en silencio. Cierro los ojos repasando los detalles de todo lo que sucedió esa noche y viene a mi mente una pieza que ahora ejecuta una chica francesa que toca la guitarra y canta en francés.

Abro de nuevo los ojos y veo que solo ha pasado un instante. Otra vez los cierro y como un eco en la distancia resuena entre notas, sonidos y rumores, la frase de aquella francesa que rebosada y rebasada por la emoción opiácea del momento repitiera hasta el olvido: Je vous aime.

Con ella voy cayendo hasta el fondo de mis sueños. Sí, yo también te amo, los amo, a todos, a todo. Los amo, yo tampoco…

…Suena la alarma del reloj como si lo hiciera por primera vez. Son las 7.45 de la mañana… Uff!, voy a llegar tarde a clases…

Mientras voy corriendo y a paso veloz hacia la escuela insiste mi mente: ¿Habré soñado todo eso? El pensamiento me ocupa pero no me inquieta; la alegría permanece en mi pecho, aun paladeo como una bruma tibia y perfumada el rico, denso y delicado sabor de esos momentos. ¿Sucedió en realidad? No lo sé, no me interesa, lo único cierto es que ese día, uno de la Fiesta de la Música, en el umbral del verano, se abrió la puerta a un mundo donde la musa Euterpe fue la Reina y yo el más humilde de sus vasallos…

Jazzileiro: El Jazz en Brasil (Parte 1)

JAZZILEIRO

El Jazz en Brasil

Por Jose Ramon Gonzalez

Parte 1

Eumir Deodato

Nació en Río de Janeiro, el 22 de junio de 1943, de padre Italiano y madre Portuguesa.

Músico autodidacta, comenzó a tocar el acordeón a los 12 años, pero rápidamente obtuvo aptitudes instrumentales y orquestales, que culminaron con su primera sesión de grabación, a la edad de 17 años.

Originalmente, trabajaba como pianista y arreglista en Río, durante el surgimiento de la Bossa Nova y escapó de Brasil junto con otros músicos brasileños de la Dictadura Militar, mudándose a Nueva York y trabajando primero con Luis Bonfá y, más tarde como arreglista y tecladista para el productor Creed Taylor.

A partir de ahí creció su fama como arreglista y compositor de Jazz, conocido por su diseño y composiciones eclécticas, producto de diversos géneros musicales, como el rock, el pop, el R&B, el Jazz, el Funk y la música orquestal

Su mayo éxito como se dio en los años 70 y desde entonces ha producido más de 500 álbumes para bandas como Frank Sinatra (Sinatra and Company), Vinicius de Moraes, Wes Montgomery, Astrud Gilberto, Kool & the Gang y Bjork (Homogenic), de los cuales 15 han alcanzado disco de platino.

Su primer álbum en los Estado Unidos, Prelude (1973considerado como un disco fusión de Big Bands y Latin Jazz), atrajo a una nutrida audiencia. Su genial versión funky a la pieza de Richard Straus, Also Spracht Zarathustra le valió el premio Grammy en 1974 por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, llegando a ocupar el lugar nº 2 en el Billboard de Estados Unidos y el nº7 en el Reino Unido, y siendo usada como soundtrack de la película Being There.

En sus primeras grabaciones se apoyó de grandes músicos como el guitarrista John Tropea y el flautista Hubert Laws.

Es de las grandes estrellas del Pop Jazz hizo inmortales muchas de sus piezas propias y covers que han llegado a usarse como sound tracks (Ghostbusters, El Exorcista, Bossa Nova) e inclusive como música de video juegos como Grand Theft Auto: Vice City con el track “Radio Espantoso”.

En el 2007 participa en el Disco homenaje al gran arreglista y compositor Enio Morricone. También colabora en disco “Mundo Feliz” del músico Gallego Juan Rivas donde realiza arreglos para la canción El amor que me das.

César Camargo Mariano

Pianista, arreglista, productor y compositor. Nace en Sao Paulo, el 19 de septiembre de 1943

Se le considera uno de los instrumentistas más renombrados fuera de su país.

De su padre, que era maestro de música, aprendió la teoría, la técnica y la ejecución del pianom a lo que sumó todo lo que escuchaba y aprendía “de oreja”. Nunca llegó a convertirse en un músico académico. Después de un par de intentos de incursionar en la música clásica, Camargo prefirió seguir tocando de oído.

En 1957 —cuando Camargo Mariano todavía no había cumplido los 14 años— la trombonista estadounidense Melba Liston lo invitó a participar en su concierto en un club de jazz en Rio de Janeiro. Entonces apareció en un programa especial de radio Globo (en Río) llamado «El niño prodigio que toca jazz».

Ese mismo año, Camargo Mariano conoce a Johny Alf, quien —debido a su gran amistad— lo invita a vivir a casa de su familia. Juntos en su casa en Sao Paulo, Camargo se vuelve familiar con los secretos del arreglo, la composición y las artes del cine y el teatro, gracias al aliento de Alf.

Empezó a actuar como profesional en la orquesta de William Furneaux, y en 1962 formó el grupo Três Américas, que tocaba en fiestas y bailes.

Formó grupos amateurs vocales e instrumentales.

A principio de los años sesenta, cuando la Bossa nova empezaba a entrar en el mercado mundial, el adolescente Camargo Mariano ya era famoso por su habilidad para el swing y por su ahora legendaria mano izquierda.

En 1963 fue a São Paulo e integró el Quarteto Sabá, con quienes graba su primer LP. En seguida formó el Sambalanço Trio, con Airto Moreira y Humberto Claiber. Grabaron un disco con Lennie Dale y ganaron varios premios.

A fines de los años sesenta, la red TV Record de São Paulo lo invitó a un especial llamado Passaporte para o Estrelato (pasaporte al estrellato). Fue contratado por la empresa, donde trabajó como instrumentista y arreglista, y grabó varios discos con su grupo Som Três.

Participó como jurado en festivales de música de la TV Récord.

Sus dos grupos de esa época, Sambalanço Trio y Som Tres, se consideran los exponentes más altos del jazz brasilero.

Su álbum de jazz Samambaia (1981), fue uno de los más conocidos tanto en Brasil como en EE.UU.

Las colaboraciones de Camargo a los más importantes cantantes de Brasil, como Wilson SImonal y Elis Regina, le dieron fama mundial.

El histórico álbum Elis e Tom realizado junto con Antonio Carlos Jobim en 1973, lanzó definitivamente a Camargo como productor, pianista y director musical de alcance global.

También participó en trabajos con músicos de talla mundial como Chico Buerque, Maria Bethania, Jorge Ben, entre otros. En la misma época, entró en el mercado de los jingles, los soundtracks y la música de propaganda.

Desde entonces, Camargo Mariano trabajó con muchas personalidades del espectáculo, como YoYoma y Blossom Dearie. También ha compuesto mucha música para películas y televisión.

En los años ochenta, Camargo Mariano grabó dos discos considerados históricos: Samambaia, con el guitarrista Helio Demiro; y Voz e suor, con la cantante Nana Caymmi, siendo el primero en utilizar secuenciadores en sus arreglos musicales

Continuó su actividad como arreglista, productor, compositor y pianista en Brasil hasta 1994, cuando se mudó a Estados Unidos, donde comenzó a trabajar con el compositor Sadao Watanabe, quien lo llevó a giras a Japón.

Sus hijos también han alcanzado la fama:

De su primer matrimonio con la cantante brasileña Marisa Gata Mansa, tuvo un hijo, Marcelo Mariano, actualmente un gran bajista en Brasil.

Se unió 8 años con la que quizá sea la más famosa famosa cantante de Brasil, Elis Regina, con quien tuvo dos hijos: Pedro Mariano y Maria Rita, actualmente famosos cantantes en Brasil.

De su segundo matrimonio en 1982 con Flavia Rodrigues Alves, tuvo una hija, Luisa Camargo Mariano, también cantante, que desde 2008 estudia en el Berkley College of Music de EE.UU.

En 2006 recibió el premio Grammy por su larga y gran trayectoria.

Badi Assad.

Es el nombre artístico de Mariângela Assad Simão, guitarrista, cantante, percusionista y compositora, nacida en São João da Boa Vista, 1966. Se ha especializado en el jazz y el worldbeat.

Proviene de una familia de gran tradición musical. Su padre, Jorge Assad, de ascendencia libanesa, toca la mandolina, y sus dos hermanos mayores, Sergio y Odair, son guitarristas y forman el Duo Assad.

Badi Assad estudió guitarra clásica en la universidad de Rio de Janeiro y ganó el Concurso joven de los instrumentistasen Rio de Janeiro en 1984.

En 1986, se unió a la Orquesta de guitarras de Río de Janeiro, dirigida por el gran guitarrista Turibio Santos.

Actuó en Europa, Israel y Brasil junto con el guitarrista Françoise-Emmanuelle Denis bajo con quien formó el Dúo Romantique.

En 1987, fue nombrada “mejor Guitarrista de Brasil” en el Festival internacional Villa-Lobos.

Grabó su primer disco Dança do tons (danza de tonos) en 1989.

En 1995, Assad fue denominada como mejor Guitarrista acústica, por la revista Guitar Player.

Su disco más reciente es Wonderland, de 2006 producido por Deutsche Grammophon.

Tocó a duo con Toquinho en Cremona, Italia, el 5 de agosto de 2010.

Ha tocado y grabado con muchos artistas notables, especialmente del ámbito del jazz, como Cyro Baptista, Pat Metheny, John Abercrombie y Stephen Kent, entre muchos otros.

Rock Around Brasil (Parte 2)

ROCK AROUND BRASIL (Parte 2)

Por Jose Ramon Gonzalez

Años 80

La década del 80 fue la del boom del rock latinoamericano y de la aceptación popular del rock brasileño o BRock, que nació en buena medida de los lugares para shows de rock como Noites Cariocas y Circo Voador en Río de Janeiro, y Aeroanta en São Paulo, de donde surgieron muchas y muy buenas bandas. Es por ello que en esta ocasión nos referiremos solo a las más significativas.

Las primeras bandas en obtener éxito masivo en Brasil surgieron del llamado “Verano del Rock” en 1982. Entre ellas se encuentran:

Ira!

Grupo formado en Sao Paulo en los 70’s con el nombre de Suburbio, en el declive de la dictadura militar, y formalmente integrado en 1981 ya con ese nombre, inspirado del Ejercito Republicano Irlandés (ERI en español, IRA en Inglés), que al cabo del tiempo se convirtió en toda una leyenda del rock brasileño. Integrado originalmente por Edgard Scandurra (fundador, guitarra y voz); Nasi (fundador, voz); Adilson (bajo); Fabio Scattone (batería). Su nombre fue Influenciados por el Punk Rock de la época (The Clash, The Cure, Ramones) y con acentos de Led Zepelin, The Who, Jimmy Hendrix

Su primer LP Mudança do comportamento, fue grabado en 1985. Resaltan 3 tracks:

En 1986 surge su álbum de lanzamiento considerado su mejor album, Vivendo e não aprendendo:

En 1987 sale al público el disco Psicoacústica que se volvió un LP de culto.

Su disco de mayor éxito fue Ira MTV acústico en 2004 (En 1990 entro MTV Unplugged a Brasil).

La Banda se separó en 2007, como producto de problemas internos y familiares entre Nasi y su hermano, dueño del nombre de la banda. Se reintegró en 2013.

Los cuatro Grandes del Rock Brasileño:

Cuatro bandas brasileñas (que después fueron denominadas “Los cuatro grandes”, se destacaron especialmente en los años 80 por su popularidad masiva:

1.- Legião Urbana.

La banda nace en Brasilia, en 1982, luego de la desintegración de Aborto Eléctrico, a iniciativa de Renato Rosselini (Renato Russo) quien tomó su nombre artístico de Jean Jaques Rousseau y Bertrand Russell, junto con Dado Villa-lobos (Guitarra), Renato Rocha (Bajo) y Marcel Bonfá (Batería). Con influencia de Sex Pistols, Ramones, The Smiths, Talking Heads, entre otros.

Su primer disco se grabó en 1985, con temas como:

Que se convirtieron en clásicos de la música brasileña contemporánea.

Se desintegró en 1996, luego de la muerte de su líder Renato Russo a causa del SIDA. Sus ventas llegaron al os 20 millones de discos, llegando a ser la 3ª banda con más ventas a nivel mundial de la compañía EMI. Sus canciones siguen sonando en la radio.

2.- Os Paralamas do sucesso (los guardafangos del éxito).

Uno de los grupos más importantes del Rock Latinoamericano. Creado en Rio de Janeiro en 1982 por Herbert Vianna, líder de la banda, junto con Bi Ribeiro (bajo) y João Barone (batería); de orientación hacia un Ska con influencia de The Police.

Trascendieron las fronteras de Brasil, llegando a ser muy populares Argentina, Chile y Uruguay, Paraguay, Colombia.

Hebert Vianna

Su primer álbum, Cinema Mudo, en 1983 para EMI tuvo un éxito moderado.

Al año siguiente, en 1984 lanzan el disco O passo do Lui con éxitos como:

El éxito del disco los llevó a participar en el primer festival “Rock in Rio, de 1985.

En 1986 lanzan Salvagem?, disco con el que se opusieron a la manipulación que venían sufriendo por los “genios” de la industria musical de EMI y en el que mezclaban influencias de la MPB, llegando a vender 700 mil copias y los llevaría a tocar en el Festival de Montreux (la presentación se convirtió en su álbum en vivo “D”.

Os Paralamas volvieron al éxito en los 90 con

3.- Titãs

Originarios de Sao Paulo. Originalmente llamados “Os Titãs do iê-iê”. Iniciaron formalmente en 1981, fusionando las estéticas del new wave y el reggae con la MPB (música popular brasileña). La primera formación contó con Arnaldo Antunes (voz), Branco Mello (voz), Marcelo Fromer (guitarra), Nando Reis (bajo), Paulo Miklos (saxo y voz), Sérgio Brito (teclado y voz), Toni Belloto (guitarra), Ciro Pessoa (voz) e André Jung (batería).

En 1984 saca su primer álbum con la marca WEA, que a pesar de sus ventas modestas, logro colocar su primer hit:

En 1985 dos miembros de la banda son apresados por posesión de heroína. A raíz de esto, en 1986 el grupo lanza su disco Cabeça Dinossauro, que en varias de sus canciones criticaban instituciones públicas, como la policía, la iglesia, la familia. El álbum ha llegado a ser considerado como el mejor del grupo y uno de los paradigmas del Rock Brsileño.

Después de una baja de popularidad, resurgen en 1995 con su álbum acústico MTV conmemorativo de sus 15 años de carrera formal, llegando a vender 1.7 millones de discos,

Este exitoso álbum fue seguido de un volumen 2, con músicos invitados como Fito Páez, Jimmy Cliff, Marisa Monte, Rita Lee, Marina Lima, Roberto Carvalho y Arnaldo Antunes, miembro fundador de la banda quien se reintegró para grabar este disco del que destaca la canción

La cadena televisiva Rede Globo, los contrató para hacer para su telenovela Cuna de Gato, el single

  • Porque Eu Sei Que é Amor (porque sé qué es amor) http://www.youtube.com/watch?v=v6h6Hpie7Ao, que a pesar de ser una pieza “descafeinada” del grupo en cuanto a su perfil tradicional, logro gran éxito y los mantuvo en el tope del estrellato.

4.- Barão Vermellho (Barón Rojo)

Originalmente llamado “Snoopy y el Barón Rojo”, empezaron como una banda de garaje preparatoriana, ahora es considerada una del as bandas con mayor influencia en el Rock de los años 80.

Formado por Cazuza y Roberto Frejat en Rio de Janeiro en 1981. El nombre real de Cazuza es Agenor Miranda Araújo Neto, hijo del famoso cantante y compositor Joao Araujo y luego productor de “Som Livre” una de las principales disqueras brasileñas, que fue la que precisamente les grabó su primer disco con el mismo título Barão Vermellho en 1982. De ese álbum destacan:

  • Bilhetinho Azul,
  • Ponto Fraco,
  • Down em Mim,

La banda no repuntaba, no se programaban sus canciones en la Radio; hasta que en 1983 Caetano Veloso se refirió a Cazuza como el mejor poeta de su generación y le hizo un cover a su canción

Su fama realmente comenzó a nivel nacional en 1984, cuando hicieron el soundtrack de la película “Bete Balançohttp://www.youtube.com/watch?v=_3GSxMcsjA4 que poco tiempo después incorporaron en su tercer álbum Maior Abandonado que en los primeros 6 meses vendió más de 100 copias, lo que le ganó un lugar en el festival Rock in Rio de 1985.

Cuando Cazuza abandonó el grupo para seguir una exitosa carrera de solista, fue sustituido por el guitarrista Roberto Frejat, pero sin el apoyo de la disquera su éxito decayó, hasta que en 1988 lograron abrir los conciertos que dio Rod Stewart en Brasil.

Al año siguiente después de su “levantón” gracias a la gira con Rod Stewart, Som Livre, la disquera donde trabajaba el papá de Cazuzo, lanzó un disco de Gratest hits con canciones de la época cuando Cazuza cantaba en el grupo (murió en 1990 de SIDA).

En 1991 grabó un Unplugged con MTV y 1995 le abrió a los Rolling Stones en su gira Voodoo Lounge por Brasil.

En 1998 grabaron “Puro Extase” un álbum con influencia tecno que fue catalogado como el mejor disco del grupo en toda la década.

Como decíamos al principio, hay muchos grupos Brasileños de Rock que surgieron en este período 80s-90s. Solo mencionaremos a algunos grupos “Mineiros” como:

Skank”, que fusionaba distintos tipos de rock y géneros.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Samuel_Rosa.jpg/200px-Samuel_Rosa.jpg

Samuel Rosa, líder de Skank

A lo largo de la década, surgirían otros muchos grupos mineiros, como:

Pato Fu

Jota Quest

Tianastacia.

En 1994 surgió en Recife el movimiento Mangu beat, que fusionaba percusión nordestina y guitarras pesadas, y tuvo buena aceptación de la crítica.

Los principales grupos de esta corriente son:

Chico Science

Mundo Libre S/A

Entre 1994 y 1995 surgieron dos grupos de tipo humorístico que obtuvieron gran éxito, como

Los Raimundos, provenientes de Brasilia, con un ritmo denominado “forrócore” (forro + hardcore)

Algunos raperos brasileños tuvieron vinculación estrecha con el rock, como

Gabriel o Pensador

Planet Hemp, Siguiendo el camino de Sepultura

Angra

Krisiun

Choke, que llegó a grabar en inglés, con lo que alcanzó un considerable éxito en el exterior.

Otros que se destacaron fueron:

O Rappa (reggae/rock)

Charlie Brown Jr (“skate rock” con canto rap), y

Pero sin duda lo más destacado del rock brasileño en cuanto a intérpretes se refiere a la magnífica cantante Cássia Eller. Fabulosa voz, mágica en el escenario, grande entre los grandes de la música brasileña. Cássia lo demuestra en toda su extensa discografía, por eso merece mención especial.

Década del 2000.

2001 fue un año trágico para el rock brasileiro y latinoamericano: Herbert Vianna de los Paralamas, sufrió un accidente y quedó parapléjico (aunque más adelante volvió a tocar); Marcelo Frommer, de los Titãs, murió atropellado; Marcelo Yuka, de O Rappa, fue baleado y quedó paraplégico; y Cássia ellar murió, no sin antes dejarnos su mejor trabajo, el Acústico MTV, 2001.

Las bandas de los 90 pasaron por muchos cambios:

Skank se volcó hacia el britpop; el líder de los Raimundos, Rodolfo, se convirtió a la religión evangélica y salió de la banda para formar Rodox; Los Hermanos, grabaron un polémico, experimental y aclamado segundo álbum Bloco do eu sozinho 2001 que profundizaron con los dos siguientes: Ventura 2003 y “4” 2005; tres de los cuatro integrantes de Charlie Brown Jr. abandonaron el grupo.